作曲方法
音乐学(1)作曲技巧指南
音乐学(1)作曲技巧指南
作曲技巧是音乐创作过程中的关键要素，下面将介绍一些有助
于提升作曲技巧的指南。
1. 充分了解音乐理论：作曲前，建议对音乐理论有全面的了解。
研究和掌握音乐基本知识，包括音符、音阶、调性、和弦等，能够
帮助作曲者更好地表达自己的音乐创作意图。
2. 培养创意思维：作曲是创造性的过程，培养创意思维对于作
曲者至关重要。
多进行音乐延伸思维的训练，如即兴演奏、视奏乐谱、独奏等，可以激发自己的创作灵感。
3. 熟悉乐器能力和编曲技巧：作曲者应该具备一定的乐器演奏
能力和编曲技巧。
通过深入研究乐器演奏技术和编曲方法，可以更
好地将音乐创意转化为乐曲。
4. 借鉴他人作品：借鉴他人的作品是作曲者成长过程中的必然
阶段。
通过欣赏和分析他人的作品，可以研究到不同的作曲技巧，
并在自己的创作中加以运用和发展。
5. 留意音乐风格和趋势：了解不同音乐风格和当代音乐趋势对于作曲者来说很重要。
跟踪音乐行业的发展，关注当下流行的音乐元素和技巧，可以帮助作曲者保持创作的新颖性和时代感。
以上是一些提升作曲技巧的指南，希望能对音乐学习和作曲实践有所帮助。
通过不断学习和实践，作曲者可以在创作中不断成长与进步。
作曲的技巧和方法
作曲的技巧和方法
作曲的技巧和方法可以因个人的风格和喜好而有所不同，但以下是一些普遍适用的原则和建议：
1. 寻找灵感：灵感来源可以是生活中的各种情感、景色、事件等等。
可以试着关注周围的事物，记录下来并深入思考，寻找创作的灵感。
2. 学习音乐理论：音乐理论是作曲的基础，了解音乐的基本元素，比如和弦、旋律、节奏等，可以帮助你更好地组织和表达想法。
3. 创造旋律和和声：旋律是作曲的核心，尝试用琴键、嗓音或其他乐器找出旋律线。
同时，和声是增添音乐深度和层次的重要组成部分，通过使用和弦和音程可以塑造作品的情感色彩。
4. 结构化作品：保持作品的结构和逻辑性可以使其更易于理解和欣赏。
尝试使用不同的乐章、主题重复或发展等手法来组织你的作品。
5. 创造独特的音色：通过选择不同的乐器和声音特效，可以为你的作品带来更丰富的层次感和个性。
6. 尝试进行编曲：把你的作曲想法进一步展开，添加其他乐器的演奏部分，调整和改进声部编排，使其更加丰满和完整。
7. 培养创作的习惯：坚持每天写作曲目，即使只是简短的片段
或想法，也能够培养创作的习惯并逐渐提高作曲技巧。
8. 听取他人的意见：与他人分享你的作品并聆听他们的反馈和建议，有助于你发现潜在的改进空间和创作方向。
总之，作曲是一种个人创作的过程，尝试不同的技巧和方法，发现适合自己的方式，并保持练习和探索的精神，才能不断提高作曲的水平。
作曲的方法
作曲的方法作曲，那可是一门神奇而又充满魅力的艺术！它就像是用音符搭建起的梦幻城堡，让人心驰神往。
要作曲，首先得有灵感呀！就像做菜要有食材一样，灵感就是作曲的原材料。
然后呢，把这些灵感转化为具体的音符和旋律。
这可不是一件容易的事儿啊！得注意旋律的起伏、节奏的把握，还有和声的搭配，哎呀，这里面的学问可大着呢！比如说，旋律不能太平淡，要有高低起伏，就像爬山一样，有陡峭的地方也有平缓的地方，这样才有意思呀！节奏要恰到好处，不能太快也不能太慢，就像心跳一样，要有规律。
和声呢，就像是给旋律穿上漂亮的衣服，让它更加光彩照人。
在这个过程中，可千万不能马虎，要仔细琢磨，反复尝试，不然怎么能创作出好听的曲子呢？作曲的过程也得注意安全性和稳定性呀！这可不是开玩笑的。
就像盖房子一样，根基要稳，不然房子会倒塌的。
作曲也是一样，旋律、节奏、和声这些都要相互配合好，不能有冲突，不然听起来会很别扭的。
而且要保证整个曲子的结构合理，有开头、中间和结尾，不能虎头蛇尾呀！这就需要我们有扎实的音乐基础和丰富的经验，不然怎么能驾驭得了呢？作曲的应用场景那可多了去了！比如可以为电影、电视剧创作配乐，让观众更加沉浸在故事中；可以为歌手创作歌曲，让他们用美妙的歌声打动人心；还可以创作纯音乐，让人们在欣赏中放松心情，感受音乐的魅力。
作曲的优势也很明显呀，它可以表达我们内心深处的情感和想法，就像用音乐说话一样。
而且好的作曲可以流传很久很久，成为经典，让后人也能欣赏到。
哎呀，说到实际案例，那周杰伦的很多歌曲不就是很好的例子嘛！他的作曲风格独特，旋律动听，深受大家喜爱。
比如《青花瓷》，那优美的旋律，简直让人陶醉呀！还有贝多芬的《命运交响曲》，那气势磅礴的旋律，仿佛在和命运抗争，让人热血沸腾！这些不都是作曲的魅力所在嘛！作曲就是这么神奇，这么有趣，这么让人着迷！它是音乐的灵魂，是我们表达情感的最佳方式。
所以呀，大家都来尝试作曲吧，说不定你就是下一个音乐大师呢！。
作曲的灵感来源与创作方法
作曲的灵感来源与创作方法作曲是一门艺术，它不仅仅是音乐的创作，更是音乐家对于生活、情感和思想的表达。
作曲家们通过各种方式寻找灵感，并运用独特的创作方法将其转化为音乐作品。
本文将探讨作曲的灵感来源以及一些常用的创作方法。
灵感来源于生活。
生活是作曲家最重要的灵感源泉之一。
作曲家们通过观察和体验生活中的各种事物，从中汲取灵感。
比如，一位作曲家可以受到大自然的启发，通过观察山川河流、听取鸟鸣昆虫的声音，来创作具有自然元素的音乐作品。
另外，作曲家也可以从人类的情感和经历中获得灵感。
他们可以通过观察人们的行为、体验人们的情感来创作具有情感共鸣的音乐作品。
灵感来源于文学艺术。
文学艺术作品也是作曲家们寻找灵感的重要途径。
作曲家们可以读取文学作品，从中获得情节、人物或者情感的灵感。
比如，某位作曲家读到一本关于爱情的小说，他可以通过小说中的情节和人物形象来创作一首表达爱情的音乐作品。
此外，作曲家还可以受到绘画、雕塑等艺术形式的启发，将艺术中的形象和色彩转化为音乐的形式。
灵感来源于历史和文化。
历史和文化是作曲家们寻找灵感的重要来源之一。
作曲家们可以通过研究历史事件、文化传统来获取灵感。
他们可以通过对历史人物的了解，创作具有历史感的音乐作品。
同时，作曲家们也可以通过研究不同文化的音乐形式和乐器，将不同文化元素融入到自己的音乐创作中。
创作方法也是作曲家们创作音乐的重要工具。
不同的作曲家有着不同的创作方法，下面将介绍一些常见的创作方法。
即兴创作是一种常见的创作方法。
即兴创作是指作曲家在演奏或者创作过程中，没有预先准备的情况下，即兴地进行创作。
即兴创作可以让作曲家更加自由地表达自己的情感和思想，同时也可以让他们更好地发挥自己的创造力。
主题和变奏是一种常用的创作方法。
主题和变奏是指作曲家通过对一个主题进行变化和发展，创作出一系列具有相同主题的音乐作品。
这种创作方法可以让作曲家在保持音乐的连贯性的同时，展示出不同的变化和发展。
序列式创作是一种常见的创作方法。
教你如何作曲
作曲1.使用和弦加入经过音来作曲。
适用于先写和声进行，然后再加入旋律。
此类曲子的旋律与伴奏的和弦相对来说，非常和谐！旋律的和声走向特别明显！但是，一般篇幅比较短小！这时候，吉他的不同的速度和扫弦节奏，不同的分解和弦的指法。
强弱节拍的不同变化，我们可以感觉到不同的旋律的！会产生不同的创作灵感的！如: 李圣杰的<<痴心绝对>>的高潮部分(即副歌部分)的和弦音就非常的明显!还有,你可以唱一下陈慧娴的<<千千阙歌>>的前奏,旋律,间奏和尾奏来试着去体会一下!2. 使用纯粹的自然音阶来作曲。
适用于写长段的旋律！先写旋律，后写和声！如：大调自然音阶： 1 2 3 4 5 6 7 小调自然音阶：6 7 1 2 3 4 53. 使用各种特色音阶来作曲。
这一点，我要重点讲一下！我们可以使用各个国家，或者各个民族的特色音阶来作曲！如：我国常用的五声音阶：大调五声音阶： 1 2 3 5 6小调五声音阶： 6 1 2 3 5和声小调音阶： 6 7 1 2 3 4 #5大佛里吉亚音阶： 1 b2 3 4 5 b6 b7 （Phrygian-Dominant）也有人把它叫做；弗拉门戈音阶！自然音阶的各种不同的模式：伊奥尼亚模式： 1 2 3 4 5 6 7 （Ionian）也就是大调自然音阶！多里安模式: 2 3 4 5 6 7 1 ( Dorian )佛里吉亚模式： 3 4 5 6 7 1 2 （Phrygian）利底亚模式： 4 5 6 7 1 2 3 （Lydian）混合利底亚模式： 5 6 7 1 2 3 4 （Mixolydian）爱奥尼亚模式： 6 7 1 2 3 4 5 （Aonian）也就是小调自然音阶！洛克里亚模式： 7 1 2 3 4 5 6 （Locrian）以上自然音阶以不同的音作为开始，向下顺次排列的方式，叫做: 旋法调！e. 减音阶： 1 2 b3 4 b5 b6 bb7(6) 7f. 半-全减音阶： 1 b2 b3 3 b5 5 6 b7g. 全音音阶： 1 2 3 #4 #5 #6h. 布鲁斯音阶： 1 b3 4 b5 5 b7 ( Blues )i. 混合布鲁斯音阶： 1 b3 3 4 b5 5 b7j. 大利底亚音阶： 1 2 3 #4 5 6 b7 ( Lydian-Dominant )k. 超级洛克里亚音阶： 1 b2 b3 b4 b5 b6 b7 （Super-Locrian）l. 印度音阶: 1 2 3 4 5 b6 b7 （Hindu）m. 吉普赛音阶： 1 b3 #4 5 b6 b7 （Gypsy）n. 匈牙利音阶： 1 #2 3 #4 5 6 b7 （Hungarian）o. 匈牙利小调音阶： 1 2 b3 #4 5 b6 7 （Hungrarian Minor）p. 旋律大调音阶: 1 2 3 4 5 b6 7 1 b7 b6 5 4 3 2 1q. 旋律小调音阶： 6 7 1 2 3 #4 #5 6 5 4 3 2 1 7 6r. 日本音阶： 6 7 1 3 4s. 俄罗斯音阶： 6 （ b7 ） 7 1 2 3 4 （#4 ） 5 （#5 ）t. 爵士小调音阶： 1 2 b3 4 5 6 7u. 阿拉伯音阶： 1 b2 3 4 5 b6 b7v. 拿波里大音阶： 1 b2 b3 4 5 6 7w. 拿波里小音阶： 1 b2 b3 4 5 b6 7x. 东方音阶： 1 b2 3 4 b5 6 b7其实，简单地说，就是在你作的自然音阶旋律中，你随时准备即兴的加入一个或者若干个变化音，也就是半音！可以升高半音，或者降低半音！看你自己的喜好了！4. 借助各种乐器的音阶特点来作曲。
作曲职称小型作品10分钟左右
作曲职称小型作品10分钟左右1. 引言作曲是音乐创作中的重要环节之一，通过编写乐曲来传达情感、表达思想和展示个人创造力。
在作曲过程中，作曲家要能够使用乐理知识、音乐素材和创作技巧来构建一个完整的音乐作品。
本文将介绍一种适合作曲职称小型作品10分钟左右的创作方法。
2. 音乐风格选择首先，作曲家需要确定音乐作品的风格。
考虑到作曲职称小型作品的时间限制，选择一个相对简单的音乐风格是比较明智的选择。
经典音乐风格如巴洛克或古典风格是一个不错的选择，因为它们有着清晰的结构和规范的和声。
另外，选择流行音乐风格或电影配乐风格也是一个不错的选择，因为它们通常有着简洁的结构和容易被大众接受。
3. 曲式结构选择在确定了音乐风格之后，接下来需要选择曲式结构。
由于作品时间的限制，通常选择一种简单直接的曲式结构比较适合。
ABA曲式是一个很好的选择，它由两个相对独立的部分（A和B）组成，然后再回到A部分。
这种结构简单明了，而且易于听众理解。
4. 主题创作在选择曲式结构之后，作曲家需要开始创作主题。
主题是作品的核心，也是整个作品的灵魂所在。
作曲家可以通过钢琴或其他乐器来探索和弹奏各种音乐片段，并尝试发现潜在的主题。
一旦找到了一个令人满意的主题，就可以开始构建整个作品的音乐结构。
5. 主题变奏和发展在确定了主题之后，作曲家可以开始对主题进行变奏和发展。
这可以通过改变旋律的音高、节奏、速度或和弦进行来实现。
变奏和发展可以给作品带来更丰富的层次和音乐性，并增加听众的兴趣。
同时，适度的反复使用主题，可以在整个作品中增加一种统一感。
6. 和声和声部安排作曲职称小型作品的和声部分通常较简单。
作曲家可以使用简单的和弦进行来构建和声，并选择适当的音乐素材来填充每个声部。
确保声部之间有合理的和声关系，并避免声部间的冲突和跳跃。
可以对和声进行适度的变化和转换，以增加作品的变化和丰富性。
7. 节奏和速度选择在选定和声之后，作曲家需要考虑节奏和速度的选择。
20世纪的作曲方法
20世纪的作曲方法
20世纪的作曲方法涵盖了多种不同的风格和技巧，以下是其中一些主要的作曲方法：
1. 扩展和重新定义传统音乐形式：20世纪的作曲家对传统的音乐形式进行了扩展和重新定义，通过结构的变化、多样化的曲式模式和新的组织方法来挑战传统。
2. 萨特尔曼体系：由奥利弗·马斯康（Oliver Messiaen）发展起来的音乐语言体系，强调对色彩、鸟类鸣叫和宗教元素的感知和表达。
3. 序列技术：二战后，序列技术在音乐界流行起来。
这是一种基于严格的音形序列生成音乐的技术，它不受传统音乐的调性规则约束。
4. 微调和混音：20世纪的作曲家开始探索新的音高系统，包括微调系统和混音。
微调允许使用比传统音高更小的间隔，从而创造出新的和声和音阶。
5. 音色实验：作曲家开始更加关注音色的创新和实验，通过使用不同的乐器组合、特殊技巧和电子音乐来推动音色的发展。
6. 音乐电子化：20世纪是电子音乐的发展阶段，作曲家开始使用电子乐器和录音技术来创造音乐，这扩展了作曲家的创作和声音设计的可能性。
7. 随机性：一些作曲家采用了随机性和机会元素作为作曲的基础，例如使用掷骰子或其他随机方法来决定音高、时值、音色等。
总的来说，20世纪的作曲方法变得更加多样化，作曲家开始尝试新的声音、新的结构和新的音乐风格，以反映他们对音乐的个人观点和音乐世界的不断变化。
作曲的基本方法
作曲的基本方法作曲是一门艺术，通过音乐语言来表达创作者的情感和思想，创造出独特而美妙的音乐作品。
本文将介绍作曲时常用的基本方法，帮助读者了解作曲的过程以及如何运用这些方法来创作出优秀的音乐作品。
一、音乐创作的灵感来源灵感是作曲的起点，它可以来自于各种不同的来源。
有时候，灵感会突然降临，如一段旋律在脑海中浮现；有时候，灵感则需要主动去寻找，如通过欣赏他人的作品或观察自然景象来获取灵感。
作曲家可以通过培养自己的音乐素养、不断积累音乐知识和体验，以及保持开放的思维，来提高获取灵感的能力。
二、主题或基本素材的选择在确定了创作的灵感来源后，作曲家需要选择一个主题或基本素材为出发点。
主题可以是一段旋律、一个和声进行、一段节奏等等；基本素材可以是一个音色、一个和弦进行、一段鼓点等等。
选择一个合适的主题或基本素材对于整个作品的发展和结构非常重要。
三、旋律的创作与发展旋律是作品中最为突出和易于记忆的部分，是作曲家表达情感和思想的重要手段。
创作旋律时，作曲家可以根据自己的情感和创作目的，选择合适的音符、节奏和音程，创造出独特而富有感染力的旋律。
在作品的发展过程中，作曲家可以通过进行变奏、转调、重复等手法对旋律进行发展和丰富。
四、和声的运用和声是作曲中不可或缺的要素，它可以为作品增添层次和丰富度。
作曲家需要根据所选择的主题或基本素材，进行和声的设计和运用。
通过选择合适的和弦进行、进行声部编排、进行声部运动等手法，作曲家可以创造出和谐美妙的和声效果。
五、节奏与韵律的运用节奏是音乐中时间的组织形式，它能够为作品带来动感和节奏感。
作曲家可以运用不同的节奏形式、进行节奏的变化和转换，使作品更富有变化和表现力。
此外，韵律也是作曲中重要的一部分，通过合理运用韵律，作曲家可以为作品注入活力和强烈的节奏感。
六、结构与发展作曲作品需要有一个合理的结构和丰富的发展，以保持听众的注意力和兴趣。
作曲家可以通过不同的形式来组织作品，如ABACABA等形式；也可以通过进行主题的发展和转变，以及进行动态的起伏来增加作品的吸引力。
黄家驹作曲方法
黄家驹作曲方法
黄家驹作曲的方法可以总结为以下几点：
1. 创作灵感的源泉：黄家驹善于从生活中汲取创作灵感。
他常常关注社会时事、人情世故以及自己的个人经历，将这些情感和观察融入创作中。
2. 歌词和旋律的结合：黄家驹擅长将歌词和旋律有机地结合在一起。
他会先确定歌曲的主题和情感表达，然后根据歌词的内容来创作旋律，以使歌词与旋律相得益彰。
3. 多种乐器的运用：黄家驹熟练掌握吉他、钢琴和口琴等多种乐器，他在作曲过程中会根据需要选择合适的乐器进行演奏和录制，以营造出丰富多样的音乐效果。
4. 结构的把握：黄家驹擅长掌握歌曲结构，他会根据需要合理安排歌曲的节奏、副歌和间奏等部分，以使整首歌曲有机地衔接和流畅地过渡。
5. 与伴奏的配合：黄家驹在创作过程中注重歌声与伴奏的配合。
他会根据歌曲的风格和表达方式选择合适的伴奏方式，并在录音时与伴奏进行互动，以获得最佳的音乐效果。
总体来说，黄家驹的作曲方法注重情感表达、歌词与旋律的结合、多元乐器运用、结构的把握以及与伴奏的配合，这些因素共同为他创作出深入人心的音乐作品奠定了基础。
作曲入门_小学生作曲入门方法初探
作曲入门_小学生作曲入门方法初探
作曲是一种创作音乐的方式，让我们能够表达自己的想法与情感。
对
于小学生而言，作曲是一种培养音乐创造力和表达能力的好方法。
下面我
将为大家介绍一些小学生作曲的入门方法。
首先，培养音乐的听觉能力是作曲的基础。
小学生可以通过欣赏不同
类型的音乐，尤其是古典音乐和流行音乐，来提高自己对音乐的理解和感受。
可以尝试倾听不同的乐器声音，了解它们的特点和表现能力。
其次，了解乐谱和音符的基本知识也是十分重要的。
小学生可以学习
音符的名称和音高，如音符所代表的音高高低、音符时值的长短等。
通过
学习这些基本知识，小学生可以开始尝试编写简单的旋律。
接下来，可以通过模仿和改编已有的音乐作为练习。
小学生可以选择
喜欢的歌曲，将它们的旋律改编成自己喜欢的风格，或者加入自己的创意
来重新演绎。
这个过程既可以锻炼小学生对音乐的感知能力，也能够培养
他们对音乐创作的兴趣。
最后，鼓励小学生进行创作的实践，可以鼓励他们写下自己的音乐想
法并为之付诸实践。
可以从一些简单的旋律开始，然后慢慢尝试加入和弦、节奏等元素，逐渐构建一首完整的作品。
在这个过程中，小学生可以不断
地进行修改和完善，从而提高他们的作曲能力。
通过以上的方法，小学生可以逐渐掌握作曲的基本技巧，并且开始创
作出自己的音乐作品。
作曲能够培养小学生的音乐创造力、表达能力和学
习能力，同时也提高他们对音乐的理解和欣赏。
希望以上的方法能够帮助
到小学生们入门作曲，并且开启他们的音乐创作之旅。
作曲的基本方法
举例：安立奎Enrique Iglesias的Hero大家肯定都听过吧（没听过就下一首听去哪都有）。这歌就两段。我记得好象是G调的，如上面说过的，为了好说明问题就改成C调来说了。第一部分的进行就是C-Am-F-G的重复，对不？
2。Am-F-C-G。假如你喜欢爱微尔，那么你用这个进行写几个复歌，你会立即把她的盘扔进垃圾筒（我不会，我有张原盘以后还卖呢，哈哈），因为她几乎在每首歌里都用到这个进行，那个Michelle Branch的All You Wanted也是如此。但是不管怎么说，这个进行的确是很常用的。Evanescence的Going Under的复歌也是这个进行。
也有很多地方用Dm-G-C-...的，那就不光是写高潮部分的了，在过渡段里也更经常的能用到。
4。BASS音阶！这是个重要的规律啊。最常用的是i-7-6-5，那么可以是C-G-F-G,C-Em-F-G,C-Em-Dm-G等等等等...有时候也可以i-b7-6-5，那么和弦可以是C-C7-F-G,C-bB-F-G等，如果音阶是i-7-b7-6-...那可以是C-G-bB-F,C-CM7-C7-F等等...另外一个音阶也是非常常用，可以给你增色许多的：6-#5-5-#4-4，那么可以用Am-C#-C-D-F（D也可以换成#Fdim）有时候不完全是半音阶，6-5-#4，这是最常见的，通常都用Am-Am7-Fm7b5(也就是Am6的转位)，这个进行可以给歌曲的进行一个起伏的感觉，通常用在一段快结尾的地方，不信试试看。
3. 跟着和弦写旋律
现在来说说怎么写旋律.当然,我说的写旋律指的是你在一架钢琴或一把吉他上弹出和弦伴奏的时候即兴唱出或想出旋律这个过程中我积累的一点经验,我并不知道写旋律的什么公式(如果有公式就牛B大发了...)，是不是经常你会觉得自己写的歌曲给人感觉太业余,太生硬,太单调?是不是经常觉得灵感很匮乏?我觉得有一个根本的,直接的原因,是这样的:很多写手在写歌的时候,他用自己的乐器奏起一个和弦C,那么他的脑袋里想出的旋律里面90%都是1,3,5,弹一个和弦G那么他满脑子都是5,7,2,其他的音都当成经过音了.有的时候可以写出点东西来感觉还不错,就是有土了点,听起来就像BEYOND风行天下时的那种感觉...那种东西拿到2004年来是当然不行的...在这里可能得罪BEYOND的歌迷了,但是你们要承认,他们的歌迷主要是从他们那个年代过来的人,他们早已不是主流了.那么现在,用你的乐器弹出一个和弦C来.不管是在吉他上扫弦还是分解等等...什么都好,在4/4拍的一个小节中,请你随兴哼出一段旋律来,注意,不要只把注意力放在1,3,5音上,把2,6,7音当成同样重要的音符来做.咱们把2音说作9音吧,这样更正确一些.如果这些音在这一小节的C和弦进行中起到了作用----我说的"起到作用"是说它们并不是作为经过音在旋律中出现,那么你会感觉到一些不同的色彩.9音,6音,7音都可以给你不同的色彩.但是注意.4音(11音)不要轻易用,从音律上讲它是不和谐的,当然这并不是一个死教条,也有的时候会出现11或#11音比较突出但并不让你觉得这个旋律的色彩很刺激,反而又会展现给你一种新的色彩.现在要说到这篇和前两篇挂上钩的地方了.因为我们是跟着和弦来写旋律(当然我也会经常脑中浮现旋律,记下来以后再给它配合适的和弦,这种情况这帖里不作讨论),那么也要讨论一下关于和弦的问题.当然,现在说的就不是和弦的连接进行了.现在这样,你弹一个Dm和弦,是2,4,6三个音.但如果加一个1音呢(对于D和弦来说应该是b7音),成了2,4,6,1,它成了一个Dm7和弦,它的色彩就不像Dm那么地暗淡,却又不像D7那么刺激,让你觉得有一点点暗却又非常柔和.如果不加1音,加一个7音呢(对D和弦来说是6音),成了2,4,6,7,成了Dm6,给人的感觉要比Dm还暗,又比Dm要刺激,这又是一种色彩.举了这两个例子我觉得大家可以举一反三了吧.想想,如果你满篇的都是大,小,7和弦,那你的旋律色彩必然非常单调,让人觉得"嫩"也是在所难免的.当然如果这些基本和弦你一个也不用的话,也会让人感到修饰得太多,不容易接受(对于流行歌曲来说).再扯回到旋律上来.想想.弹2,4,6,1是一个Dm7的色彩.那么如果弹2,4,6而在旋律中写进1呢,会不会得到同样的色彩?答案是肯定的.当然,2,4,6,1这几个音,每一个的突出程度也会对这一段音乐的色彩起一些微妙的变化.如果你强调1,色彩就更偏向Dm7,如果1音不太突出,那么色彩就偏向Dm.我的意思是说,我们加入一些和弦外音,其实在某种意义上和弹奏一个不同的和弦是很接近的.
几种作曲的方法
几种作曲的方法
作曲是一项让人愉悦的艺术创作。
它可以让你抒发自己的内心情感，与世界进行沟通。
以下是几种作曲的方法，希望能给你带来灵感。
1. 钢琴即兴。
这是一种直接从钢琴上发掘灵感的方法。
坐在钢琴前，键盘下手，尽情地演奏，感受灵感，并尝试在演奏中创作出属于
自己的音乐。
2. 使用数字序列。
用数字来代表音符，可以让作曲变得简单直观。
你可以使用一些简单的软件来生成乐曲数字序列，也可以手动编写。
通过不同的数字组合，你可以创作出独特的旋律。
3. 利用色彩。
音乐与色彩之间有着很大的联系。
试着将不同的色
彩与乐器进行对应，并将色彩作为作曲时的灵感来源。
例如，黄色可
以代表欢快的音乐，蓝色可以代表沉静的音乐，红色则可以代表激情
的音乐。
4. 利用人物故事。
尝试从人物故事中获得灵感。
你可以从自己的
生活中寻找灵感，将人物特征和情感表现转化为音乐语言，创作出你
自己的曲目。
总之，作曲是一个充满创意和想象力的过程。
无论你选择哪种方法，都要尽情发挥你的灵感，全情投入创作之中，将声音转化为音乐，创造出属于自己的独特作品。
作曲系四大件简介
作曲系四大件简介
作曲四大件是指和声、复调、曲式、配器。
作曲是指音乐的创作过程，或创作音乐的行为，也可以表示音乐作品的创作者。
是运用和声学、配器法、复调、曲式结构的技术理论体系以及基本乐理来表达创作者音乐思想的方法。
1、和声:是一门研究和音的结构以及如何连接的理论学科，包括和弦的连接与相互关系、和声风格的形成、发展与演变,以及应用、分析与写作方法的理论，是一种极为必要的音乐作曲理论知识和作曲基本技能。
2、复调:是由两段或两段以上同时进行、相关但又有区别的声部所组成，这些声部彼此形成和声关系,以对位法为主要创作技法，各自独立，但又和谐地统一为一个整体,运用复调手法，可以丰富音乐形象，加强音乐发展的气势和声部的独立性，造成前呼后应、此起彼落的效果。
3、配器，是给一段旋律配上各种乐器，使之形成多声部的音乐，是作曲法的组成部分之一,指器乐合奏曲中各种乐器的配合，其内容要点为各类乐器的音色对比与配合效果、各类乐器性能及其演奏法、乐曲原音响统-效果。
4、曲式:分为- -段式、二段式、三段式
(1)一段式是由一个乐段构成乐曲的曲式,在中国各地民歌中最为多见，一段体过去所表现的音乐形象一般比较集中，音乐表现手法的运用也相对简洁,统一。
(2)二段式是由两个乐段组合构成的乐曲形式，它是第一个乐段的终止式根据音乐的需要可采用完全终止或不完全终止。
(3)三段式是指在两段体的基础上,又回到第一个乐段作为结束, 以加强第一段的主题思想。
tonica fugata 15作曲方法
tonica fugata 15作曲方法调性逃脱是一种作曲技巧，可以生成大量的音乐素材。
调性逃脱的起源可以追溯到巴赫时期的赞税复调，它通过将旋律和和声合并成一个整体，创造出非常复杂和丰富的音乐作品。
现代音乐中，调性逃脱已经成为一种非常流行的作曲方法，无论是在交响曲还是流行歌曲中都可以看到它的身影。
下面将详细探讨调性逃脱的15种作曲方法。
1.音型串联：这是调性逃脱中最基础的方法之一。
通过将一系列音型连续地串联在一起，创造出富有变化和动态的音乐作品。
这些音型可以根据作曲者的意图自由选择，可以是简单的旋律段落，也可以是复杂的和声结构。
2.轮廓模仿：这种方法通过模仿旋律的轮廓来创造和声和旋律的关联性。
通过在旋律中重复和变化一定的音程和音符，在整个作品中形成一种统一的音乐风格。
3.融合技巧：融合是调性逃脱中非常常用的一种方法。
通过将两个或多个旋律融合在一起，创造出新的旋律和和声。
融合可以是完全的和声叠加，也可以是部分的重叠。
4.随机运用：这是一种较为冒险的调性逃脱方法。
通过使用随机生成的音符和和声，给作品带来一种自由不确定的感觉。
这种方法需要作曲者有较强的音乐感觉和创造力，能够在随机性中找到有趣和富有表现力的音乐元素。
5.反向处理：反向处理是一种将旋律或和声以相反的顺序进行处理的方法。
这种方法可以带给作品一种新颖有趣的变化，增加作品的创造性和表现力。
6.转位处理：转位处理是一种将旋律或和声的音高按照一定规则进行转换的方法。
通过转位处理，原本简单的旋律和和声可以得到更加复杂和丰富的效果。
7.倒影处理：倒影处理是一种将旋律或和声以对称轴进行反转的方法。
通过倒影处理，作曲者可以获得一种镜像对称的音乐效果，增加作品的张力和复杂性。
8.混合处理：混合处理是一种多种调性逃脱方法的综合应用。
通过将不同的调性逃脱方法组合在一起，创造出更加复杂和多变的音乐作品。
9.累进处理：累进处理是一种逐渐增加旋律或和声复杂性的方法。
通过将简单的音乐元素逐步发展成复杂的音乐形式，作品可以具有更强的张力和表现力。
tonica fugata 15作曲方法
tonica fugata 15作曲方法一、概述TONICA FUGATA 15作曲方法TONICA FUGATA 15是一种富有创意和挑战的音乐创作方法。
它结合了多种音乐元素，如旋律、和声、节奏等，为作曲家提供了广阔的创作空间。
在这篇文章中，我们将详细介绍如何运用TONICA FUGATA 15方法进行音乐创作，以帮助读者更好地把握这种独特的作曲技巧。
二、TONICA FUGATA 15的作曲技巧1.旋律创作在TONICA FUGATA 15作曲方法中，旋律是音乐作品的灵魂。
作曲家可以根据主题和情感，运用各种旋律技巧，如跳跃、环绕、级进等，创作出独特且富有表现力的旋律。
2.和声处理和声是音乐作品中不可或缺的部分。
在TONICA FUGATA 15方法中，和声的处理尤为重要。
作曲家可以根据旋律线条、节奏特点和情感需求，选用不同的和弦进行搭配，构建丰富的和声效果。
3.节奏设计节奏是音乐的骨架，能够在很大程度上影响音乐的动感和趣味性。
在TONICA FUGATA 15方法中，作曲家可以尝试使用各种节奏形式，如对称、不对称、复杂等，为音乐作品注入活力。
4.结构构建在TONICA FUGATA 15方法中，音乐结构是作曲家需要关注的关键环节。
一个典型的结构包括序奏、主题陈述、发展部、再现部和尾声。
作曲家可以根据这些结构要素，合理安排各种音乐材料，使作品更具逻辑性和层次感。
三、实际操作步骤1.设定目标和主题：在开始创作之前，作曲家需要明确作品的目标和主题，以便在后续的创作过程中保持音乐的一致性和连贯性。
2.创作基本旋律：根据主题，作曲家可以先构思一首基本旋律，作为音乐作品的基石。
3.搭建和声骨架：在和声方面，作曲家可以选择适当的和弦进行搭配，构建和声骨架，使旋律更加丰富和立体。
4.添加节奏元素：在节奏方面，作曲家可以根据作品的特点，添加相应的节奏元素，提升音乐的动感。
5.完善细节和动态：在基本框架确立后，作曲家可以进一步丰富细节，如添加副旋律、修饰音等，并调整音量、力度等动态指标，使作品更加细腻和生动。
中国作曲方法
中国作曲方法
中国作曲方法是一个充满丰富多样的艺术传统，源远流长。
中国作曲方法的特
点在于其独特的音乐风格、古老的传统技巧以及深厚的文化内涵。
本文将介绍中国作曲方法的几个重要特点。
首先，中国作曲方法强调音乐与诗歌的结合。
中国古典音乐的音乐表达往往与
诗歌紧密相连。
作曲家常常借助优美的旋律和和声来表达诗句的意境。
这种结合赋予了音乐更为丰富的情感和意义，使作品更具感染力和内涵。
其次，中国作曲方法注重传统音乐元素的运用。
中国音乐古老而复杂，流派众多。
作曲家常常会选择其中一种或多种古典音乐形式，如古曲、宫廷音乐和戏曲音乐，来作为创作的基础。
这种将传统元素与现代创新相结合的方式，使中国作曲方法独具特色。
另外，中国作曲方法也注重对自然环境的感知。
在中国传统文化中，人与自然
之间存在着密切的联系。
作曲家常常借鉴大自然中的景物和声音，将其融入音乐创作的过程中。
这种以自然为灵感的创作方式，给予了作品一种清新自然的风格和情感。
最后，中国作曲方法在表达情感和思想方面具有独特的风格。
中国古代哲学思
想中的诸多理念也常常在音乐中得以表现。
作曲家通过音乐的演绎，传递着他们对生活、爱情、哲学和道德的理解和思考。
这使得中国作曲方法不仅仅是音乐的表达，更是思想和文化的传播。
中国作曲方法以其独特的风格和深厚的文化内涵，成为世界音乐界的重要组成
部分。
通过传承和发展中国作曲方法，我们能够更好地保留和传承中国音乐的瑰宝，同时也可以将中国音乐的美妙之声传播到世界各地。
作曲技术中的音乐技巧与创新思维方法
作曲技术中的音乐技巧与创新思维方法音乐是一门充满创造力和艺术性的学科，而作曲则是其中的核心。
作曲家通过运用各种音乐技巧和创新思维方法，创作出了无数美妙的作品。
本文将探讨作曲技术中的音乐技巧和创新思维方法，以期帮助读者更好地理解和欣赏音乐作品。
首先，作曲技术中的音乐技巧是作曲家创作音乐的基础。
其中之一是和声技巧。
和声是指多个音符在时间上的排列和组合。
作曲家通过巧妙地运用和声技巧，使得不同声部之间的音符相互呼应，形成和谐的声音。
例如，作曲家可以运用和弦进行来增强音乐的稳定感，或者通过使用不同的和弦进行来创造出紧张和悬疑的氛围。
此外，作曲家还可以利用对位技巧来创造出多个声部之间的对话效果，使得音乐更加丰富多样。
其次，作曲技术中的音乐技巧还包括节奏和动态的运用。
节奏是音乐中时间的组织方式，而动态则是音乐中音量的变化。
作曲家可以通过改变节奏和动态来表达不同的情感和意境。
例如，快速的节奏和强烈的动态可以表现出紧张和激情，而缓慢的节奏和柔和的动态则可以表达出宁静和温柔。
作曲家还可以通过运用不同的节奏和动态变化，创造出音乐的起伏和层次感，使得作品更加生动有趣。
除了音乐技巧，创新思维方法也是作曲技术中的重要组成部分。
创新思维是指以新颖和独特的方式思考问题，寻找创造性的解决方案。
在作曲过程中，作曲家需要不断地挑战传统的思维模式，寻找新的音乐元素和表达方式。
例如，作曲家可以尝试运用非传统的音阶和音色，创造出与众不同的音乐效果。
他们还可以将不同的音乐风格和文化元素进行融合，创造出独具特色的作品。
通过运用创新思维方法，作曲家能够打破常规，创作出引人入胜的音乐作品。
此外，作曲技术中的音乐技巧和创新思维方法还需要与情感和表达相结合。
音乐是一种情感的表达方式，作曲家通过音乐来传达自己的情感和思想。
在作曲过程中，作曲家需要深入理解作品所要表达的情感，并通过运用音乐技巧和创新思维方法来准确地表达出来。
例如，作曲家可以通过运用不同的和声技巧和音乐效果，来表达出喜悦、悲伤、爱情等不同的情感。
十二音技法名词解释
十二音技法名词解释嘿，朋友！今儿咱们来聊聊十二音技法这玩意儿。
您知道不，十二音技法就像是一个神秘的魔法盒子，打开它，能听到别样的音乐奇妙世界。
十二音技法，简单来说，就是一种作曲的方法。
这可不是咱们平常哼的小曲儿那种随意的创作，它有自己独特的规则和套路。
想象一下，音乐就像是一个大花园，各种音符是里面五彩斑斓的花朵。
普通的作曲可能就是挑自己喜欢的花随便插一插，弄出个漂亮的花束。
但十二音技法呢，就像是给花园里的每一朵花都安排了严格的位置和出场顺序，谁也不能乱了套。
在十二音技法里，作曲家会先选出十二个不同的音，这十二个音就像是十二个英勇的战士，谁也不能少，谁也不能被忽视。
然后，这十二个音会按照特定的顺序和规则组合起来，形成音乐的旋律和和声。
这可不像咱们平时唱歌，想到啥音就唱啥音。
十二音技法要求每个音都得有自己的“使命”和“责任”，不能随便乱跑。
比如说，在一段音乐里，这十二个音都得依次出现，而且不能重复，也不能有哪个音被落下。
这就像是一场精心编排的舞蹈，每个舞者都有自己的舞步和节奏，谁也不能乱了方寸。
您想想，这得需要作曲家有多么强大的控制力和创造力啊！而且啊，十二音技法还讲究打破传统的和声规则。
传统的和声就像是大家熟悉的老路，走起来轻松，但也没啥新鲜感。
十二音技法呢，就像是另辟蹊径，走一条没人走过的小道，充满了未知和挑战。
它不追求那种和谐、优美的和声效果，而是追求一种独特的、打破常规的声音组合。
这就好比大家都喜欢吃甜的东西，可十二音技法非要给你来点酸甜苦辣咸混在一起的味道，让你尝尝不一样的刺激。
不过，可别以为十二音技法就是为了故意捣乱，它其实是为了拓展音乐的可能性，让音乐有更多的变化和创新。
所以说，十二音技法虽然复杂，虽然有点让人摸不着头脑，但它却是音乐世界里的一次大胆探索，就像勇敢的探险家在未知的领域里勇往直前，为我们带来了全新的音乐风景。
总之，十二音技法就是音乐创作中的一次独特尝试，它打破常规，挑战传统，为音乐的发展开辟了新的道路。
作曲音阶倒方法
作曲音阶倒方法
作曲音阶倒方法是指以音阶的逆向顺序来构建音乐的方法。
一般而言，音阶是由一系列音高递增或递减的音符组成的。
而音阶倒方法则是将这个递增或递减的顺序颠倒，使得音符的顺序变为递减或递增。
这样做可以产生一种与传统音阶相比截然不同的音乐效果。
在作曲过程中，作曲家可以选择从任何音阶的最高或最低音符开始，并以相反的顺序延续到音阶的另一端。
这种方法可以产生出独特的旋律线条和和声效果，给人一种新鲜、不寻常的听觉感受。
此外，作曲音阶倒方法还可以与其他作曲技巧结合使用，例如逆行、调性转换等，以增强音乐的复杂性和表达力。
作曲家可以根据自己的艺术追求和音乐风格，灵活运用作曲音阶倒方法，创作出独特且有个性的音乐作品。
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如何利用动机来导出旋律？
有了旋律创作的动机（ Mo-ti-f ）後，若能好好把握该动机，继续哼下去，或许它会变成一个小乐句。有了一个小乐句後，若能继续哼下去，则可能发展成一个大乐句；同理，有了一个大乐句後，再哼下去的话，则可能构筑成一首乐曲。这样，不也是一首曲子吗？ 剩下的，只是好不好听的客观问题罢！ ------ 作好一首曲子後，您说好听，别人却都认为不好听；那麽，留著自己听不也是一种享受吗？ 怎能说它不是乐曲呢？
像这样，在没有歌词的状况下，我们的创作就属旋律先行型的手法。其实就这麽简单，难您不想试试吗？ 将经验一点一点累积起来，有朝一也许您会哼出一首价值千、百万的乐曲也说不定。别像某些人一样，只想到唱片会卖几张？ 要走创作路，倒应想想智慧财产之长远价值。 ------ OK！ 下面自己练看看。
假设随便哼出 Mi Fa Mi Re Mi 的简短旋律， 一直哼，一直哼，您会再哼出哪些旋律呢？ 练习看看！ 会五线谱的读者，可用五线谱来表记
比方说，放一首重金属（ Heavy metal ）风的摇乐给老一辈的人听；是不是绝大部分都会认为「 有够吵！ 」？ ------ 难到重金属音乐就一定不值得听吗？ 既然如此，为什麽在欧美各国会那麽受欢迎呢？ 反观古典乐，难玩摇乐的年轻小伙子一定能静下心来欣赏它吗？ 不能静心聆赏，难就是不喜欢吗？ 难就是古典乐不好吗？ 所以，评判这种问题时，宜客观点。不妨都说成：「 不错；但是有几个小小的浅见，… 」，这样听来或许舒服许多。
别以为学古典乐的人士只因歧视而不听流行音乐。说实在，很多不是学音乐的人士，也都觉得好歌难求。确实，现今十首歌曲中，泰半是「 滥作 」或「 乱作 」下的产物，哪有可能好听 再说，学古典的人，听习惯严谨的音乐，如何能接受这种随便做做就缴差的音乐呢？ ------ 想想看，习惯严谨的人，是不是不会习惯随便呢？
习惯严谨，就会不习惯随便
能写歌，不见得有才华： ------ 0700_22_0061
在目前流行乐界备受各方指责与争议之「 滥作 」与「 乱作 」的生态环境下，要跨足该领域的人士可得自求多福了！ 因为，现在会写旋律并不代表一定懂音乐，也不代表一定有才华，更不代表一定有天分。看看有多少连五线谱或简谱都看不懂的人士也加入乐曲创作的行列，配合报章杂志等文宣读物的大肆喧染；很容易，我们的社会就诞生了几位「 创作型歌手 」或「 音乐奇才 」之辈的人物。可悲的是，有了这个不需下功夫去研究、去学习就能得到的头衔後，一堆堆「 不知是在诠释什麽？ 」，甚至「 为什麽而写？ 」的曲子就被刻印在 CD 唱片中来销售。就如大家暗讽的一句话「 好人难出头 」；同样，这种环境下「 好歌也难出头 」。因为，为了赚钱，似乎品质与水平可不管了！ 最糟糕的是，有时不听还由不得您呢！ 因为它随时会出现在您左右 ------ 如： 搭公车、搭计程车、逛街、看电视、在餐厅用餐时 。
好听的曲子不会寂寞： ------ 0700_22_0031
这与煮菜一样，您认为咸一点好吃，别人倒不一定这样认为。您认为西餐好吃，别人却认为中餐好吃。同理，我们认为好听的曲子，别人不一定会有同感。不过，若很多人认同您的作品；那么，就看它耐不耐听了！ 想想，真正好听的作品，不管古典、流行、爵士、民谣、…、童谣，是不是都流传蛮久的呢？ 所以，怎麽样才算好听；不妨说：「 流行不见得好听；耐听的才叫好听 」。
将自然发想出的旋律用理论来解释或评论，结果若偏正面评价，无庸置疑，您就是拥有创作能力。若作品中自然出很多高招的手法；那您就是「 实力派 」的创作族了。
旋律创作的方法有哪些？
创作旋律的方法，简单的归类，可分为「 旋律先行型、歌词先行型、旋律与歌词并进型 」等三种。未有歌词前，先创作出旋律的，可称为「 旋律先行型 」作曲法；先有歌词，再依词意来创作旋律的，可称为「 歌词先行型 」作曲法；边想歌词，边想旋律的，则可称为「 旋律/歌词并进型 」作曲法。 ------ 由於课程偏重「 作曲编曲 」，所以主要讲解也将偏重旋律先行型。
哪些人有能力创作旋律？
说实在： 每个有思考能力的人都有办法创作旋律；只是，创作出来的旋律是长是短？ 长的或可构成一首乐曲；短的则只能算是一段乐句（ Ph-ra-se ）。别忽略自己所拥有的潜能，而以为只有受过正式音乐教育的人士才有能力创作旋律。那就错了！ 试看看，也许您有这方面天分也说不定。
假设後续得到的是 Do Si La Do Si 这个旋律； 那麽，两者合在一起将变成如下状态
Mi Re Do Mi Re , Do Si La Do Si 稍加修饰一下，变成 Mi Re Do Mi Re ----------- , Do Si La Do Si 会更好听！
智慧财产的长远价值：
作曲要先修理论作曲吗？
以上的观点之所以成立，是因为「 作曲跟作文一样，有能力者，挥洒如流 」。 也许很多人会说：「 作曲要先修理论作曲课程 」，您认为呢？ 其实，从一位专栏作家在撰写文章时，需不需要去思考文法结构的问题去想，约略可得知答案是「 不需要 」；但，为何专栏作家写出的文章就是不一样？ 且，文法结构好的不得了。 ------ 当然，写不出像样的文章，哪叫专栏作家？
每个人都有能力创作旋律
先想一个动机： 想想看，自己是不是曾经（ 或常常 ）随意哼个两句？ 有时，搞不好还能一次哼出好几句；而这随意哼出来的一句、两句或数句，好像都还蛮好听的（ 至少自己认为 ）。其实，这就是您的潜能；您可以把它当做旋律创作的动机（ Mo-ti-f ），继续发展出您所想要的曲子。这就是创作！
3 作曲方法，献给热爱作曲的人
Motif 什麽是动机？
在此， 健 动机（ Mo-ti-f ）」，是指作曲时，构成主题之最小单位的旋律。它可以是一小节，也可以是两小节或更多小节；但，也可以是不足一小节的几个音。因此，当脑海中浮现诸如| 53 0 0 0 |两个音，我们都不应忽略它；因为，藉由| 53 0 0 0 |两音，或许能发展出如下若干种旋律。所以，在没有想出更理想的动机前，不妨用它来发展看看；边想边想，或许会有新的 Idea 出现也说不定。
总之，在您的层面，这首歌是好听；但在别的层面中，这首歌倒不一定是好听。这个观点是想从事音乐创作的人所务必认同的。除非您是莫札特、萧邦、贝多芬、… 等超级音乐大师；否则，多多少少一定会有批评您作品的声音。也许，是善意的批评，也许是恶意的批评或忌妒的批评；不管怎样，您得多忍耐喔！ ------ 不要期待每个人都是您的拥护者；应期待自己能作出真正的好作品。
有批评才会进步
因为，完全不懂音乐的人可能会说：「 ！ 一定会流行！ 」；对音乐似懂非懂的人则可能会说：「 还不错！ 不过 … 会更好！ 」。其实，这些回响您大概都还能够接受；不过，接下来可就不那麽乐观了。因为，音乐科班出身的人可能会说：「 不怎麽样嘛！ 」；音乐理论家可能会说：「 这里不对，那里不对；这里应该要怎麽样，那里应该要怎麽样。 」；作曲家则可能会说：「 这哪叫作曲 /a>剑 」；更夸张的可能会说：「 这在搞什麽？ 听不懂！ 」 ------ 您说：「 该以谁说的为标准呢？ 」 笔者认为：「 都可当做标准！ 也都不足以当做标准！ 」。为什么呢？
动机 ← 小乐句 ← 大乐句 ← 乐曲
所以，千万别认为自己绝对没有能力创作旋律；总之，不试一下身手怎会知呢？ ------ 随便哼个两句看看！ 如下，一个音唱一拍即可；後面连有长线的音（ 如 Do ----------- ）请唱长一点。
假设随便哼出 Mi Re Do Mi Re 的简短旋律後， 一直哼，一直哼，後续一定会有别的旋律出现！
真正好听的作品，不会寂寞
听听以下几首歌（ 收录至 ← 轻潭唱片 重装师合唱团专辑 ），它们都是既好听又耐听的好作品；期待您也能作出既好听又耐听的好作品。
创作旋律真的很难吗？ ------ 0700_22_0041
创作旋律对某些人来说是很容易；但是，对某些人来说，可能是件连想都不敢想的事。创作旋律容易到什麽程度？ 请教莫札特或贝多芬最清楚。因为他们是天才！ 这好比我们问心算神童：「 您是怎么算出来的？ 怎么能够比电脑快？ 」一样；即使神童把其所认为的技巧或秘诀告诉我们，我们还是团团转呀！ 真的，若您能知其奥妙之处，那也该被归类为天才之辈罗！ 可惜的是，只有天才才知如何做出天才才能做到的事。所以，当我们的聪明才智不及莫札特或贝多芬等音乐大师时，「 旋律创作很简单 」这句话尽量不讲为宜。总之，除非是这方面的天才，或对这方面特别有天分；否则，要想作出称得上完美无瑕的旋律，绝对不是想像中那么容易。不然，天底下都是音乐家了。
1 作曲方法，献给热爱作曲的人
创作旋律的方法很多，虽然没人敢说：「 一定得怎麽做，才会创作出好听的旋律 」；不过，本课程提供几个在旋律创作上宜注意的要点给读者们参考。对您来说，认为有帮助的，不妨尝试使用；这样，也许您的曲子在结构上会显得更健全。
怎样才叫好听的旋律？ ------ 0700_22_0021 既然旋律创作应求好听；那麽，到底怎样才叫「 好听 」？ ------ 别以为我们认为好听，别人也一定会认为好听。不相信的话，可选一首自认为相当好听，甚至会 Hit 的新曲（ 未发表过的 ）给各阶层的人士听看看。但，不要表明这是您的作品；这样，保证会有不一样的回响！ 也许，您会非常得意；也许，您会气个半死。
为什麽市面充斥著不好的曲子？ ------ 0700_22_0071
这是一个很不好的现象！ 因为，在大家存有「 写歌成名能变得大富大贵 」的观念下，一窝蜂朝这方面发展的人确实不在少数。这种因素确实造就出很多媒体上的「 创作型歌手 」或外行人眼中的「 音乐奇才 」；但是，别忽略一点： 对学音乐的人士来说，这是一大讽刺呀！ 因为，不管音乐学多久、学多精，似乎从没被称赞为「 音乐奇才 」；为何一位看似对音乐实在有够不专精的人，随便写个几首歌就摇身一变而为「 才 」字辈人物；实在令人纳闷！ ------ 这是时下一般人的感受。