艺术理论论文精选.doc
关于艺术理论论文.doc
关于艺术理论论文让英语课堂提问更具艺术性当前新课程改革正在如火如荼地进行着，课堂教学的改革成为此次课程改革的主阵地。
而课堂提问一直以来是课堂教学活动中经典的常用的教学方法，它是教学过程中教师和学生之间常用的一种相互交流的活动方式，是知识传授、信息反馈的重要渠道，它在英语教学中发挥着越来越重要的作用。
它对考查学生的学习情况，引发学生的探究兴趣，培养和训练学生的语言表达能力，发展学生的思维能力等方面都具有显著的作用。
课堂提问，可以说是一门教育艺术。
在新课程下，教师要充分挖掘课堂提问的功能、优化问题的设计、把握提问的原则，最大化地提高提问的有效性，促进学生全面和谐发展。
随着有效教学理论的发展，教学论研究者对教学有效性的理解有不同的看法。
有些研究者从学生有效学习和发展的角度规定教学有效性(黄小平，前孔子的启发式提问和苏格拉底产婆式提问，他们用提问成功地引导学生学习，至今为人称颂。
近几年教学问题聚焦在真实的课堂，关注教师怎么教和学生怎么学。
课堂提问是教学中最重要的部分之一，也是课堂互动最经常使用的形式之一。
因此受到许多研究者关注。
英语阅读教学。
实际上就是一个设疑、导疑和释疑的过程。
在这一过程中，教师只有抓住学生的求知心理，不断地进行设疑、导疑和释疑，才能充分发挥提问教学功能，上好阅读课，从而提高学生的阅读能力。
在课堂教学中提问要注意以下几个方面：一、问题表述要清楚明了教师对学生提出问题的时候，要注意问题的陈述应该严密、详细和清楚，为学生思考指出明确的焦点和方向，避免模棱两可。
清楚的发问会提高准确回答问题的可能性。
案例：问学生：What are the important inventions in China?或问学生：What does school start?学生都会感到茫然，中国的重要发明有很多，到底是问哪一个时期的发明呢?还有第二句学校开学分上半年和下半年，到底是问哪半年呢?因此不妨把上面两句改为：What are the four great inventions in the ancient China?和What does the new school years tart?二、教师提问态度要和蔼如果教师提问时用充满责备和威胁、强硬的态度就会增加学生的心理负担，造成恐惧心理，影响课堂气氛和学生参与的积极性。
艺术理论论文：分析艺术理论对艺术创作引领作用
艺术理论论文：分析艺术理论对艺术创作引领作用本文艺术理论的重要性艺术创作活动是人类特有的一种高级的、复杂的精神活动与实践活动，是艺术家在创作欲望的推动下，运用一定的艺术语言和艺术手法将自己的生活体验与思想情感转化为具体的、生动的、可感的艺术形象，即实实在在的艺术作品[3]。
但一定的艺术创作必然受到思想意识的影响，而且艺术理论对艺术创作活动的重要性是毋庸置疑的，否则千百年来数以万计的艺术家与艺术理论家们也不会一直乐此不彼地对艺术创作经验进行总结。
同时艺术理论对绘画创作的启发和作品格调的提升，也起着至关重要的作用。
纵观古今中外有成就的画家的流芳百世的艺术作品，我们不难发现反映时代精神，把握时代命脉是艺术家进行艺术创作的前提和基础。
艺术作品表现出的是画家的内在精神、文化修养以及对事物深邃的洞察与体会，对生活和社会的认知和感悟。
这些世界大师的作品大多都和社会的转折、革新、文化运动和思想革命有关，他们在世界的发展史上占有极其重要的地位。
他们都有一个共同的特点，那就是除了具备高超的绘画技艺之外，普遍都具有深刻的思想、强烈的意识和人文情怀，而这种思想意识与情怀是以学术修养和理论思考为雄厚基础的。
因此，掌握艺术理论，可以有效地加强画家的艺术修养，增进画家的学术思考，提升画家的审美水平，进而将自己的艺术思想和人文情怀注入绘画创作之中，最终提升其作品的品位。
从根本上说，艺术作品是画家的一面镜子，它折射着画家的所思所想、所作所为，从而揭示着艺术家内心世界的奥秘。
艺术理论对创作的指导作用印象派是法国19世纪下半期一个重要的艺术流派。
19世纪现代科学技术尤其是光学的迅猛发展，在光学原理和实践的启发下，印象派尤其注重研究外光对物体所产生的稍纵即逝的视觉效果。
正是在这一艺术理论的指导下，印象派开创了艺术的先河，为现代艺术的发展开启了一扇新的天窗。
因此，印象派的画家在创作时更为关心的是画面的美感与物象在外光条件下的变换，他们的作品也大多醉心于色彩和光线，并以此来更好地表现其作品的色感和光感，正如莫奈所说“唯一的希望是和自然密切地结合”。
艺术理论论文的范文.doc
艺术理论论文的范文工业设计中艺术与技术,科学与美学之间的关系工业产品设计必定是贴近人类生活的，从写字用的笔到路上开的汽车都留下了它的影子。
如果说科学技术像一个马车推动着人类文明的进步，则艺术，美学便是马车上绚丽夺目的纱帐。
也许在人类社会的早期人们就有了技术与艺术相统一的理念。
如在西方古希腊神话中，众神之一的?斯就是掌管科学与艺术之神。
而在庄子《天下篇》中也提出判天地之美，析万物之理的观点，它分析并判定美与析理是一件事情的两个方面。
那么什么是艺术和技术呢?艺术是用形象来反映现实，但比现实具有典型性的社会意识。
而技术是人类在认识自然和利用自然的过程中积累起来并在生产劳动中体现出来的经验和知识。
从这里给的定义，我们看出艺术是一种意识形态，是一种现象。
而技术则是一种方法、过程。
这两者不存在本质的矛盾，在某种意义上说他们甚至是统一的共生体，很难想象一个没有技术作为支点的工业产品会是什么样的空洞，而一件没有艺术作为情感镶嵌的技术性设计产品又怎么能让人们使用的舒适。
以福特汽车的发展为例，亨利?福特于1908年设计并制造了第一辆T型车(图一)。
而亨利?福特的公司在1927年末到1931年间，共设计改良了450多万辆不同车身造型和不同颜色的A型车(图二)。
很明显地看出，福特的A型车无论是造型还是性能都远超T型车，也更讨好消费者，这是一种明显的技术与艺术的双重进步。
在汽车轮子技术还未发明之前，笨重的物件需要原木或滑板作为物与地面的基础介质来移动而轮胎的出现使得物体的灵活性、轻便性及其驾驭性得到了大踏步的发展。
蒸汽、电力、内燃机的发明可为交通工具从古代到现代排定出优劣次序。
交通工具的进步，显示了技术的巨大作用，由此可见技术给造物设计带来的进步是不可否认的，但艺术的发展也给了技术十足的动力。
自从福特设计并制造出T型号车后因为其技术无可替代的革命性而取得当时市场成功。
但产品始终是为人服务的，T型车因为生硬的线条，乌黑的颜色以及少之又少的款式让消费者渐渐抛弃，而福特也不得不放弃它转而投向A型车的研制去挽救市场。
艺术理论论文的锦集.doc
艺术理论论文的锦集谈我国书法艺术在现代平面设计中的应用一、书法是中华民族特有的艺术瑰宝老舍先生说：中国画与中国字是同胞兄弟。
这里讲的同胞兄弟，就是说书画同源。
中国人讲书画同源，这书，我以为是包含了文章和文字在内的，所以，许多山水画都直接取材于中国的文学作品，或者间接地表达着诗辞歌赋的美妙意境。
正因为书画同源，独特的汉字便形成了世界上独一无二的书法艺术，而且一直影响着中国的其它艺术。
书法是中华民族特有的艺术瑰宝，是中华民族精神的外化;书法艺术凝聚着中华民族的哲学思想、人文精神、聪明才智、思想情感、美学追求等等，从某一方面说，热爱祖国的人，大多热爱书法，因为汉字是代表中国的徽号，有中国字的地方就有中国人。
艺术与人的品质是互为表里、密不可分的。
具备良好的书画艺术修养，是平面设计人才必须具备的良好素质之一。
平面设计是一门综合艺术，必须经过全面、系统、严格的基础训练，才能提高设计人员在设计中的认识能力、思维能力和创造能力。
通过书法课的学习，可以使设计人员运用不同的字体，在设计中创造不同的气氛，使人们对包装商品产生不同的感觉。
如古体字(包括篆、隶书体)能使人对包装商品产生一种名贵和古色古香的感觉，特别适用于古董、首饰、玉器、土特产品的包装设计; 篆书则适用于贺年卡、请柬、徽章、图案等设计;正书给人一种现代、科学的感觉，适用于轻工、机电产品、食品饮料的包装设计等等。
因此，书法艺术的一些特点有助于设计者在设计中把商品的性质、特点结合起来，取得更好的设计效果。
特别是目前市场经济条件下，商品竞争激烈，要求商品在货架上有冲击力，传达信息迅速。
就更要求商品的包装设计日趋突出、醒目，而文字的美化在商品包装设计上，则处于非常重要的地位。
二、书法艺术本身就是优美的线形设计当我们看到一幅书法艺术作品的时候，首先就是一种美的感觉，美的享受。
这时我们并不一定留意作品书写的内容。
譬如王羲之的《兰亭集序》，仅从文章说，没有王勃《滕王阁序》那样酣畅流利的笔调，令时人叹为此真天才，当垂不朽;也没有陶渊明《归去来兮辞并序》那样清新流畅的语言，被后人誉为两晋文章，惟《归去来兮辞》一篇。
《2024年身体·空间·时间——德勒兹艺术理论研究》范文
《身体·空间·时间——德勒兹艺术理论研究》篇一一、引言德勒兹的艺术理论作为现代艺术批评与哲学的交集，提供了一个复杂且富有创造性的理论框架。
在这一框架中，身体、空间与时间构成了理解其艺术理论的关键。
本篇论文将尝试解读德勒兹理论中的这三要素如何交织并作用，以此进一步了解他的艺术理论研究及其在当代艺术创作与评论中的意义。
二、身体：表达与自由的维度在德勒兹的理论中，身体是一个重要而多维的观念。
首先，身体被看作是一种特殊的媒介或平台，用于表达人类复杂的情感与思考。
作为一种载体，身体既是能动的表达者，又是行动和经历的被动承受者。
这种复杂的双面性在德勒兹的理论中构成了其关于身体的独特视角。
其次，身体与自由的关系是德勒兹理论中的另一重要议题。
德勒兹认为，通过摆脱传统的社会规范和约束，身体可以获得一种新的自由状态。
这种自由状态并非单纯的解放或逃避，而是一种全新的感知和表达方式。
在艺术创作中，这种自由的身体表达成为了一种对传统规范的挑战和超越。
三、空间：流动与多维度空间在德勒兹的艺术理论中扮演了重要的角色。
他强调空间的流动性与多维度性，认为空间不仅仅是静态的物理存在，而是一个动态的、不断变化的过程。
这种空间观在艺术作品中表现为对传统静态画面的突破，以及对多维度的探索和表达。
在德勒兹的理论中，空间与身体的关系也是值得探讨的。
身体在空间中的运动和变化，不仅塑造了空间的形态，同时也反映了身体的动态性和多维度性。
这种相互影响的关系在艺术创作中表现为一种全新的空间感知方式。
四、时间：绵延与永恒时间在德勒兹的艺术理论中具有特殊的意义。
他强调时间的绵延性和永恒性，认为时间不仅是线性的流逝，更是一种持续不断的创造和变化过程。
这种对时间的理解在艺术作品中表现为对时间的深刻反思和再创造。
在德勒兹的理论中，时间与空间、身体的互动关系也十分重要。
时间的绵延性和多维度性不仅影响了空间的形态和结构，同时也影响了身体的感知和表达方式。
艺术理论的论文锦集.doc
艺术理论的论文锦集民间艺术色彩对现代平面设计的启示在民间的色彩语言中，种族的、地域的区别也有时影响到色彩的象征意义。
从本质上看，除非极特殊的环境所造成的特殊心态，一般都带有人类色感的共性。
色彩完全按照民间艺人们的审美趣味和理想，在不违背传统的既定的色彩观念的情况下，进行主观唯我的创造;通过主观的选择和使用，做出符合自己的审美标准的创造和阐释。
也就是说，老百姓常常是依自己的切身利益和功利愿望去理解和使用色彩。
色彩是一种喻意和心理暗示，是用色彩与形式的形象满足大吉大利，祈福纳祥，发财平安的心理。
所以就色彩象征而言，在民间艺术中形成了约定成俗的指代作用，具有很强的象征性。
而色彩在现代平面设计中极具视觉冲击力，同时又极易引起人的情感反应。
我们不难发现在在我国节庆日时的户外招贴广告的色彩，产品的包装、宣传册、影视广告等等中，红黄等纯度较高的色调被广泛应用，体现出人们一种欢快的心理感觉，同时也传递出人们对未来的一种美好祝愿。
比如从民间艺术杨家埠木版年画设色的整体观念和特征来看，对传统的色彩观念有依有背，既遵循了传统色彩的象征、比附意义和内涵，具有深沉的文化底蕴，同时又重视色彩的视觉审美效果，呈现出斑斓多彩的热闹景象。
例如年画门神。
就是大面积的运用中国传统的色彩，红、黄。
门神根据双扇门的需要而多为对称式样，有武将、天官、美人、童子等各种内容。
也许那些虚幻的天神离人间世俗远了一些的缘故，后来人们创造了以鬼除鬼的钟馗。
最终人们还是意识到的人自身的力量，于是又创造了现实的人物――唐代名将秦琼和尉迟敬德为门神的形象。
而在历史的积淀进程中红、黄两色在人民心中形成了一种根深蒂固的意识认为红象征喜庆、幸福、热烈、正直;而黄色象征帝王、崇高、高贵等。
因此人物形象的脸采用的是大面积的红，代表正直英勇，而黄是皇家用色，代表一种至高无上的权利，夺目明亮的黄象征高贵而不可侵犯。
而红和黄的搭配又是一种喜庆的感觉，红红火火的景象也符合过年的气氛。
艺术理论论文大全精选
艺术理论论文大全精选下面是关于艺术理论的一些论文范文，不知道怎么下手的朋友们可以看看哦。
欢迎阅读借鉴，希望你喜欢。
浅谈现代主义与后现代主义艺术的区别现代主义艺术与后现代主义艺术作为艺术史上两个既有区别又有联系的概念，被反复的论证与分析。
现代主义艺术是指20世纪初在西方出现并占有主流地位的具有前卫和先锋特色、颠覆传统的艺术流派与艺术思潮的统称，而并非为一种艺术风格。
而后现代主义艺术则被认为成是前者的衍生与颠覆者，二者息息相关。
现代主义艺术的出现是具有历史必然性的。
19世纪之后西方资本主义迅猛发展，进入垄断资本主义阶段，伴随着第二次工业革命的发生，人们的生活方式经历了巨大的变化，关照自我，关注社会的角度，思维的方式都不同以往，这个时代的艺术必然染上了时代的政治、文化气息。
在急速变化的世界中，人们对于自我、世界和社会的关系失衡，战争的残酷带来了精神的创伤，自我的迷失导致了心理的扭曲，于是现实生活中的消极悲观与失望的情绪被带入了艺术创作，作品具有强烈的个人主义和虚无主义的色彩。
现代主义艺术既然是作为一种现象的总括，就无法归纳其普遍性的风格特征，而只能从观念层次进行梳理。
作为这样一个杂糅的概念，之所以能被划分为一个整体，无非在于它们颠覆传统的共性，然而这种共性的背后，又显现出方式和观念的相异。
达达主义提倡自动性和偶然性，他们的目的不在于创造而在于破坏和挑战，广泛采用现成品和拼贴的手法，杜尚更是以相当敏锐的选择能力和丰富的文化基础，巧妙的嘲讽了由来已久的美学传统和欣赏习惯。
正如阿纳森所说的那样：“杜尚在那些现成物体中，发现了一些在本质上涉及到艺术史中历史价值问题的形式。
……大约在那时，他使用了‘现成物体’这个术语，用来标明这种作法的形式。
这些现成物体的选择，从来不受什么审美快感的支配：‘它是以视觉的无所反应为基础的，不讲任何高雅或粗俗的审美情趣……事实上，是一种完全麻木状态’。
”在达达主义基础上发展起来的超现实主义则是吸取了其传统和自动性创作的观念，但是摒弃了其全盘否定的虚无态度，致力于探讨人类先验层面的潜意识，这种突破理性和道德束缚的美学观念促使艺术家用不同的手法表现原始的冲动，释放自由和荒诞意象。
艺术毕业论文
艺术毕业论文艺术的力量与创作的价值导言:艺术作为一种创作形式，通过各种艺术媒介，传递情感、展示思想、探索生活的意义。
本论文将探讨艺术的力量以及艺术创作的价值，并分析其在当代社会中的重要性。
第一章: 艺术的力量1.1 艺术的表达力艺术通过独特的表达方式，传递着人类的情感和思想。
绘画、音乐、戏剧、文学等艺术形式通过色彩、音符、台词和文字，将情感和思想转化为可观察和可感受的形式。
艺术作品以其鲜明的视觉效果和声音效果，直接触动人们的内心。
这种独特的表达方式使艺术成为了情感交流、心灵沟通的媒介。
1.2 艺术的启迪力艺术作品具有启发思考和激发创造力的能力。
通过观赏和参与艺术创作，人们能够看到不同的视角和思维方式。
艺术带给人们新的感受和认识，激发了观者对生活和世界的思考。
许多伟大的艺术家通过他们的作品启迪了人类的创造力和想象力，为社会发展带来了新的动力。
1.3 艺术的社会影响力艺术对社会的影响力不容忽视。
艺术作品能够引起社会的关注，唤起人们对社会问题的思考和关注。
音乐、电影等艺术形式常常用于传播社会议题和推动社会变革。
艺术家通过他们的作品，发出对社会不公、环境问题等重要议题的声音，唤起了社会的共鸣和行动。
第二章: 艺术创作的价值2.1 个人价值艺术创作对个人的成长和发展具有重要意义。
通过艺术创作，个人能够识别和表达自己的情感和思想，增强自我认同和情绪管理能力。
艺术也为个人提供了一个独特的媒介，使其能够在创造性的过程中发现和发挥自己的潜能。
此外，艺术创作还为个人提供了一个探求美感和追求卓越的平台。
2.2 文化价值艺术创作是传承和发展文化的重要手段。
不同的艺术形式承载着不同的文化意义和价值观念。
通过艺术创作，人们能够表达和传播自己的文化认同，促进不同文化之间的交流和理解。
艺术作品成为反映和记录当代文化状态的重要载体。
2.3 社会价值艺术创作在社会中具有积极影响。
艺术作品能够激活社会活力，促进城市发展和社区建设。
街头艺术、公共艺术等形式，不仅美化了社会环境，也增加了人们对公共空间的关注和利用。
与艺术理论相关的论文
与艺术理论相关的论文下面是关于艺术理论的一些论文范文，不知道怎么下手的朋友们可以看看哦。
欢迎阅读借鉴，希望你喜欢。
浅谈电视节目画面编辑的艺术性一、电视编辑的概念及内涵在我国的电视业中，电视编辑是一个内涵比较广泛的概念。
一是指对电视画面剪辑这一环节的工作及工作者。
而在电视业中，由于画面的组接，是利用电子编辑器来控制进行，将素材带上的某一段画面编录到编辑带上去，实际已无“剪”的行为，所以，将电视业中相当于电影业中剪辑的工作及工作者，称为“编辑”。
此外，在电视业中，“编辑”这一概念最普遍的含义又另有所指。
如，专题片中，担任文字脚本的撰稿人常常还担负与摄像师配合，在拍摄现场为实现创作意图进行一定组织工作，常常也称为编辑。
在新闻部中，有的编辑既担负了画面剪辑的工作，又担负了配写解说词的使命。
有的编辑，则除上述工作外，还要组织采访规划、指导记者进行采访等。
而有的编辑，确实又专门操作编辑机，在编辑记者或艺术片导演指导下，从事画面组接的工作。
电影和电视的实践证明，在电视画面组接的这一工作环节，实际上除了具体执行剪辑的剪辑师以外，常常总是包含着编辑、导演的劳动，包含着编辑、导演直接指示的通过画面组接的特殊技巧来体现的艺术构思，包含着画面组接的电视艺术因素。
因此笔者在这里所论及的“编辑”，主要针对电视画面组接这一整个创作工作环节。
它不仅是剪辑师，也是编辑、导演在把握电视片的整体创作时，都应给予相当重视。
二、电视编辑的意义电视编辑的意义，可以说同电影剪辑的意义在根本上是相同的。
无论是电视片还是电影片创作，都离不开剪辑。
这首先是因为技术手段的局限，不可能一气拍完一部电视片或电影片，极短的新闻片除外。
第二是因为艺术的要求。
“电影是省略法的艺术”[1]，电视同样如此。
无数个镜头的电视素材，只有经过剪辑，才能将最合适的画面段落，按照最理想的方式组合起来。
电视和电影艺术发展的历史早已告诉我们，在画面与画面的组接关系中，蕴含着极有生命力的艺术因素。
艺术理论的论文精选
艺术理论的论文精选下面是关于艺术理论的一些论文范文，不知道怎么下手的朋友们可以看看哦。
欢迎阅读借鉴，希望你喜欢。
浅谈在艺术设计中使用云南民间工艺艺术一、前言我国的民间工艺，品类繁多，而且有着很悠久的历史。
在设计中，如果能够可以很好的借鉴这些工艺，一方面可以很好的指导设计，另一方面能很好的发扬我中华民族之特色。
同时，对于促进民族文化的繁荣也大有裨益。
民间工艺是造型艺术。
不论任何一种工艺品种，任何一套工艺技法，首先考虑造型的设计问题。
没有一个完美的造型设计方案.再高的技法也无处实施，工艺品也不可能产生。
我国是一个多民族的国家，全国共有56种民族。
其中，居住在云南省境内的民族种类就达26种之多。
云南各族人民在日常的生产和生活中沉积了丰富的民族文化资源，而云南民族民间工艺就是这丰富的民族文化资源中的一朵奇葩。
风格独特、丰富多彩、灿烂耀眼的云南民族民间工艺是云南各民族人民在长期的生产和生活实践中，为了适应自然、气候等方面条件，使劳动工具实用而又美观，在衣、食、住、行等方面获得更多更高的精神享受而不断摸索和创作出来的一门艺术。
云南民族民间工艺是美学与生活的结合，是艺术与技术的相互协调。
它和人们的生活紧密相连，与人的衣、食、住、行、用息息相关，是实用与审美的完美统一。
二、云南民间艺术我国的民间艺术，确以其独特的造型震惊中外艺术界。
理论家们或称其造型奇特、古朴稚拙或赞其造型质朴、浑厚大方。
现代更有人用新的名词术语说其造型是我们中国的立体派、野兽派、现代艺术等等。
说它古朴也好，现代也罢，我国民间的造型艺术，确以其独特的面貌与风格屹立于世界艺术之林，也确实存在着一套完整的、独特的造型体系和创作规律。
它们都是作者主观精神的显化，是为“意”造象，是属中国传统的“意象造型体系”，是每个人按照自己的审美情趣、情感意愿、理想追求去立象造型。
所以虽然都是同一品种，同是剪纸工艺，张三和李四所剪出的狮子也不会一样。
民间有句俗语“十里不同风，百里不同俗”，各地区的民俗都有一定的差异。
艺术理论相关的论文.doc
艺术理论相关的论文论黑格尔的艺术解体论不等于艺术消亡近现代以来，艺术以新颖的方式、多元的面貌呈现出来，人们开始质疑什么才是真正的艺术并讨论艺术是否死亡了。
在这个大背景下艺术是否已经消亡成为人们关注的焦点。
而历史上提出艺术终结第一人既不是艺术家门也非艺术理论家，而是终身从事哲学研究的德国古典哲学巨匠黑格尔[1]。
黑格尔的艺术解体论是指艺术在经历象征型、古典型、浪漫型三个艺术发展阶段后走向了解体，让位于宗教与哲学。
艺术走向解体是否意味着艺术的消亡，在黑格尔的逻辑体系中艺术是否真的的消亡，这个问题的研究对后来的艺术终结论和艺术界现状都具有重要的意义。
下面笔者将谈谈自己的认识。
一、德文anfheben一词的真正含义黑格尔的艺术解体论曾被误读为艺术死亡论。
1980年发表的《黑格尔哲学中的艺术与逻辑》一书中艺术解体论被突出地描述成艺术的死亡。
这种对黑格尔的理解主要基于代英国学者 F.P.B.奥斯梅森将黑格尔美学中一些关键术语译成英文时出现的误译[2]。
基于上述情况，笔者认为应当从原著的德文入手才能精确了解黑格尔的原意。
当黑格尔在谈起浪漫艺术艺术解体时使用的是anfheben一词。
这个词本身除了有消除、去除、废除的意思外还有收集、积聚、和保留的意思。
当译者把此词完全理解为消亡的意思时就使得艺术的解体变成了艺术的消亡，偏离了黑格尔的原意。
anfheben一词是消除与保留两个相反意义的组合。
在《哲学大辞典》中anfheben一词被翻译为扬弃，包含抛弃、保留、发扬和提高的意思。
扬弃一方面是舍弃和丢弃，一方面又是保留与升华，这正是黑格尔辩证哲学的精髓所在。
在黑格尔哲学中，明确把扬弃作为同时具有否定与肯定的双重含义概念加以使用。
他指出：扬弃在语言中，有双重意义，它既意谓保存、保持，又意谓停止、终结。
(《逻辑学》)这种双重意义互相联结就是既被克服又被保留，常用来阐明一概念向另一概念的过渡[3]。
当艺术进展到宗教、哲学领域中时艺术的解体过程在黑格尔看来并不是艺术的完全被废除而是在消解中有所保留，是有去除也有保留、升华的过程。
艺术导论论文（五篇）
艺术导论论文（五篇）第一篇：艺术导论论文中国历史长河中的艺术指导老师：学生：学号：班号：谈到艺术，许多人都认为这是一个遥不可及的的名词，它的身上似乎笼罩着一层高高在上的神秘面纱，它就如同夜幕中的星辰，明明知道它的存在却又高不可攀。
在新华词典中对于艺术的解释有三条：①通过形象塑造来反映社会生活，表现作者思想感情的一种社会意识形态。
因表现手段和方式不同，通常分为：表演艺术(音乐、舞蹈)，造型艺术(绘画、雕塑)，语言艺术(文学)和综合艺术(戏剧、电影)。
②富有创造性的方式、方法③指独特优美而丰富多采。
其实，艺术的表现形式有许多，诸如：文学、绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、电影、曲艺等。
引用中华奇石馆馆长李文科先生的描述就是：“我们将“艺术”定义为人类通过借助特殊的物质材料与工具，运用一定的审美能力和技巧，在精神与物质材料、心灵与审美对象的相互作用下，进行的充满激情与活力的创造性劳动。
可以说它是一种精神文化的创造行为，是人的意识形态和生产形态的有机结合体。
”说到这里，可能大家对艺术就更加迷惑了，但是其实在我看来艺术存在与生活的每个角落。
中国很少有专门的艺术博物馆，北京的故宫算得上是其中的佼佼者。
艺术在哪里可以说是随处可见。
那人面鱼纹的彩陶盆，那古色斑斓的青铜器，那琳琅满目的汉代工艺品，那秀骨清像的北朝雕塑，那笔走龙蛇的晋唐书法，那道不尽说不完的宋元山水画，它们展示的不正是可以使你直接感触到的这个文明古国的心灵历史吗？时代精神的火花在这里凝练、积淀下来，传留和感染着人们的思想、情感、观念、意绪，经常使人一唱三叹，流连不已。
（一）在我看来中国最早的的艺术体现应当是远古各氏族的图腾，比如最早的伏羲氏系统的有所谓的长龙氏、潜龙氏、居龙氏、降龙氏、上龙氏、水龙氏、青龙氏、赤龙氏、白龙氏等等。
这些是最早的图腾体系，其大都是人面蛇身的式样，其中大概就是我们的原始祖先们最早的“人心营构之象”吧。
而这蛇之象经过历史的积淀后逐渐演变为龙，也成为正统图腾之一。
【最新】关于艺术的论文-范文模板 (5页)
本文部分内容来自网络整理，本司不为其真实性负责，如有异议或侵权请及时联系，本司将立即删除！== 本文为word格式，下载后可方便编辑和修改！ ==关于艺术的论文篇一：艺术原理小论文对艺术起源、定义、本质、阐释以及美学与艺术哲学关系等方面任选一个，结合具体事例写一篇小论文201X字以上，有自己的观点，论据充分，条理清晰。
美学与艺术哲学关系在第18届世界美学大会召开前夕，北京大学美学与美育研究中心举办了一场小型座谈会，主要讨论美学与美术的关系。
参加讨论的有中央美术学院殷双喜、中国艺术研究院王端廷、人民大学牛宏宝、北京大学艺术学院丁宁、北京大学美学与美育研究中心朱良志和彭锋。
几位老师围绕着美学和美术的关系展开讨论：丁宁：美学和美术的关联怎么强调都不过分北京大学艺术学院的丁宁教授认为，最近几年有关美学与艺术哲学的关系讨论较多，如芝加哥最近举行了这样的讨论：艺术是否还需要美学?所以没有了美学，艺术本体论上的问题就很难得到深入讨论。
同时就中国的教育角度，美育不能完全是抽象的、理论的教育，而要落实到一定艺术实践，如美术等，从而会形成美学与美术的关联。
然而丁宁教授还谈到，艺术的问题与美学的问题要有所区别，不要试图用美学的问题来解决艺术的问题。
真正的美学只要能够在其学科的历史积淀上往前走就可以，而不是去艺术实践。
美学的功能是要去探讨美的本质之类问题，而不是直接面对艺术问题，但美学不应该回避艺术问题。
总之，美学看问题的角度与艺术的角度有区别。
而对于美术史论研究来说，美学是很重要的。
现在美术研究和艺术的关系、和审美的关系越来越远了。
如果没有美学的宏观视野和逻辑化的精深分析，美术史有时候就显得有问题了。
所以美学和美术的关联再强调都不过分，双方的研究者都应该关心对方的研究，实现双赢。
殷双喜：艺术像一个调皮的孩子，美学像一个说理的家长对此，中央美术学院《美术研究》副主编、艺术策展人殷双喜先生则认为，现在在美术界变成了艺术院校的公共课——艺术概论，而中国美术和美学的关系，实际上已经渗透到骨子里了。
研究论文：艺术理论论文36370 浅谈艺术创造与创造性思维
艺术理论论文浅谈艺术创造与创造性思维莎士比亚讲：“一个放弃时间的人，他将会被时间放弃”。
我们如何在时间中创造出更多伟大的艺术作品给人类的历史留下宝贵的物质和精神财富？这不仅仅需要一个人的天赋和勤奋，还需要有创造性的思维和不断地学习。
我们如何去发现艺术、走进艺术、创造艺术？这些不仅是艺术家需要思考的问题，而且也是每一个热爱生活，热爱艺术的人应该思考的问题。
培根在《学术的进展》和《谈读书》中强调了学习知识与艺术创造的重要性。
知识的学习是一个积累的过程，我们宁可学了没用，也不要等需要用的时候才发现什么都没有学到。
千里之行始于足下，勤能补拙。
我们要学会把学习的东西消化了，变成属于自己的东西。
一定要有属于自己的发明创造。
真价值，就是创造价值。
艺术与创造就是针对目标求解的活动。
一、艺术创造与学习艺术的真谛存在于一切艺术的现象中。
一切伟大的艺术来自于伟大的艺术创造。
牛顿曾经说过我并没有什么伟大，我只是站在了巨人的肩膀上。
那些伟大的发明家、艺术家、哲学家他们首先都是伟大的思想者。
苏格拉底讲：“一个没有经过思考的人生是不值得一过的”。
我们在成长的道路上，应该学习一切有益于我们成长的知识，集百家之所长，东西结合，融会贯通。
著名的音乐家谭盾先生讲：“东方音乐加西方音乐等于一就对了”。
谭盾这里所说的“一”和老子所讲的“一”是一回事，是与天地大道而冥合的。
老子讲：“道生一，一生二，二生三，三生万物，万物负阴以抱阳，充气而为和。
”这里的“一”也就是“道。
”只有得“道”了，方可从更深层次理解和创造艺术作品。
“艺术创造就是创造个性。
”优秀的老师教出来的学生一定比自己更优秀。
达芬奇学画的时候，将他老师的一幅作品进行了自己的二度创作。
他的老师看了以后对他讲，我已经教不了你了。
直到后来达芬奇有了自己的学生，他常常对学生们讲：“超不过自己老师的人，就是一个愚蠢的学生”。
可见达芬奇是极力鼓励学生创新的。
一个艺术家必须要勤奋。
有句话讲得好：“业精于勤，荒于嬉”。
艺术理论相关的论文.doc
艺术理论相关的论文论黑格尔的艺术解体论不等于艺术消亡近现代以来，艺术以新颖的方式、多元的面貌呈现出来，人们开始质疑什么才是真正的艺术并讨论艺术是否死亡了。
在这个大背景下艺术是否已经消亡成为人们关注的焦点。
而历史上提出艺术终结第一人既不是艺术家门也非艺术理论家，而是终身从事哲学研究的德国古典哲学巨匠黑格尔[1]。
黑格尔的艺术解体论是指艺术在经历象征型、古典型、浪漫型三个艺术发展阶段后走向了解体，让位于宗教与哲学。
艺术走向解体是否意味着艺术的消亡，在黑格尔的逻辑体系中艺术是否真的的消亡，这个问题的研究对后来的艺术终结论和艺术界现状都具有重要的意义。
下面笔者将谈谈自己的认识。
一、德文anfheben一词的真正含义黑格尔的艺术解体论曾被误读为艺术死亡论。
1980年发表的《黑格尔哲学中的艺术与逻辑》一书中艺术解体论被突出地描述成艺术的死亡。
这种对黑格尔的理解主要基于代英国学者 F.P.B.奥斯梅森将黑格尔美学中一些关键术语译成英文时出现的误译[2]。
基于上述情况，笔者认为应当从原著的德文入手才能精确了解黑格尔的原意。
当黑格尔在谈起浪漫艺术艺术解体时使用的是anfheben一词。
这个词本身除了有消除、去除、废除的意思外还有收集、积聚、和保留的意思。
当译者把此词完全理解为消亡的意思时就使得艺术的解体变成了艺术的消亡，偏离了黑格尔的原意。
anfheben一词是消除与保留两个相反意义的组合。
在《哲学大辞典》中anfheben一词被翻译为扬弃，包含抛弃、保留、发扬和提高的意思。
扬弃一方面是舍弃和丢弃，一方面又是保留与升华，这正是黑格尔辩证哲学的精髓所在。
在黑格尔哲学中，明确把扬弃作为同时具有否定与肯定的双重含义概念加以使用。
他指出：扬弃在语言中，有双重意义，它既意谓保存、保持，又意谓停止、终结。
(《逻辑学》)这种双重意义互相联结就是既被克服又被保留，常用来阐明一概念向另一概念的过渡[3]。
当艺术进展到宗教、哲学领域中时艺术的解体过程在黑格尔看来并不是艺术的完全被废除而是在消解中有所保留，是有去除也有保留、升华的过程。
- 1、下载文档前请自行甄别文档内容的完整性，平台不提供额外的编辑、内容补充、找答案等附加服务。
- 2、"仅部分预览"的文档,不可在线预览部分如存在完整性等问题,可反馈申请退款(可完整预览的文档不适用该条件!)。
- 3、如文档侵犯您的权益，请联系客服反馈,我们会尽快为您处理(人工客服工作时间：9:00-18:30)。
艺术理论论文精选宗璞散文的艺术魅力与特质宗璞,当代著名女作家。
原名冯钟璞,祖籍河南唐河,1928年7月生于北平的世代书香门第,著名哲学家冯友兰先生之女。
父亲、姑母等都是全国著名的学者。
命运之神对她优厚有加,一下子便置她于中国最深厚的文化渊源之中。
她幼承家学,就读清华大学附属成志小学校。
抗战爆发,随父赴昆明,就读西南联大附属中学。
1945年回北京。
1946年入南开大学外文系,1948年转入清华大学外文系,曾就职于中国文联及编辑部、中国社会科学院外国文学研究所,多年从事外国文学研究。
宗璞始终生活在高等学府幽静的校园的一角。
从童年时代起迄于今,除了特殊的离乱,它们始终滋润着、陶冶着宗璞的心灵。
宗璞作品所展现的生活环境和人物内心世界,我们处处可以寻到中国哲学、中国文化艺术深远的、潜移默化的影响,从而赋予它们特有的幽雅、淡泊、洒脱、内省的精神风貌。
1957年以后,宗璞的散文创作受到各界重视,散文集《丁香结》获全国优秀散文(集)奖。
她的散文情真意切,隽永脱俗。
成名作《西湖漫笔》成为游记和抒情散文中的上乘之作。
她的作品以其深刻的思想内涵,独到的见解,高超的语言能力,纯熟的艺术技巧,丰富优美的情感世界,特有的个性魅力在散文的园地里独树一帜。
具体表现为以下几个方面。
一、散文格调高雅,富于哲理中华散文,源远流长。
数千年的散文创作,或抒情、或言志、或状景、或怀人莫不反映出时代的风云变幻和人们的思想情感。
宗璞的散文,内容丰富,充分的反映作家对生活的深刻认识。
她说:若能为徘徊在十字路口的人增添一点抉择的力量,或仅只减少些许抉择时的痛苦,我便心安。
她的作品可以分为叙事、抒情、写景之类,也包括文化随笔等。
作者善于从极平凡普通的事物里深入开拓,以小见大,书写情怀。
生活气息浓郁,情思深远美好,活泼泼地显示着生命。
有反映家庭生活的,表现父女、母女、姐弟之间挚爱亲情的,如《花朝节的纪念》《九十年华诞》;有反映旅外华侨生活,凸显爱国思乡情怀的,如《彩虹曲社》;有描写访问名胜古迹,反映异国风光的,如《澳大利亚的红心》《奔落的雪原》;有反映个人生活志趣爱好的,如《恨书》;有描写奇花异树,山川风物的,如《紫藤萝瀑布》《燕园石寻》;有书写真挚友情的,如《辞行》《三幅画》;有书写校园生活的,如《一年四季》;也有感怀先哲,缅怀大家的,如《他的心在荒原》。
可以说她的作品,角度独特,做到了主次兼收,巨细不论。
因为她文学素养深厚,有坚定的信念,远大的理想,对生活充满了美好的希望,因此无论是写人叙事,表现亲情、友情或爱情也好,还是写景状物,大到山川河流,小如花草树木,触景生情,借物言志,即个人的幸福与时代的发展变化紧密相连。
所以她的散文风格是高雅的,旋律是激昂的,思想是健康向上的,情调是优美的,感情是真挚的。
读后令人精神振奋,欢欣鼓舞。
手法上善于联想类比,透过隐含社会背景的语句,联系生活的经验与社会的形势,揭示重大的社会主题,富于哲理。
如《哭小弟》, 我哭小弟,哭他在剧痛中还拿着那本航空资料想再看看,哭他的胃下垂、肾游走;我也哭蒋筑英抱病奔波,客殇成都;我也哭罗健夫不肯一个人坐一辆汽车!我还要哭那些没有见诸报章的过早离去的我的同辈人。
他们几经雪欺霜冻,好不容易奋斗着张开几片花瓣,尚未盛开,就骤然凋谢。
我哭我们这迟开而早谢的一代人! 既写亲情,书写了与小弟的亲密感情,成长经历,小弟英年早逝的极度哀恸与悲戚, 又能以家庭为背景,辐射社会生活,与《辞行》等都从不同角度表现了当时双肩挑的知识分子艰难的生存状态,承受的重负与艰辛和他们为改变现状而不懈努力的精神。
展示中年知识分子人生命运的轨迹,兼有崇敬与惋惜双重感情色彩,唤起人们对他们应该给予的敬重与爱戴,引人思索。
在《紫藤萝瀑布》中,文章提到十多年前的一大株紫藤萝,后来,拆掉了紫藤花架,改种果树,理由是花和腐化的生活有什么必然的关系。
根据这个线索,联系历史背景,就能理解这篇散文的思想感情了。
就会明白,紫藤萝的命运,从花儿稀落到毁掉,到如今的繁花似锦,正是十几年来整个国家命运的写照和象征,作者回顾花和人的命运,悟到花和人都会遇到各种各样的不幸,但是生命的长河是无止境的。
进而警示人们经历了十年浩劫,国家拨乱反正,进入改革开放的崭新的历史时期,神州大地生机勃发,万象更新。
面对新生活,我们应该振奋精神,以昂扬的斗志投身到伟大的事业中去,作者彻悟了,于是,在这浅紫色的光辉和浅紫色的芳香中,我不觉加快了脚步。
从脚步声中,我们可以感受到作者崭新的精神风貌。
二、文笔清新绚丽、优美隽永语言风格是作家的文化品位、文字功底、语言习惯、个性气质及思想情操的综合表现。
也是由作品的题材、描写的对象决定的。
宗璞是一位有很深厚语言修养和很高语言造诣的作家。
素谙古典文学的表现手法和语言艺术,又吸取了西方文化之精粹,学养深厚,气韵独特。
既承中国传统文化的学厚渊源,又得外国文化长期耳濡目染,她的作品蕴含东方传统哲学文化和西方人文主义思想相结合的精神内涵,具有独特的艺术气质和高雅格调。
她很注重语言在朴素、自然、生动的基础上,吸收融进典雅的书面语言,能在古今中外的语言宝库中广征博引,自然之中又时时流露出大气雍容。
她的散文讲究语言美,她追求语言的概括力和表现力,长于以极其精练、形象、隽永的文字写人绘景,形成了广泛的社会影响。
状写的景物,各具特色,有的绿得发黑,深极了,浓极了;有的绿得发蓝,浅极了,亮极了。
(《西湖漫笔》)通过色彩的变化,写出近景与远景分明的层次,宏观与微观巧妙融会。
一朵花苞钻出来,一个柄上的好几朵都跟上。
花苞很有精神,越长越长,成为玉簪模样。
六片清雅修长的花瓣围着花蕊,当中的一株顶着一点嫩黄,颤颤地望着自己雪白的小窝。
(《报秋》),简洁的词语描绘出花的情趣、状貌与品格,惹人怜爱。
笔下的人物,寥寥数语,形神兼备。
她写母亲生命的最后一刻:最后在校医院用杜冷丁控制止痛,人常在昏迷状态。
一次忽然说要挤水!要挤水!我俯身问什么要挤水,母亲睁眼看我,费力地说:白菜做馅要挤水。
我的眼泪一下子涌出来,滴在母亲脸上。
(《花朝节的纪念》)。
浓浓的母爱之情跃然纸上。
孙犁评价说:宗璞的文字,明朗而有含蓄,流畅而有余韵,与细腻之中,注意调节。
每一句的组织,无文法的疏略,每一段的组织,无浪费或枝蔓。
可以说字字锤炼,句句经营。
宗璞的语言,出自作品的内容,出自生活。
她吸取了外国语言的一些长处,绝不显得生硬,而且很自然。
她的语言,也不是标新立异,是在前人的基础之上,有所创作,有所进展。
我们不妨把五四时代女作家的作品,逐篇阅读,我们会发现,宗璞的语言,较之黄、凌、冯、谢,已经有了很大的不同,也就是有了很大的发展。
因此,她的语言,虽是新颖的,并不给人一种突兀的感觉,使人不习惯,不能接受。
三、情景交融,笔法灵活多变宗璞的散文注意记叙、描写、抒情与议论相结合,达到了物我交融,充满诗情画意的境界。
她能以画家的审美观点,恰当的选择表现的角度。
这个角度不仅看到了事物形的特点,还洞悉到它神的方面的种种本质特征。
作家能从新颖独特的角度,集中反映描写对象的内在精神。
在她的散文中,花和松是出现较多的意象,以此形成了婉妙、淡雅的意境。
善于把景物描写、形象的塑造和心灵的刻画有机的结合起来,作者深厚的内在情思,注入了人物和景物的描写之中,发人深思,催人联想。
具有较大的艺术容量,经得起读者的反复推敲鉴赏,形成其独特的风格和气韵。
给散文的艺术画廊带来一片璀璨斑斓的景象。
她笔下的西湖,如烟雨迷蒙的水墨画,写的轻松优美,意兴盎然。
作者爱国的情怀也在字里行间涌动,激发读者热爱祖国大好河山的感情。
宗璞对生活观察细致入微,极富于思考。
善于把所见、所闻、所感同时代精神统一起来,显示出散文的独有风貌。
巧用想象和联想,正面着笔与侧面烘托相互辉映;大胆泼墨兼顾工笔细绘;有直抒胸臆,也有隐喻暗示;白描与彩绘相得益彰,包容四季,跨越古今,涉及中外。
有时波澜壮阔,有时宁静无声。
恣意汪洋,酣畅淋漓。
诗情画意抒情。
在景物描写中,她强调色彩的渲染。
远山凹处,红日正沉,只照得天边山顶一片通红。
岸边几株枯树,恰为夕阳做了画框。
框外娇红的西山,这时全呈黛青色,鲜嫩润泽,一派雨后初晴的模样,似与这黄昏全不相干,但也有浅淡的光,照在框外的冰上,使人想起月色的清冷。
(《废墟的召唤》)水色碧绿,到悬崖边时,忽然变做了大块的雪,轰然落下,溅起无数的水花,使得瀑布下都宛如在云雾中。
大雪块不断崩落下来,云雾不断升起。
这里是这样雄伟,这样宽阔,这样急速地流动着,简直叫人喘不过气来。
整个的雪原从天上崩落了!(《奔落的雪原》)文中绚丽的色彩点染,达到了景中有画,画中有诗,充满诗情画意,令人震撼的艺术美感。
同时,还讲究动静结合,动中有静,静中有动。
顺序变化有序,整体与局部协调完美。
注意调动多种感觉,视觉、听觉、味觉等结合,令人有身临其境之感。
修辞多样,比喻、拟人、排比等综合运用,细节穿插充满情趣,使想象丰富辽远,创造出更加优美的艺术境界,真切的表现了作者豁达的胸襟与积极进取的精神风貌,洋溢着对自然、对人生的品味与赞赏。
美与局部分明作家驾驭散文语言可谓左右逢源,炉火纯青。
有人说,散文,是将作者思索体验的世界,只暗示于细心的注意深微的读者们。
希望大家能够静下心来认真的读一读宗璞的书,特别是她的散文,相信会有更大的收获与更美好的感受。
傅抱石的艺术人生傅抱石(1904―1965)，原名长生，字庆远，学名傅瑞麟，江西新余人，生于南昌，留学于日本东京帝国美术学校，是中国近现代的著名画家、篆刻家、美术史理论家。
傅抱石年幼时家住在南昌的一条穷街陋巷中，家中有一傅得泰修伞铺，以修补洋伞为生，极为穷苦。
由于南昌临近瓷都景德镇，即使穷苦人家，也有些许瓷器，幼年傅抱石自小便对瓷器上的绘画产生了极大兴趣，经常描摹，这些纷繁的绘画便成为他最早的启蒙。
在傅得泰修伞铺东邻有一刻字摊，抱石经常驻足观看，与老板熟稔之后，老板便赠与刻刀石料，让其尝试刻章，傅抱石便对着康熙字典学习篆书。
在伞铺西边又有家裱画铺，抱石经常前去观摩，对绘画有了初步的了解。
1921年考入江西省立第一师范学校艺术科正式学习图画，毕业后留校任教。
1933年在徐悲鸿与熊式辉的推荐下，赴日留学深造，入东京帝国大学美术学校，师从于金原省吾教授，专攻东方美术史与画论，回国后执教于南京中央大学教育学院艺术科。
1939年因抗日战争的爆发，辗转来到重庆，这是傅抱石山水画的质变阶段，创造了抱石皴，奠定了其艺术成就。
50年代，面对极左思潮，在他的坚持下，使南京师范学院美术系成为当时唯一保持中国画名称的美术系。
1957年率中国美术代表团赴罗马尼亚和捷克斯洛伐克访问，这是我国第一次派出的美术考察队，出版了2本相关画集，大大加强了与东欧两国的友好关系。
与齐白石94岁、林风眠91岁、黄宾虹90岁、张大千84岁相比，傅抱石的艺术生命实在短暂，但却成果颇丰。