艺术理论的论文特辑
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关于艺术理论论文让英语课堂提问更具艺术性当前新课程改革正在如火如荼地进行着，课堂教学的改革成为此次课程改革的主阵地。
而课堂提问一直以来是课堂教学活动中经典的常用的教学方法，它是教学过程中教师和学生之间常用的一种相互交流的活动方式，是知识传授、信息反馈的重要渠道，它在英语教学中发挥着越来越重要的作用。
它对考查学生的学习情况，引发学生的探究兴趣，培养和训练学生的语言表达能力，发展学生的思维能力等方面都具有显著的作用。
课堂提问，可以说是一门教育艺术。
在新课程下，教师要充分挖掘课堂提问的功能、优化问题的设计、把握提问的原则，最大化地提高提问的有效性，促进学生全面和谐发展。
随着有效教学理论的发展，教学论研究者对教学有效性的理解有不同的看法。
有些研究者从学生有效学习和发展的角度规定教学有效性(黄小平，前孔子的启发式提问和苏格拉底产婆式提问，他们用提问成功地引导学生学习，至今为人称颂。
近几年教学问题聚焦在真实的课堂，关注教师怎么教和学生怎么学。
课堂提问是教学中最重要的部分之一，也是课堂互动最经常使用的形式之一。
因此受到许多研究者关注。
英语阅读教学。
实际上就是一个设疑、导疑和释疑的过程。
在这一过程中，教师只有抓住学生的求知心理，不断地进行设疑、导疑和释疑，才能充分发挥提问教学功能，上好阅读课，从而提高学生的阅读能力。
在课堂教学中提问要注意以下几个方面：一、问题表述要清楚明了教师对学生提出问题的时候，要注意问题的陈述应该严密、详细和清楚，为学生思考指出明确的焦点和方向，避免模棱两可。
清楚的发问会提高准确回答问题的可能性。
案例：问学生：What are the important inventions in China?或问学生：What does school start?学生都会感到茫然，中国的重要发明有很多，到底是问哪一个时期的发明呢?还有第二句学校开学分上半年和下半年，到底是问哪半年呢?因此不妨把上面两句改为：What are the four great inventions in the ancient China?和What does the new school years tart?二、教师提问态度要和蔼如果教师提问时用充满责备和威胁、强硬的态度就会增加学生的心理负担，造成恐惧心理，影响课堂气氛和学生参与的积极性。
艺术理论论文：分析艺术理论对艺术创作引领作用
艺术理论论文：分析艺术理论对艺术创作引领作用本文艺术理论的重要性艺术创作活动是人类特有的一种高级的、复杂的精神活动与实践活动，是艺术家在创作欲望的推动下，运用一定的艺术语言和艺术手法将自己的生活体验与思想情感转化为具体的、生动的、可感的艺术形象，即实实在在的艺术作品[3]。
但一定的艺术创作必然受到思想意识的影响，而且艺术理论对艺术创作活动的重要性是毋庸置疑的，否则千百年来数以万计的艺术家与艺术理论家们也不会一直乐此不彼地对艺术创作经验进行总结。
同时艺术理论对绘画创作的启发和作品格调的提升，也起着至关重要的作用。
纵观古今中外有成就的画家的流芳百世的艺术作品，我们不难发现反映时代精神，把握时代命脉是艺术家进行艺术创作的前提和基础。
艺术作品表现出的是画家的内在精神、文化修养以及对事物深邃的洞察与体会，对生活和社会的认知和感悟。
这些世界大师的作品大多都和社会的转折、革新、文化运动和思想革命有关，他们在世界的发展史上占有极其重要的地位。
他们都有一个共同的特点，那就是除了具备高超的绘画技艺之外，普遍都具有深刻的思想、强烈的意识和人文情怀，而这种思想意识与情怀是以学术修养和理论思考为雄厚基础的。
因此，掌握艺术理论，可以有效地加强画家的艺术修养，增进画家的学术思考，提升画家的审美水平，进而将自己的艺术思想和人文情怀注入绘画创作之中，最终提升其作品的品位。
从根本上说，艺术作品是画家的一面镜子，它折射着画家的所思所想、所作所为，从而揭示着艺术家内心世界的奥秘。
艺术理论对创作的指导作用印象派是法国19世纪下半期一个重要的艺术流派。
19世纪现代科学技术尤其是光学的迅猛发展，在光学原理和实践的启发下，印象派尤其注重研究外光对物体所产生的稍纵即逝的视觉效果。
正是在这一艺术理论的指导下，印象派开创了艺术的先河，为现代艺术的发展开启了一扇新的天窗。
因此，印象派的画家在创作时更为关心的是画面的美感与物象在外光条件下的变换，他们的作品也大多醉心于色彩和光线，并以此来更好地表现其作品的色感和光感，正如莫奈所说“唯一的希望是和自然密切地结合”。
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论声乐艺术中的字正腔圆在声乐艺术发展过程中，许多西洋美声唱法的歌唱家、教育家、理论家们在长期辛勤探索过程中，给西洋美声唱法赋予了我们民族的特色，成为我们民族声乐的一个重要组成部分。
西洋美声唱法的技巧难度较大，因而容易忽视甚至否定我们民族的语言、吐字、感情表达和民族的审美观点等等。
在民族声乐中语言同样占有非常重要的位置，语言无疑是歌唱艺术的灵魂，所以必须立足在语言、咬字、发音的重要环节，从多方面来研究和发展民族声乐艺术。
一、声乐艺术中汉字结构及特点民族声乐是用汉语来演绎的，汉语的每一个字音就是一个语言中的自然单位――音节，而音节又是汉语中最小的单位――母音与字音因素构成的，根据传统的音韵学方法，汉语字音的成分是由声母、韵母与声调构成的。
歌唱中的咬字，主要是指声母的发音。
声母是一个音节的开头部分，一般是一个音节自然顿歇起首的音素，在音节与音节之间起隔音与过渡的作用。
因此，要求准确、清晰，不然就会产生有声无字、音包字、字包音或字音模糊等混乱现象。
因此，掌握好声母的发音，是使字音纯正、真切、有力的关键。
韵母的发音大部分由于颤动声带，而且不受阻碍，因此声音十分响亮，同时可以任意延长。
因此，歌唱的声音表现主要借助于母音的发挥，它是构成音响与旋律的基础，音色与共鸣的完美体现也全靠母音的音乐化。
有人说：“歌唱是一种语言艺术，所以也是一种母音的艺术。
”如果从母音在歌唱中的重要地位来看，这是有一定道理的。
歌唱中的吐字，主要是指韵母的发音。
汉语是有声调的语言，而汉语声调又分阴平、阳平、上声、去声，声调是字正之本，在汉语语音中起重要作用，因此唱每一个字时，必须依照四声音势的高低、升降、曲直、强弱的特点，才能将字咬正发准，并能传达出语言韵味的神态内涵。
歌唱的咬字发音状态，决不是生活中说话状态的照搬和重复，具体地说，就是要经过归韵、咬字、发音、拖腔、收尾五个阶段。
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艺术理论论文的锦集谈我国书法艺术在现代平面设计中的应用一、书法是中华民族特有的艺术瑰宝老舍先生说：中国画与中国字是同胞兄弟。
这里讲的同胞兄弟，就是说书画同源。
中国人讲书画同源，这书，我以为是包含了文章和文字在内的，所以，许多山水画都直接取材于中国的文学作品，或者间接地表达着诗辞歌赋的美妙意境。
正因为书画同源，独特的汉字便形成了世界上独一无二的书法艺术，而且一直影响着中国的其它艺术。
书法是中华民族特有的艺术瑰宝，是中华民族精神的外化;书法艺术凝聚着中华民族的哲学思想、人文精神、聪明才智、思想情感、美学追求等等，从某一方面说，热爱祖国的人，大多热爱书法，因为汉字是代表中国的徽号，有中国字的地方就有中国人。
艺术与人的品质是互为表里、密不可分的。
具备良好的书画艺术修养，是平面设计人才必须具备的良好素质之一。
平面设计是一门综合艺术，必须经过全面、系统、严格的基础训练，才能提高设计人员在设计中的认识能力、思维能力和创造能力。
通过书法课的学习，可以使设计人员运用不同的字体，在设计中创造不同的气氛，使人们对包装商品产生不同的感觉。
如古体字(包括篆、隶书体)能使人对包装商品产生一种名贵和古色古香的感觉，特别适用于古董、首饰、玉器、土特产品的包装设计; 篆书则适用于贺年卡、请柬、徽章、图案等设计;正书给人一种现代、科学的感觉，适用于轻工、机电产品、食品饮料的包装设计等等。
因此，书法艺术的一些特点有助于设计者在设计中把商品的性质、特点结合起来，取得更好的设计效果。
特别是目前市场经济条件下，商品竞争激烈，要求商品在货架上有冲击力，传达信息迅速。
就更要求商品的包装设计日趋突出、醒目，而文字的美化在商品包装设计上，则处于非常重要的地位。
二、书法艺术本身就是优美的线形设计当我们看到一幅书法艺术作品的时候，首先就是一种美的感觉，美的享受。
这时我们并不一定留意作品书写的内容。
譬如王羲之的《兰亭集序》，仅从文章说，没有王勃《滕王阁序》那样酣畅流利的笔调，令时人叹为此真天才，当垂不朽;也没有陶渊明《归去来兮辞并序》那样清新流畅的语言，被后人誉为两晋文章，惟《归去来兮辞》一篇。
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浅谈现代主义与后现代主义艺术的区别现代主义艺术与后现代主义艺术作为艺术史上两个既有区别又有联系的概念，被反复的论证与分析。
现代主义艺术是指20世纪初在西方出现并占有主流地位的具有前卫和先锋特色、颠覆传统的艺术流派与艺术思潮的统称，而并非为一种艺术风格。
而后现代主义艺术则被认为成是前者的衍生与颠覆者，二者息息相关。
现代主义艺术的出现是具有历史必然性的。
19世纪之后西方资本主义迅猛发展，进入垄断资本主义阶段，伴随着第二次工业革命的发生，人们的生活方式经历了巨大的变化，关照自我，关注社会的角度，思维的方式都不同以往，这个时代的艺术必然染上了时代的政治、文化气息。
在急速变化的世界中，人们对于自我、世界和社会的关系失衡，战争的残酷带来了精神的创伤，自我的迷失导致了心理的扭曲，于是现实生活中的消极悲观与失望的情绪被带入了艺术创作，作品具有强烈的个人主义和虚无主义的色彩。
现代主义艺术既然是作为一种现象的总括，就无法归纳其普遍性的风格特征，而只能从观念层次进行梳理。
作为这样一个杂糅的概念，之所以能被划分为一个整体，无非在于它们颠覆传统的共性，然而这种共性的背后，又显现出方式和观念的相异。
达达主义提倡自动性和偶然性，他们的目的不在于创造而在于破坏和挑战，广泛采用现成品和拼贴的手法，杜尚更是以相当敏锐的选择能力和丰富的文化基础，巧妙的嘲讽了由来已久的美学传统和欣赏习惯。
正如阿纳森所说的那样：“杜尚在那些现成物体中，发现了一些在本质上涉及到艺术史中历史价值问题的形式。
……大约在那时，他使用了‘现成物体’这个术语，用来标明这种作法的形式。
这些现成物体的选择，从来不受什么审美快感的支配：‘它是以视觉的无所反应为基础的，不讲任何高雅或粗俗的审美情趣……事实上，是一种完全麻木状态’。
”在达达主义基础上发展起来的超现实主义则是吸取了其传统和自动性创作的观念，但是摒弃了其全盘否定的虚无态度，致力于探讨人类先验层面的潜意识，这种突破理性和道德束缚的美学观念促使艺术家用不同的手法表现原始的冲动，释放自由和荒诞意象。
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艺术理论论文精选宗璞散文的艺术魅力与特质宗璞,当代著名女作家。
原名冯钟璞,祖籍河南唐河,1928年7月生于北平的世代书香门第,著名哲学家冯友兰先生之女。
父亲、姑母等都是全国著名的学者。
命运之神对她优厚有加,一下子便置她于中国最深厚的文化渊源之中。
她幼承家学,就读清华大学附属成志小学校。
抗战爆发,随父赴昆明,就读西南联大附属中学。
1945年回北京。
1946年入南开大学外文系,1948年转入清华大学外文系,曾就职于中国文联及编辑部、中国社会科学院外国文学研究所,多年从事外国文学研究。
宗璞始终生活在高等学府幽静的校园的一角。
从童年时代起迄于今,除了特殊的离乱,它们始终滋润着、陶冶着宗璞的心灵。
宗璞作品所展现的生活环境和人物内心世界,我们处处可以寻到中国哲学、中国文化艺术深远的、潜移默化的影响,从而赋予它们特有的幽雅、淡泊、洒脱、内省的精神风貌。
1957年以后,宗璞的散文创作受到各界重视,散文集《丁香结》获全国优秀散文(集)奖。
她的散文情真意切,隽永脱俗。
成名作《西湖漫笔》成为游记和抒情散文中的上乘之作。
她的作品以其深刻的思想内涵,独到的见解,高超的语言能力,纯熟的艺术技巧,丰富优美的情感世界,特有的个性魅力在散文的园地里独树一帜。
具体表现为以下几个方面。
一、散文格调高雅,富于哲理中华散文,源远流长。
数千年的散文创作,或抒情、或言志、或状景、或怀人莫不反映出时代的风云变幻和人们的思想情感。
宗璞的散文,内容丰富,充分的反映作家对生活的深刻认识。
她说:若能为徘徊在十字路口的人增添一点抉择的力量,或仅只减少些许抉择时的痛苦,我便心安。
她的作品可以分为叙事、抒情、写景之类,也包括文化随笔等。
作者善于从极平凡普通的事物里深入开拓,以小见大,书写情怀。
生活气息浓郁,情思深远美好,活泼泼地显示着生命。
有反映家庭生活的,表现父女、母女、姐弟之间挚爱亲情的,如《花朝节的纪念》《九十年华诞》;有反映旅外华侨生活,凸显爱国思乡情怀的,如《彩虹曲社》;有描写访问名胜古迹,反映异国风光的,如《澳大利亚的红心》《奔落的雪原》;有反映个人生活志趣爱好的,如《恨书》;有描写奇花异树,山川风物的,如《紫藤萝瀑布》《燕园石寻》;有书写真挚友情的,如《辞行》《三幅画》;有书写校园生活的,如《一年四季》;也有感怀先哲,缅怀大家的,如《他的心在荒原》。
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论《皮革马利翁》中幽默与讽刺的艺术《皮革马利翁》是著名英国戏剧家肖伯纳写于1912年的作品。
在这个戏剧中，资产阶级语言学家希金斯拿一个贫寒的街头卖花女伊莉莎作为试验，与人打赌，企图通过改变她的语言和语音，打造她的外表，让她变成了一位似乎出身于豪门贵族的仪容优雅的小姐。
伊莉莎的确在出席大使馆游园会时倾倒了所有的人。
希金斯点石成金，打赌全胜。
正当他享受着成功的喜悦时，伊莉莎悄悄离开了他。
这个自诩高贵的上层阶级教授似乎对低贱的伊莉莎产生了感情，但其骨子里的傲慢与矜持，及上等人对下等人的冷酷暴露无遗。
萧伯纳用讽刺夸张充满幻想的喜剧手法揭示资产阶级的虚伪性，在这个构思奇妙充满戏剧性的剧本里，再一次无情地批判貌似温文尔雅的资产阶级。
他运用多种修辞手法，使读者能够更深刻的体会他的写作风格，并真正领略卖花女的文学价值。
一、《皮革马利翁》中幽默手法的应用让我们来看看在第三幕中希金斯他母亲的话吧：“I’m sorry, but I can’t get round your vowels and though I like to get pretty postcard in your patent shorthand, I always have to read the copies in ordiary writing you so thoughtfully send me.”(对不起，可是我学不来你的那些元音，我接到你寄来的那些用独特的速记法写的漂亮的明信片。
虽然很高兴，可是我总是得看你特地寄来的用普通字写的底稿。
)前面的一句告诉我们她听不明白儿子发的元音，后边的一句中一个“patent shorthand”幽默比喻使得希金斯潦草不规范的书写仿佛跃然纸上，以致于连母亲也不得不叹为观止。
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论歌唱艺术活动中“说”机能的训练歌唱是研究语言在音乐旋律上延长的一种艺术表现形式，是直接将语言和音乐相结合来表达思想感情、塑造艺术形象的一种活动。
人类利用“自身”为乐器来进行音乐美的创造，是和人的思想、肌肉与发音器官的运动相联系的，是人的生理机能与心理思维的有机结合，即将有声的口头语言音乐化。
歌唱与语言具有不可分性，语言是歌唱艺术的造型基础和创造艺术形象的核心。
语言最自然的表达方式是靠说来完成，是人与人之间进行交流的最直接、最基本、最自然的动作，通过唇、齿、舌等和发声、共鸣器官共同协作完成。
而产生的声音，多为表意，不带有音乐旋律性。
唱是在说的基础上加以扩大发展，并带有强烈的情绪和感情色彩，具有旋律感。
说与唱是同一发音器官发出的程度不同的声音，说是唱的基础，唱是说的音乐化。
正如意大利著名歌唱家卡鲁索认为的“讲话和歌唱是同一的功能，是由同一个生理机能发出的，因此，它们是同一现象。
同时，讲话的声音是歌唱和歌声的实质性的因素，其本质只是带音乐节奏的说话，因此，没有正确的讲话发音就没有正确的歌唱存在”[1]。
卡鲁索的这个观点与我们中国传统声乐艺术中的“字正腔圆”的美学观点有相似之处。
歌唱时要想达到“字正腔圆”的目的，就得按照“依字行腔、腔随字走、字领腔行”的方法进行。
歌唱具有时间性，它是人声的音响随着时间的推移刺激听众的听觉，从而给他们带来心理感受和情感反应的一种活动。
富有感情色彩的歌唱需要通过一个个的字或者音节来体现，所以在歌唱时要让听众首先能听清楚每一个字、词。
歌曲的演唱要展现出内容深刻、丰富而又感人的音乐形象，给听者以美的享受。
为了达到这个目的，在演唱时首先必须做到咬字、吐词清楚、正确，使人闻其音就能解其意，从而引发听者思想与感情上的共鸣。
俗话说“咬字千斤重，听者自动容”，一个歌唱者只有口齿清晰，才能唱出动人的歌声，否则就会出现如余笃刚先生在其《声乐艺术美学》著作中提到的“字不正，腔难圆;字不正，意难明;字不正，音难听”[2]的情况。
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浅谈在艺术设计中使用云南民间工艺艺术一、前言我国的民间工艺，品类繁多，而且有着很悠久的历史。
在设计中，如果能够可以很好的借鉴这些工艺，一方面可以很好的指导设计，另一方面能很好的发扬我中华民族之特色。
同时，对于促进民族文化的繁荣也大有裨益。
民间工艺是造型艺术。
不论任何一种工艺品种，任何一套工艺技法，首先考虑造型的设计问题。
没有一个完美的造型设计方案.再高的技法也无处实施，工艺品也不可能产生。
我国是一个多民族的国家，全国共有56种民族。
其中，居住在云南省境内的民族种类就达26种之多。
云南各族人民在日常的生产和生活中沉积了丰富的民族文化资源，而云南民族民间工艺就是这丰富的民族文化资源中的一朵奇葩。
风格独特、丰富多彩、灿烂耀眼的云南民族民间工艺是云南各民族人民在长期的生产和生活实践中，为了适应自然、气候等方面条件，使劳动工具实用而又美观，在衣、食、住、行等方面获得更多更高的精神享受而不断摸索和创作出来的一门艺术。
云南民族民间工艺是美学与生活的结合，是艺术与技术的相互协调。
它和人们的生活紧密相连，与人的衣、食、住、行、用息息相关，是实用与审美的完美统一。
二、云南民间艺术我国的民间艺术，确以其独特的造型震惊中外艺术界。
理论家们或称其造型奇特、古朴稚拙或赞其造型质朴、浑厚大方。
现代更有人用新的名词术语说其造型是我们中国的立体派、野兽派、现代艺术等等。
说它古朴也好，现代也罢，我国民间的造型艺术，确以其独特的面貌与风格屹立于世界艺术之林，也确实存在着一套完整的、独特的造型体系和创作规律。
它们都是作者主观精神的显化，是为“意”造象，是属中国传统的“意象造型体系”，是每个人按照自己的审美情趣、情感意愿、理想追求去立象造型。
所以虽然都是同一品种，同是剪纸工艺，张三和李四所剪出的狮子也不会一样。
民间有句俗语“十里不同风，百里不同俗”，各地区的民俗都有一定的差异。
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艺术理论相关的论文论黑格尔的艺术解体论不等于艺术消亡近现代以来，艺术以新颖的方式、多元的面貌呈现出来，人们开始质疑什么才是真正的艺术并讨论艺术是否死亡了。
在这个大背景下艺术是否已经消亡成为人们关注的焦点。
而历史上提出艺术终结第一人既不是艺术家门也非艺术理论家，而是终身从事哲学研究的德国古典哲学巨匠黑格尔[1]。
黑格尔的艺术解体论是指艺术在经历象征型、古典型、浪漫型三个艺术发展阶段后走向了解体，让位于宗教与哲学。
艺术走向解体是否意味着艺术的消亡，在黑格尔的逻辑体系中艺术是否真的的消亡，这个问题的研究对后来的艺术终结论和艺术界现状都具有重要的意义。
下面笔者将谈谈自己的认识。
一、德文anfheben一词的真正含义黑格尔的艺术解体论曾被误读为艺术死亡论。
1980年发表的《黑格尔哲学中的艺术与逻辑》一书中艺术解体论被突出地描述成艺术的死亡。
这种对黑格尔的理解主要基于代英国学者 F.P.B.奥斯梅森将黑格尔美学中一些关键术语译成英文时出现的误译[2]。
基于上述情况，笔者认为应当从原著的德文入手才能精确了解黑格尔的原意。
当黑格尔在谈起浪漫艺术艺术解体时使用的是anfheben一词。
这个词本身除了有消除、去除、废除的意思外还有收集、积聚、和保留的意思。
当译者把此词完全理解为消亡的意思时就使得艺术的解体变成了艺术的消亡，偏离了黑格尔的原意。
anfheben一词是消除与保留两个相反意义的组合。
在《哲学大辞典》中anfheben一词被翻译为扬弃，包含抛弃、保留、发扬和提高的意思。
扬弃一方面是舍弃和丢弃，一方面又是保留与升华，这正是黑格尔辩证哲学的精髓所在。
在黑格尔哲学中，明确把扬弃作为同时具有否定与肯定的双重含义概念加以使用。
他指出：扬弃在语言中，有双重意义，它既意谓保存、保持，又意谓停止、终结。
(《逻辑学》)这种双重意义互相联结就是既被克服又被保留，常用来阐明一概念向另一概念的过渡[3]。
当艺术进展到宗教、哲学领域中时艺术的解体过程在黑格尔看来并不是艺术的完全被废除而是在消解中有所保留，是有去除也有保留、升华的过程。
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中原传统民居文化影响下的室内陈设艺术陈设艺术是建筑文化的重要组成部分，是一个时代的物质与精神形态相结合的产物，具有十分深广的文化内涵。
我国古代民居的陈设布局是在传统文化的发展中形成的，是人们的审美意识在传统文化中的表现方式之一。
康百万庄园位于河南省巩义市康店镇，始建于明末清初。
由于它背依邙山，面临洛水，因而有“金龟探水”的美称，是全国三大庄园之一。
被誉为豫商精神家园，中原古建典范。
集农、官、商为一体的大型地主庄园;它的石雕、木雕、砖雕，被誉为中原艺术的奇葩。
庄园内保存了康家当年使用过的3478件家具、珍玩、器皿、文具、书画、衣帽等，建筑室内装饰及陈设不仅展现了康家当年生活的原貌，也反映了当时的社会习俗以及人们的审美倾向。
一、以宣扬伦理、孝悌、进学的礼制观念的陈设特征先秦儒家思想主张在处理事物中要不偏不倚，恰到好处，追求一种“中庸”之道。
中原传统民居基本采用主轴贯穿、主从分明、左右对称的严谨均衡的平面布置。
但在对称中又有变化，在多变中又保持统一。
大院厅堂中，内外统一的对称和均衡的特征都得到了充分的体现。
进入厅堂，迎面是屏壁，构成室内轴心和底景，形成视觉中心，屏壁前依次为条案、八仙桌、扶手椅，再往前为两旁拱卫分设椅几，对数不等，条案上摆设东瓶西镜，中堂画或成对的挂屏挂于屏壁上，对联分设两端，均体现了中正、均衡、对称的特点。
给人的感觉就是秩序、庄重、和整齐。
厅堂室内的主次、尊卑、上下等偏正关系得以凸显和确立，为“行为活动提供了一个特定空间职位标记，满足了行为活动和空间场所的相对应关系。
”迎客厅是用来接待各方来客以及各地康家各地栈房的大小相公，是负责商业信息上传下达的地方。
迎客厅是康家的形象窗口，康家刻意布置这个待客厅，厅内家具、书画、文房四宝、工艺品、茶具、茶叶等配套齐全。
从中体现豫商“崇尚中庸、低调内敛”的儒家风范，体现豫商“留余”的独特个性。
研究论文：艺术理论论文36370 浅谈艺术创造与创造性思维
艺术理论论文浅谈艺术创造与创造性思维莎士比亚讲：“一个放弃时间的人，他将会被时间放弃”。
我们如何在时间中创造出更多伟大的艺术作品给人类的历史留下宝贵的物质和精神财富？这不仅仅需要一个人的天赋和勤奋，还需要有创造性的思维和不断地学习。
我们如何去发现艺术、走进艺术、创造艺术？这些不仅是艺术家需要思考的问题，而且也是每一个热爱生活，热爱艺术的人应该思考的问题。
培根在《学术的进展》和《谈读书》中强调了学习知识与艺术创造的重要性。
知识的学习是一个积累的过程，我们宁可学了没用，也不要等需要用的时候才发现什么都没有学到。
千里之行始于足下，勤能补拙。
我们要学会把学习的东西消化了，变成属于自己的东西。
一定要有属于自己的发明创造。
真价值，就是创造价值。
艺术与创造就是针对目标求解的活动。
一、艺术创造与学习艺术的真谛存在于一切艺术的现象中。
一切伟大的艺术来自于伟大的艺术创造。
牛顿曾经说过我并没有什么伟大，我只是站在了巨人的肩膀上。
那些伟大的发明家、艺术家、哲学家他们首先都是伟大的思想者。
苏格拉底讲：“一个没有经过思考的人生是不值得一过的”。
我们在成长的道路上，应该学习一切有益于我们成长的知识，集百家之所长，东西结合，融会贯通。
著名的音乐家谭盾先生讲：“东方音乐加西方音乐等于一就对了”。
谭盾这里所说的“一”和老子所讲的“一”是一回事，是与天地大道而冥合的。
老子讲：“道生一，一生二，二生三，三生万物，万物负阴以抱阳，充气而为和。
”这里的“一”也就是“道。
”只有得“道”了，方可从更深层次理解和创造艺术作品。
“艺术创造就是创造个性。
”优秀的老师教出来的学生一定比自己更优秀。
达芬奇学画的时候，将他老师的一幅作品进行了自己的二度创作。
他的老师看了以后对他讲，我已经教不了你了。
直到后来达芬奇有了自己的学生，他常常对学生们讲：“超不过自己老师的人，就是一个愚蠢的学生”。
可见达芬奇是极力鼓励学生创新的。
一个艺术家必须要勤奋。
有句话讲得好：“业精于勤，荒于嬉”。
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谈二胡演奏艺术中对情感美的追求二胡被国人称为中国的“弦乐之王”，外国人称它为“中国的小提琴”。
一首二胡曲通过演奏者二度创作，用各种特定技法展现其曲调旋律，以优美的声音艺术和准确的艺术表达去调动情感来打动听观众，在奏者与听者之间架起桥梁。
那么什么是演奏艺术中的“情感美”?演奏者又如何将“情感美”融入到二胡艺术之中?早在两千多年以前，我国古代《乐记》中就己经提出“凡音之起，由人心生也”，它告诉人们音乐是以各种不同的声音表达出哀心、乐心、喜心、怒心、敬心、爱心等六种不同的心情。
哲学家黑格尔在他的《美学》中反复强调音乐的内容是通过人的情感认识来表现的，认为只有“情”才是音乐要占为己有的领域。
二胡名家闵惠芬一直以来探索与实践的器乐演奏声腔化，通过对戏曲、曲艺、琴歌和民歌等传统声乐艺术的美的挖掘，将二胡演奏中的“情感美”上升到了一个新的高度，并由此进一步提高了二胡音乐的表现力和感染力，为二胡演奏拓展了新的领域。
这些都是秉承传统、汲取民间、演绎当代二胡艺术的成功典范。
一、当代人们对情感美的理解当代人们对于音乐的审美，亦是对于音乐情感美的理解与追求，呈现不断上升的趋势。
如今人们欣赏音乐，不只停留在认识一件乐器，熟悉一首乐曲，愉悦一下身心就满足了，人们所向往精神层面的东西更多了，实际上这种人们对于精神层面的需求，就是对音乐艺术之美的欣赏。
演奏家或歌唱家在塑造艺术形象时，在各自一定文化素养的支撑之下，通过自己的理解对乐曲进行改编、创造，融入自己的情感和技法,赋予音乐形象以较强的艺术感染力和丰富的思想内涵，使听观众能展开想象的翅膀，得到一种美感的预示和享受。
那么在演奏器乐作品，尤其是在演奏二胡音乐作品时,究竟怎样将其上升到一个完美的境界呢?当代的二胡大师们认为：音乐的情感美就在于乐曲中所表达的艺术家内心深处最纯真、也最具有艺术感染力的感情，它主要表达艺术作品中的“情”字，是音乐创作和音乐表演的灵魂。
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艺术理论相关的论文论黑格尔的艺术解体论不等于艺术消亡近现代以来，艺术以新颖的方式、多元的面貌呈现出来，人们开始质疑什么才是真正的艺术并讨论艺术是否死亡了。
在这个大背景下艺术是否已经消亡成为人们关注的焦点。
而历史上提出艺术终结第一人既不是艺术家门也非艺术理论家，而是终身从事哲学研究的德国古典哲学巨匠黑格尔[1]。
黑格尔的艺术解体论是指艺术在经历象征型、古典型、浪漫型三个艺术发展阶段后走向了解体，让位于宗教与哲学。
艺术走向解体是否意味着艺术的消亡，在黑格尔的逻辑体系中艺术是否真的的消亡，这个问题的研究对后来的艺术终结论和艺术界现状都具有重要的意义。
下面笔者将谈谈自己的认识。
一、德文anfheben一词的真正含义黑格尔的艺术解体论曾被误读为艺术死亡论。
1980年发表的《黑格尔哲学中的艺术与逻辑》一书中艺术解体论被突出地描述成艺术的死亡。
这种对黑格尔的理解主要基于代英国学者 F.P.B.奥斯梅森将黑格尔美学中一些关键术语译成英文时出现的误译[2]。
基于上述情况，笔者认为应当从原著的德文入手才能精确了解黑格尔的原意。
当黑格尔在谈起浪漫艺术艺术解体时使用的是anfheben一词。
这个词本身除了有消除、去除、废除的意思外还有收集、积聚、和保留的意思。
当译者把此词完全理解为消亡的意思时就使得艺术的解体变成了艺术的消亡，偏离了黑格尔的原意。
anfheben一词是消除与保留两个相反意义的组合。
在《哲学大辞典》中anfheben一词被翻译为扬弃，包含抛弃、保留、发扬和提高的意思。
扬弃一方面是舍弃和丢弃，一方面又是保留与升华，这正是黑格尔辩证哲学的精髓所在。
在黑格尔哲学中，明确把扬弃作为同时具有否定与肯定的双重含义概念加以使用。
他指出：扬弃在语言中，有双重意义，它既意谓保存、保持，又意谓停止、终结。
(《逻辑学》)这种双重意义互相联结就是既被克服又被保留，常用来阐明一概念向另一概念的过渡[3]。
当艺术进展到宗教、哲学领域中时艺术的解体过程在黑格尔看来并不是艺术的完全被废除而是在消解中有所保留，是有去除也有保留、升华的过程。
艺术理论的论文锦集
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民间艺术色彩对现代平面设计的启示在民间的色彩语言中，种族的、地域的区别也有时影响到色彩的象征意义。
从本质上看，除非极特殊的环境所造成的特殊心态，一般都带有人类色感的共性。
色彩完全按照民间艺人们的审美趣味和理想，在不违背传统的既定的色彩观念的情况下，进行主观唯我的创造;通过主观的选择和使用，做出符合自己的审美标准的创造和阐释。
也就是说，老百姓常常是依自己的切身利益和功利愿望去理解和使用色彩。
“色彩是一种喻意和心理暗示，是用色彩与形式的形象满足大吉大利，祈福纳祥，发财平安的心理。
”所以就色彩象征而言，在民间艺术中形成了约定成俗的指代作用，具有很强的象征性。
而色彩在现代平面设计中极具视觉冲击力，同时又极易引起人的情感反应。
我们不难发现在在我国节庆日时的户外招贴广告的色彩，产品的包装、宣传册、影视广告等等中，红黄等纯度较高的色调被广泛应用，体现出人们一种欢快的心理感觉，同时也传递出人们对未来的一种美好祝愿。
比如从民间艺术杨家埠木版年画设色的整体观念和特征来看，对传统的色彩观念有依有背，既遵循了传统色彩的象征、比附意义和内涵，具有深沉的文化底蕴，同时又重视色彩的视觉审美效果，呈现出斑斓多彩的热闹景象。
例如年画门神。
就是大面积的运用中国传统的色彩，红、黄。
门神根据双扇门的需要而多为对称式样，有武将、天官、美人、童子等各种内容。
也许那些虚幻的天神离人间世俗远了一些的缘故，后来人们创造了以鬼除鬼的钟馗。
最终人们还是意识到的人自身的力量，于是又创造了现实的人物――唐代名将秦琼和尉迟敬德为门神的形象。
而在历史的积淀进程中红、黄两色在人民心中形成了一种根深蒂固的意识认为红象征喜庆、幸福、热烈、正直;而黄色象征帝王、崇高、高贵等。
因此人物形象的脸采用的是大面积的红，代表正直英勇，而黄是皇家用色，代表一种至高无上的权利，夺目明亮的黄象征高贵而不可侵犯。
与艺术理论相关的论文
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浅谈电视节目画面编辑的艺术性一、电视编辑的概念及内涵在我国的电视业中，电视编辑是一个内涵比较广泛的概念。
一是指对电视画面剪辑这一环节的工作及工作者。
而在电视业中，由于画面的组接，是利用电子编辑器来控制进行，将素材带上的某一段画面编录到编辑带上去，实际已无“剪”的行为，所以，将电视业中相当于电影业中剪辑的工作及工作者，称为“编辑”。
此外，在电视业中，“编辑”这一概念最普遍的含义又另有所指。
如，专题片中，担任文字脚本的撰稿人常常还担负与摄像师配合，在拍摄现场为实现创作意图进行一定组织工作，常常也称为编辑。
在新闻部中，有的编辑既担负了画面剪辑的工作，又担负了配写解说词的使命。
有的编辑，则除上述工作外，还要组织采访规划、指导记者进行采访等。
而有的编辑，确实又专门操作编辑机，在编辑记者或艺术片导演指导下，从事画面组接的工作。
电影和电视的实践证明，在电视画面组接的这一工作环节，实际上除了具体执行剪辑的剪辑师以外，常常总是包含着编辑、导演的劳动，包含着编辑、导演直接指示的通过画面组接的特殊技巧来体现的艺术构思，包含着画面组接的电视艺术因素。
因此笔者在这里所论及的“编辑”，主要针对电视画面组接这一整个创作工作环节。
它不仅是剪辑师，也是编辑、导演在把握电视片的整体创作时，都应给予相当重视。
二、电视编辑的意义电视编辑的意义，可以说同电影剪辑的意义在根本上是相同的。
无论是电视片还是电影片创作，都离不开剪辑。
这首先是因为技术手段的局限，不可能一气拍完一部电视片或电影片，极短的新闻片除外。
第二是因为艺术的要求。
“电影是省略法的艺术”[1]，电视同样如此。
无数个镜头的电视素材，只有经过剪辑，才能将最合适的画面段落，按照最理想的方式组合起来。
电视和电影艺术发展的历史早已告诉我们，在画面与画面的组接关系中，蕴含着极有生命力的艺术因素。
研究论文：艺术理论论文36371 探析《乌苏里船歌》的艺术处理
艺术理论论文探析《乌苏里船歌》的艺术处理一、歌曲的介绍《乌苏里船歌》是以东北赫哲族民歌为素材创作的歌曲。
郭颂、胡小才词，汪云才、郭颂曲。
歌曲曲式为带再现的三段体，6/8、2/4混合节拍，宫调式。
歌曲表现了赫哲族人民愉快劳动的情景。
第一乐段，6/8节拍，但实际演唱时，节奏比较自由，歌词完全是“啊郎――赫尼那”的衬词，表现了乌苏里江清晨的宁静。
第二乐段，由一段简短间奏引进，使旋律从自由的节拍进到节奏感较强的2/4节拍，像是一位摄影师将镜头从烟波浩淼的江面移到一只跌宕摇曳的小舟，舟上赫哲族渔民摇着船桨，引吭高歌。
表现了赫哲族人民对家乡山水的热爱，对幸福生活的赞美，对未来的无限憧憬。
第三乐段是第一乐段的再现，表现了满载欢乐的渔船渐渐远去，直到消逝在遥远的天边。
全曲犹如一幅色彩鲜艳的图画，描绘了赫哲族人民的新生活。
该曲曾由作曲家瞿希贤改为合唱，更增加了作品的诗情画意。
二、《乌苏里船歌》演唱技巧的分析（一）声乐技巧的演唱《乌苏里船歌》的特点从音乐的结构上来看，啊哈索呢啦……以船工号子为基础改编的，在演唱的时候，并不能以简单的号子表现手法表现就够了的，在这一声啊哈索呢啦……的声音中，还是舒张开情感的一个过程，也就是说，在短短的一句中，要让感情随着歌声飞扬出去，随后是一个假声音，这个假声很特别，既有模拟声音由近而远传出去后形成的回荡，还有一个“压”的意思。
“压”与“扬”是音乐处理的一个常用技巧，通常情况下，前边压，后边扬，也就是说先把感情压下来，随着音乐旋律的延续，压不住的时候，就一下子扬了出去，感情迸发的瞬间，就是扬。
所以笔者认为这个第一声哈索呢啦……要富有变化，由小到大，在转而压下，而歌唱者亮嗓子的时候应该是在啊哈索尼啦……这一句中的“哈”和“索”字上。
尤其是“索”字，既要用丹田之气顶住来，还要控制住气息的大小和力度所以这一句其实难度相当大，“啊”要引入，起，“哈”要承，继承乐想，“索”要点亮声音的亮点，强化力度和泛音，然后迅速朝下压出“尼啦……”让声音传出去，而且要有穿透力，为后一句做好铺垫。
艺术理论论文的范文
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工业设计中艺术与技术,科学与美学之间的关系工业产品设计必定是贴近人类生活的，从写字用的笔到路上开的汽车都留下了它的影子。
如果说科学技术像一个马车推动着人类文明的进步，则艺术，美学便是马车上绚丽夺目的纱帐。
也许在人类社会的早期人们就有了技术与艺术相统一的理念。
如在西方古希腊神话中，众神之一的?斯就是掌管科学与艺术之神。
而在庄子《天下篇》中也提出“判天地之美，析万物之理”的观点，它分析并判定美与析理是一件事情的两个方面。
那么什么是艺术和技术呢?艺术是“用形象来反映现实，但比现实具有典型性的社会意识。
”而技术是“人类在认识自然和利用自然的过程中积累起来并在生产劳动中体现出来的经验和知识。
”从这里给的定义，我们看出艺术是一种意识形态，是一种现象。
而技术则是一种方法、过程。
这两者不存在本质的矛盾，在某种意义上说他们甚至是统一的共生体，很难想象一个没有技术作为支点的工业产品会是什么样的空洞，而一件没有艺术作为情感镶嵌的技术性设计产品又怎么能让人们使用的舒适。
以福特汽车的发展为例，亨利?福特于1908年设计并制造了第一辆T型车(图一)。
而亨利?福特的公司在1927年末到1931年间，共设计改良了450多万辆不同车身造型和不同颜色的A型车(图二)。
很明显地看出，福特的A型车无论是造型还是性能都远超T型车，也更讨好消费者，这是一种明显的技术与艺术的双重进步。
在汽车轮子技术还未发明之前，笨重的物件需要原木或滑板作为物与地面的基础介质来移动而轮胎的出现使得物体的灵活性、轻便性及其驾驭性得到了大踏步的发展。
“蒸汽、电力、内燃机的发明可为交通工具从古代到现代排定出优劣次序。
” 交通工具的进步，显示了技术的巨大作用，由此可见技术给造物设计带来的进步是不可否认的，但艺术的发展也给了技术十足的动力。
自从福特设计并制造出T型号车后因为其技术无可替代的革命性而取得当时市场成功。
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俄罗斯后现代主义文学艺术特征浅析一、俄罗斯后现代主义文学的发展历程20世纪50年代以来，苏俄文学受政治气候变化影响，多有波折。
在这发展过程中，一些作家继续发扬俄罗斯文学传统。
而另一些作家开始重新审视作为创作方法的社会主义现实主义、以新的视角、观点理解人、社会和大自然的关系、重新评价俄罗斯历史和文化价值。
还有些作家有意识地借鉴吸收西方后现代主义理论，开始使用后现代主义美学原则和艺术手法进行创作，以至形成了具有本民族特征的俄罗斯后现代主义文学。
俄罗斯后现代主义文学的发展分为三个阶段：形成时期、确立时期和“合法化”时期。
第一阶段即为形成时期。
此时俄罗斯后现代主义文学还处于“地下写作”状态。
代表作品有：安德烈?比托夫的《普希金之家》和韦涅季克特?叶罗菲耶夫的《从莫斯科到佩图什基》等等。
这个时期，作家运用新的语言手段，重新构思人物形象，借助讽刺模拟的手法，解构苏联单一呆板的意识形态和文化。
第二阶段为俄罗斯后现代主义文学的确立时期。
这个时期后现代主义作家不断涌现，表现出通俗化特征。
与此同时，后现代主义文学流派丰富多样，如：莫斯科的概念派、列宁格勒的“米契基”小组、元隐喻诗派、精神分析派等等。
这个时期还形成各具特色的分支：抒情后现代主义和精神分裂症分析的后现代主义。
这个时期主要作品有弗?索罗金的《玛利娜的第三十次爱情》、维克托?叶罗费耶夫《与痴呆者一起的生活》等等。
第三个阶段为俄罗斯后现代主义文学的“合法化”时期，也是俄罗斯后现代主义文学的繁荣时期。
这个时期后现代主义文学成为俄罗斯文学生活中的“公开、合法”的文学现象。
其间著名的作品有：弗拉基米尔?索罗金的《排队》、马尔克?哈里托诺夫的《命运线，或米拉舍维奇的小箱子》等等。
二、俄罗斯后现代主义文学艺术特征总观三个时期的俄罗斯后现代主义文学，我们发现俄罗斯后现代主义文学逐渐形成了以下几个主要特征：一俄罗斯后现代主义文学解构和颠覆的主要对象是以所谓的社会主义现实主义为代表的、僵硬的苏联官方教条主义文化。
后现代主义作家在创作方法上完全摒弃了所谓的社会主义现实主义创作原则，“矫枉过正”地提倡“为艺术而艺术”，主张为文学“减负”，即去掉文学过多承载的行政任务、教育任务、宣传任务，同时大胆对俄罗斯经典作家作品进行解构和重构，打破固定的思维模式和认知方式，从而实现去经典化和去神圣化。
二俄罗斯后现代主义文学大量引用文本。
其目的是打破权威和经典，或者重新诠释经典和神圣。
互文现象频繁地出现在俄罗斯后现代主义文学作品中，已经成为俄罗斯文学的一种结构要素。
作家引用的文本包括世界经典作品的语句、苏联时期作品中的情节或人物甚至民间用语，然后对其进行第二次编码;在艺术手法上运用暗示、隐喻、寓意、联想、巧合、列举、粘贴、跳跃和化人等手段，创造出一个特殊的“文化语义场”。
三杂糅化语言。
上面所列举的一系列引文来源在风格语体上已经大相径庭，再加上文学批评、哲学、文化学等学科的用语，使作家们能够在多样化的写作中自由发挥、淋漓尽致地表达自己的思想。
这样一来，就使得有些作品既像文论又像小说，成为一种风格杂糅的、自由的、近似于散文随笔和学术论著的体裁。
四作者面具的使用。
俄罗斯后现代主义作家们刻意打破作者、人物、叙述者之间的界限。
他们通常赋予作品主人公以作家自己的真实姓名，并让其独立出现在作品中。
这与传统的叙述者不同，传统的叙述者通常是作家思想的化身，代表作家的观点和看法。
后现代主义文学在西方已经走过了它最为盛行的时期。
应该看到，后现代主义毕竟是文学历史长河中的一段，任何文学流派的生存权都取决于它自身能否对当下社会生活有其独特的话语阐释方式。
当代俄罗斯后现代主义文学以其独特的消解性话语方式出色地解构了过去的伪崇高，颠覆了过去一元化的话语霸权。
但俄罗斯人的民族审美习性是不会真正认同单纯的颠覆性话语的。
今天，历来有着深度感的俄罗斯人愈来愈期望俄罗斯当代文学能有一种重构人文精神的魄力，这将是摆在当代俄罗斯后现代主义作家们面前的又一个机遇与挑战。
中国民间剪纸艺术在现代设计中的传承与发展剪纸，又称刻纸，窗花或剪画。
其载体可以是纸张、金银箔、树皮、树叶、布、皮、革等片状材料。
剪纸是中国最为流行的民间艺术之一，剪纸艺术也是中国民间艺术中的一朵奇葩，它吸收了绘画和雕刻的艺术特质，创作出自己独特的风格。
中国民间剪纸是为了生活信仰的艺术，它的本质自然、朴素、毫不矫揉造作。
它的用材简单，表现手法单纯，它能在一张纸的方寸之间表现那么多变化多端又具有深厚文化内涵的造型纹样。
早在汉、唐时代，民间妇女即有用金银箔和彩帛剪成方胜、花鸟贴在鬓角为饰的风尚。
后来逐步发展，在节日中，用色纸剪成各种花草、动物或故事人物，贴在窗户上叫“窗花”、门楣上叫“门签”作为装饰，也有作为礼品装饰或刺绣花样之用的。
关于剪纸手工艺术的历史，即真正意义上的剪纸，应该从纸的出现开始。
汉代纸的发明促使了剪纸的出现、发展与普及。
南宋的周密所著《志雅堂诗杂钞》中写有：“旧都天衔，有剪诸色花样者，极精妙。
又中原有余承志者，每剪诸家书字，毕专门。
其后有少年能于衣袖中剪字及花朵之类，极精工。
”即是“开封”府，“剪花样”指的自然是“剪纸”。
唐代剪纸已处于大盛时期，民间出现了利用剪纸形式制作的漏版印花板，人们用厚纸雕刻成花版，将染料漏印到布匹上，形成美丽的图案。
明、清时期剪纸手工艺术走向成熟，并达到鼎盛时期。
民间剪纸手工艺术的运用范围更为广泛，举凡民间灯彩上的花饰，扇面上的纹饰，以及刺绣的花样等等，无一不是利用剪纸作为装饰成再加工的。
而在现代设计中，传统的剪纸艺术又以它的艺术性，实用性和普及性被广大的设计师和消费者所喜爱，被应用于各类的现代设计之中。
中国民间剪纸手工艺术，犹如一株常春藤，古老而长青，成为了符合民众心理需要的象征意义。
因此，2021年5月20日，剪纸艺术遗产经国务院批准列入《第一批国家级非物质文化遗产名录》。
2021年9月30日，中国剪纸经联合国教科文组织保护非物质文化遗产政府间委员会的审批列入第四批《人类非物质文化遗产代表作名录》。
一、剪纸的美学价值中国民间剪纸艺术是人类文明与智慧高度凝聚的结晶。
且它自身具有可变化的形式美规律，在不同生活场合的重复使用，以及不同地域不同的人对物象与形的不同表现，为它提供了无限表现的可能性。
传统的具有一定寓意的剪纸物象经过长久的使用与摹制，其造型已经成为经过无数次加工提炼的固定的形，堪称美之精灵，凝聚了无数代人对美的追求，这些约定俗成的文化象征符号具有鲜明的地域特点、具有鲜明的个人风格，致美无华。
二、剪纸艺术在现代设计中的再应用现实生活中从中国民间剪纸艺术中寻找设计元素，从不同的角度进行观察和分析，进行有意味的、有形式美感的造型创造，可以将无形的抽象的某种理念和心理状态转化为一种具体形象，引发出抽象意念延伸和连接。
剪纸艺术，不管艺术风格如何，其传达方式最显著的特点都是平面结构，也就是以纯粹的平面点、线、面的方式，构成形形色色的艺术作品，是完全意义上的二维空间艺术。
剪纸艺术的传达方式，主要依据形象在内容上的联系，大量使用组合的手法，在造型上合理地夸张变形，从而表现出图案形式的艺术美感。
剪纸艺术经过两千多年的继承、发展、流变，其传达方式已经非常丰富，其中对称、平衡、重复、发射是剪纸图案形式中最常用的方式，在这些方式中都不同程度地包含了平面构成的要素。
一剪纸在平面构成中的应用民间剪纸的特色就是平面的艺术，在造型上始终追求平面性。
剪纸也是重复的艺术，不但可以复制，而且经过多种方法的折叠，会出现团花、二方连续等重复纹样。
而且，经常在二维的空间中表现外在无序内在有情的三维空间。
中国的民间剪纸在现代平面设计中的运用，正由于它的独立文化内涵有异于其他的现代设计。
重复具有很强的形式美感，在平面构成中是一种很重要的传达方式，被称为重复构成。
连续剪纸艺术实际上是重复方式的运用。
连续剪纸也是以一个基本形为单元，按照一定的秩序重复排列。
在排列时，根据实际需要，方向、位置可以变化。
这与现代平面构成的重复方式的基本构成规则是一致的。
剪纸的连续传达方式可分为二方连续与四方连续两种形式。
二方连续是指由左右或上下两方，用一个单位纹样连接起来，可以无限延伸。
一般采用的方式是一个或者两个以上带有连续性的单位纹样向左右或向上下作有条理的重复排列，向左的是横式连续，向下反复排列的是纵式连续。
四方连续是指由一个基本单位纹样，向上下左右四方循环连续而成，它包括重复等构成形式。
重复方式的构图，在创意上强调来源于生活，内容贴近生活，因此给人以亲切感;在表现方式上强调和谐统一，因此富有整体美感。
通过对称、均衡、重复、发射几种传达方式的分析，我们再次深刻地认识到，中国民间剪纸作为母体艺术，是取之不尽，用之不竭的艺术本源。
二剪纸在服装设计中的应用从古至今，剪纸造型蕴涵的独特艺术魅力对服装产生了深远的影响，剪纸艺术以其浓烈的地域风情和深刻的情感内涵得到中外服装设计大师们的青睐，剪纸艺术在现代服装设计中的具体运用方法及给服装行业带来的无限发展空间。
剪纸艺术在现代服装设计中的运用表现剪纸艺术自古以来就不断被人们广泛运用到了服饰中。
在服装设计这个领域，剪纸艺术图案众多、各具特色，从古朴别致的素雅，到极致妖娆与奢华，都可以表现得淋漓尽致。
图案纹样的运用剪纸图案受到各个历史时期人文及技术等条件的规范与制约，其图案的形象虽已脱离自然形态的装饰形态,但总体而言比较具象复杂。
图案纹样以当地民俗信仰、岁时节令、人生礼仪、神话传说等为表现内容，花样繁多，具有很深的民俗文化内涵。
设计师则将剪纸元素运用到礼服上，华丽的面料与精致细腻的剪纸工艺相合，蕴含东方韵味的同时达到一种极致奢华的效果。
三剪纸在包装设计中的应用包装设计是对商品的包装进行的独创性的全面策划。
它应根据产品的属性、类型、特征采用不同的材料、表现形式，创造性地设计出不同消费水平、消费群体的具有实用性和审美性的包装设计。
随着生活水平的不断提高，人们的消费观念也在潜移默化地改变，由追求功能价值转向审美价值的自我表现和评价认识。
将民间剪纸应用于包装设计可以改变其造型结构，丰富美化其外观形象，加深其内在的文化价值，提升包装设计的附加值。
民间剪纸是镂空技法的效果，在应用到包装设计中，就是依据所要包装产品的特性、功能、特征，选用适当的包装材料进行合理的镂空。
一方面，包装产品的造型得到相应的改观。
同时，配用变形夸张手法创造出具有个性化的商品包装。
另一方面，有目的地透视外包装，看到内产品，其形象具有很强的可识别性，方便消费者对产品的认知，使商品与人的视觉性达成统一，使商品的形象得到明确推广。
三、结束语中国民间剪纸作为民间美术的主体艺术，从传统到现代剪纸形式的演化过程表明，现当代的剪纸传承与发展因该是让生活和人性的真实激励我们去创意，让中国的剪纸走向世界，让世界通过剪纸来认识中国，中国剪纸应当成为当代设计灵感的源泉，在我们的不断继承与发展中，使传统的民间剪纸从古典式生活的文化样式中走出来，在当下的文化中建立新的美学含义，创造出现代设计与传统文化相结合的新形象，展现出中国设计独有的魅力。