浅谈歌唱艺术的表现
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顿挫运用一般是在于字句中的逻辑重音上或句段中主要的词语，目的是使主要的部分突出，主次分明。“如喜悦之处，一顿挫而和乐出；伤感之处，一顿挫而悲恨出。”这样演唱起来有声有色，但也必须顿挫得当，才能起到应有的效果。
还有“缓急顿挫”。这是指唱词断与联的关系，一般是一句断，该断就断，该联就联。可是有些地方由于要突出表现也就打破这个框框，本来可以断的地方不断，不该断的地方又断了，这必须是有目的的运用，通过这“缓急顿挫”使人物意境刻划得更深刻和细微，加强感情的抒发。如果不是根据需要和合乎语言感情的逻辑，就会造成词句的混乱。
b.顿挫
顿挫的运用是使曲目表达得更加深刻，人物形象和感情更加突出而取得良好的效果。
顿挫的运用不仅是丰富的内容表现，在技术上它也是解决气息不足的好办法。传统声乐论述中提到“况一人之声，连唱数字虽气足者，也不能接续，顿挫之时，正唱者因从歇气取气，亦于唱曲之声，大有补益。”这也是运用顿挫的妙处。
传统声乐说：“唱曲之妙，全在顿挫，必一唱而形神毕出，隔垣听之，其人之装来形容，颜色气象，及举止瞻顾，宛咄如见，方是曲尽境。”说明顿挫丰富了曲的内容，使曲唱活，使它更加形象化。
浅谈歌唱艺术的表现
歌唱的目的是利用熟练的发声技巧，生动地表达歌曲作品的思想内容，以优美的歌声去感染听众，有些演唱者凭主观想象和融合自己的感情去唱就满足了。其实这种感情不一定与歌曲情感相吻合，甚至有时是背道而驰。所以必须是客观地分析、研究，把主题思想弄清，这样利用自己所掌握的技巧去体现它，在使用音色及其它手法上就有了目的性。否则，滥用技巧就会是一种搬弄“噱头”。
我们可以仔细观察，在舞台演唱的歌者，确有“口唱心不唱”之辈，是不是他们愿意Hale Waihona Puke Baidu样?我认为不是。他们都想很好地表现歌曲内容，只是对这个专业的了解不足，又没有比较懂行的老师引导之故。
艺术表现如果光凭声音技艺是不可能给人们留下深刻印象的，而只有正确的理解歌词内容，分析它主要表现的是什么，处理它要合乎逻辑，分析主题是个关键，歌唱是再创作的过程，把停留在字面的歌词和音乐旋律，利用已掌握的方法和技巧，把死音变活曲。
传统声乐中提出：“通首之调，皆此字领之；通首之势，皆此字蓄之；通首之神，皆此字贯之；通首之喉，皆此字开之。”
它指出第一个字的重要，因为它包含着全曲的精神。
比较成熟的演唱者，当伴奏开始时已进入了创作意境，一开口便把该曲的情绪带进来，这样使听者不感到突然而觉得很自然，这不但能引人入胜，而且增强了演唱者的信心，使他能发挥得淋漓尽致，达到高度的艺术境界。传统声乐中又说：“此字一梗，则全曲皆梗；此字一和，则全曲自和。故此一字者，造端在此，关键在此。”这说明起调第一字的重要性。因此唱时必须有良好的开始，这就是根据内容确定，用什么样的感情，度和强弱，将字头有把握有意识地唱出来，特别在开始练时要加以注意，把它养成习惯，古代歌者认为，这“如治丝者，引起端而后能竟其绪，此一字乃端也，未有失其端而绪有紊者。”
某些情况下在玩弄与内容无关的声乐技巧，这会使人感到肉麻，对初学者来说应当提高这方面的认识。声乐艺术不光是声音和掌握声音技巧问题，如果不能利用所掌握的声音技巧去正确地表现歌曲的思想感情，有目的地使用，否则这种技巧是一文不值的。在初学者接触练声的过程，就要有意识地引导入正道，注意一开始练声就应孕育着感情的种子，使声音健康地成长，为“声情并茂”打下基础。
顿挫是根据词曲的需要，认为在这地方运用顿挫能起到丰富内容的作用时，有时就会使节拍有所伸缩，就会出现节奏自由的现象。但曲调的旋律听起来不但没有感到不合拍，而且觉得更加有味。
在西洋歌曲中，在表情术语上用RUBATO，这是根据情感需要而节奏是比较自由，这点上有点相似，但这仅在旋律上的一个音而一小句段没有像传统声乐那么细嫩。
艺术表现需要经过一定的安排和构思，正像画家笔下的色调，根据分析后着手运用技巧，在围绕突出主题的前提下，可用各种不同的手法，根据每个人的特点去发挥，正如“攀山千条路，同仰一月高”，目的只有一个，但表现方法是各有不同的。
1.选择合适的声音类型经过一段时间声音训练，对自己所属声部及擅长是会有一定了解。因此，在选择歌曲时是应考虑的，因为这样唱起来更容易发挥作用，总之，要尽量发挥自己的特长，而掩己短。另一方面是分析所唱的曲调，找出适应它的类型。因为不同歌曲，由于旋律结构是民歌旋律或戏曲旋律，还是翻译歌曲或是一般进行曲……等，这里就提供了多种类型的声音。过去，有些人学了西欧的唱法，把所有的歌曲都运用单一的唱法，因此感到乏味。我们可以想象得出，唱现代进行曲，如果用京剧唱法或用唱陕北《信天游》之类的声型，它的效果必然不好，因为不对味的缘故。
有关声乐的论著中对感情表现是很重视的，如《乐府传声》中说：“唱者之法，不但声之宜讲，而得曲之情尤重。”“唱者不得其情，则邪正不分，悲喜之别，即声音绝妙，而与曲调相背，不但不能动人，反令听者索然无味矣。”前人总结了这些经验，没有感染力的歌唱，即使有很好的声音，也会使人感到只是在卖弄声音而已。的确，我们也听到过有些很有技巧的演唱者，在演唱中感到是“口唱心不唱”，是在“叫曲”而不是“唱曲”。
3.运用传统声乐的表现手法。
这是唱好中国歌曲的关键，演唱外国作品也可以借鉴。
a.起调
由于开始没有准备好而影响了全曲的完整，不管是唱哪种歌曲，在艺术要求上都是有共同之处的。
一首歌曲开始至终是一个完整的结构，是贯穿着该曲的基本情感，一开口唱，第一个字已包含在全曲之中，而不是单独分割的，因此起调时第一个字是很重要的。
所以在歌唱之前得思考，唱什么歌用什么声型，才能更好地表达它的情趣，这也就使演唱者在练声过程中不能完全局限在一种唱法(当然只唱类型的歌者例外)。
2.内容的具体布局
要使歌曲表现深刻，必须自始至终贯穿着主题思想。先从整首歌的气氛着手，通过朗诵把每段歌词中的逻辑的重音点出，根据感情需要而决定演唱气势，做出强弱、快慢的处理，使演唱有层次而引向高潮。在布局过程中是需要反复推敲，甚至每个句段或主要腔调和字上，利用技巧去表现，使在演唱过程中感情不会出现间断或空白，甚至单从旋律的进行上也能体现出与歌曲内容相称的气氛。
还有“缓急顿挫”。这是指唱词断与联的关系，一般是一句断，该断就断，该联就联。可是有些地方由于要突出表现也就打破这个框框，本来可以断的地方不断，不该断的地方又断了，这必须是有目的的运用，通过这“缓急顿挫”使人物意境刻划得更深刻和细微，加强感情的抒发。如果不是根据需要和合乎语言感情的逻辑，就会造成词句的混乱。
b.顿挫
顿挫的运用是使曲目表达得更加深刻，人物形象和感情更加突出而取得良好的效果。
顿挫的运用不仅是丰富的内容表现，在技术上它也是解决气息不足的好办法。传统声乐论述中提到“况一人之声，连唱数字虽气足者，也不能接续，顿挫之时，正唱者因从歇气取气，亦于唱曲之声，大有补益。”这也是运用顿挫的妙处。
传统声乐说：“唱曲之妙，全在顿挫，必一唱而形神毕出，隔垣听之，其人之装来形容，颜色气象，及举止瞻顾，宛咄如见，方是曲尽境。”说明顿挫丰富了曲的内容，使曲唱活，使它更加形象化。
浅谈歌唱艺术的表现
歌唱的目的是利用熟练的发声技巧，生动地表达歌曲作品的思想内容，以优美的歌声去感染听众，有些演唱者凭主观想象和融合自己的感情去唱就满足了。其实这种感情不一定与歌曲情感相吻合，甚至有时是背道而驰。所以必须是客观地分析、研究，把主题思想弄清，这样利用自己所掌握的技巧去体现它，在使用音色及其它手法上就有了目的性。否则，滥用技巧就会是一种搬弄“噱头”。
我们可以仔细观察，在舞台演唱的歌者，确有“口唱心不唱”之辈，是不是他们愿意Hale Waihona Puke Baidu样?我认为不是。他们都想很好地表现歌曲内容，只是对这个专业的了解不足，又没有比较懂行的老师引导之故。
艺术表现如果光凭声音技艺是不可能给人们留下深刻印象的，而只有正确的理解歌词内容，分析它主要表现的是什么，处理它要合乎逻辑，分析主题是个关键，歌唱是再创作的过程，把停留在字面的歌词和音乐旋律，利用已掌握的方法和技巧，把死音变活曲。
传统声乐中提出：“通首之调，皆此字领之；通首之势，皆此字蓄之；通首之神，皆此字贯之；通首之喉，皆此字开之。”
它指出第一个字的重要，因为它包含着全曲的精神。
比较成熟的演唱者，当伴奏开始时已进入了创作意境，一开口便把该曲的情绪带进来，这样使听者不感到突然而觉得很自然，这不但能引人入胜，而且增强了演唱者的信心，使他能发挥得淋漓尽致，达到高度的艺术境界。传统声乐中又说：“此字一梗，则全曲皆梗；此字一和，则全曲自和。故此一字者，造端在此，关键在此。”这说明起调第一字的重要性。因此唱时必须有良好的开始，这就是根据内容确定，用什么样的感情，度和强弱，将字头有把握有意识地唱出来，特别在开始练时要加以注意，把它养成习惯，古代歌者认为，这“如治丝者，引起端而后能竟其绪，此一字乃端也，未有失其端而绪有紊者。”
某些情况下在玩弄与内容无关的声乐技巧，这会使人感到肉麻，对初学者来说应当提高这方面的认识。声乐艺术不光是声音和掌握声音技巧问题，如果不能利用所掌握的声音技巧去正确地表现歌曲的思想感情，有目的地使用，否则这种技巧是一文不值的。在初学者接触练声的过程，就要有意识地引导入正道，注意一开始练声就应孕育着感情的种子，使声音健康地成长，为“声情并茂”打下基础。
顿挫是根据词曲的需要，认为在这地方运用顿挫能起到丰富内容的作用时，有时就会使节拍有所伸缩，就会出现节奏自由的现象。但曲调的旋律听起来不但没有感到不合拍，而且觉得更加有味。
在西洋歌曲中，在表情术语上用RUBATO，这是根据情感需要而节奏是比较自由，这点上有点相似，但这仅在旋律上的一个音而一小句段没有像传统声乐那么细嫩。
艺术表现需要经过一定的安排和构思，正像画家笔下的色调，根据分析后着手运用技巧，在围绕突出主题的前提下，可用各种不同的手法，根据每个人的特点去发挥，正如“攀山千条路，同仰一月高”，目的只有一个，但表现方法是各有不同的。
1.选择合适的声音类型经过一段时间声音训练，对自己所属声部及擅长是会有一定了解。因此，在选择歌曲时是应考虑的，因为这样唱起来更容易发挥作用，总之，要尽量发挥自己的特长，而掩己短。另一方面是分析所唱的曲调，找出适应它的类型。因为不同歌曲，由于旋律结构是民歌旋律或戏曲旋律，还是翻译歌曲或是一般进行曲……等，这里就提供了多种类型的声音。过去，有些人学了西欧的唱法，把所有的歌曲都运用单一的唱法，因此感到乏味。我们可以想象得出，唱现代进行曲，如果用京剧唱法或用唱陕北《信天游》之类的声型，它的效果必然不好，因为不对味的缘故。
有关声乐的论著中对感情表现是很重视的，如《乐府传声》中说：“唱者之法，不但声之宜讲，而得曲之情尤重。”“唱者不得其情，则邪正不分，悲喜之别，即声音绝妙，而与曲调相背，不但不能动人，反令听者索然无味矣。”前人总结了这些经验，没有感染力的歌唱，即使有很好的声音，也会使人感到只是在卖弄声音而已。的确，我们也听到过有些很有技巧的演唱者，在演唱中感到是“口唱心不唱”，是在“叫曲”而不是“唱曲”。
3.运用传统声乐的表现手法。
这是唱好中国歌曲的关键，演唱外国作品也可以借鉴。
a.起调
由于开始没有准备好而影响了全曲的完整，不管是唱哪种歌曲，在艺术要求上都是有共同之处的。
一首歌曲开始至终是一个完整的结构，是贯穿着该曲的基本情感，一开口唱，第一个字已包含在全曲之中，而不是单独分割的，因此起调时第一个字是很重要的。
所以在歌唱之前得思考，唱什么歌用什么声型，才能更好地表达它的情趣，这也就使演唱者在练声过程中不能完全局限在一种唱法(当然只唱类型的歌者例外)。
2.内容的具体布局
要使歌曲表现深刻，必须自始至终贯穿着主题思想。先从整首歌的气氛着手，通过朗诵把每段歌词中的逻辑的重音点出，根据感情需要而决定演唱气势，做出强弱、快慢的处理，使演唱有层次而引向高潮。在布局过程中是需要反复推敲，甚至每个句段或主要腔调和字上，利用技巧去表现，使在演唱过程中感情不会出现间断或空白，甚至单从旋律的进行上也能体现出与歌曲内容相称的气氛。