镜头与视听语言

镜头与视听语言镜头——所谓镜头，就是从开机到关机，所记录下来的一段影像。

影视动画作品的基本单元。

（镜头——镜头组——场景——整个作品）镜头组成要素：景别、机位（镜头角度）、运镜（镜头运行方式）、角色（道具）动作基础知识:景别：(由于摄影机与被摄体的距离不同，而造成被摄体在电影画面中所呈现出的范围大小的区别。

)根据景距、视角的不同，由远及近，一般分为：极远景：极端遥远的镜头景观，人物小如蚂蚁。

——大环境的宏观认识。

远景（全景）：深远的镜头景观，人物在画面中只占有很小位置。

广义的远景基于景距的不同，又可分为大远景、远景、小远景三个层次。

——又称交代镜头大远景(大全景)：包含整个拍摄主体及周围大环境的画面，通常用来作影视作品的环境介绍，因此被叫做最广的镜头。

大远景通常用于介绍环境，抒发情感。

在拍摄外景时常常使用这样的镜头可以有效的描绘雄伟的峡谷、豪华的庄园、荒野的丛林，也可以描绘现代化的工业区或阴沉的贫民区。

远景（全景）：摄取人物全身或较小场景全貌的影视画面，相当于话剧、歌舞剧场“舞台框”内的景观。

在全景中可以看清人物动作和所处的环境。

展示当前的地点、主体(主角)的行为(发生什么事情)，强调主角与目前环境的关系。

小远景（小全景）：演员“顶天立地”，处于比全景小得多，又保持相对完整的规格。

——不是很常用。

出于构图的考虑，人物在画面中如果全身展示，头上、脚下应留有空间。

因此，小全景通常用于过渡。

中景：俗称“七分像”，指摄取人物小腿（膝盖）以上部分的镜头，或用来拍摄与此相当的场景的镜头，是表演性场面的常用景别。

中景画面为叙事性的景别。

因此中景在影视作品中占的比重较大。

（注意取景，不要截取人物关节部位，构图大忌）利用中景景别可以最有利最兼顾地表现人物之间、人物与周围环境之间的关系。

中景的特点决定了它可以更好地表现人物的身份、动作以及动作的目的。

表现多人时，可以清晰地表现人物之间的相互关系。

半身景：俗称“半身像”，指从腰部到头的景致，也称为“中近景”。

——主要用于对话场面，或展示动作细节。

正是由于它能够兼顾中景的叙事和近景的表现功能，所以在各类电视节目的制作中，这样的景别越来越多地被采用。

近景：指摄取胸部以上的影视画面，有时也用于表现景物的某一局部。

近景着重表现人物的面部表情，传达人物的内心世界。

是刻画人物性格最有力的景别。

近景产生的接近感，往往给观众以较深刻的印象。

近景中的环境退于次要地位，画面构图应尽量简炼，避免杂乱的背景夺视线。

特写：指摄像机在很近距离内摄取对象。

通常以人体肩部以上的头像为取景参照，突出强调人体的某个局部，或相应的物件细节、景物细节等。

大特写：又称“细部特写”，指突出头像的局部，或身体、物体的某一细部，如眉毛、眼睛、枪栓、扳机等。

——表现人物内心思想活动。

特写镜头提示信息，营造悬念，能细微地表现人物面部表情，刻画人物，表现复杂的人物关系，它具有生活中不常见的特殊的视觉感受。

主要用来描绘人物的内心活动，背景处于次要地位，甚至消失。

演员通过面部把内心活动传给观众，特写镜头无论是人物或其他对象均能给观众以强烈的印象。

在故事片中，道具的特写往往蕴含着重要的戏剧因素。

由于特写画面视角最小，视距最近，画面细节最突出，所以能够最好地表现对象的线条、质感、色彩等特征。

特写画面把物体的局部放大开来，并且在画面中呈现这个单一的物体形态，所以使观众不得不把视觉集中，近距离仔细观察接受，有利于细致地对景物进行表现，也更易于被观众重视和接受。

尽管无论人物还是景物都是存在于环境之中的，但是在特写画面里，可以说我们几乎可以忽略环境因素的存在。

由于特写画面视角小、景深小、景物成像尺寸大，细节突出，所以观众的视觉已经完全被画面的主体占据，这时候环境完全处于次要的，可以忽略的地位。

所以观众不易观察出特写画面中对象所处的环境，因而我们可以利用这样的画面来转化场景和时空，避免不同场景直接连接在一起时产生的突兀感。

交替地使用各种不同的景别，可以使影片剧情的叙述、人物思想感情的表达、人物关系的处理更具有表现力，从而增强影片的艺术感染力。

不同景别的画面在人的生理和心理情感中都会产生不同的投影，不同的感受。

景别越大，环境因素越多。

景别越小，强调因素越多。

全景出气氛，特写出情绪，中景是表现人物交流特别好的景别，近景是侧重于揭示人物内心世界的景别。

由远到近的组合形式，和画面越来越高涨的情节发展相辅相成，适用于表现愈益高涨的情绪；由近到远的组合形式，适于表现愈益宁静、深远或低沉的情绪，并可把观众的视线由细部引向整体。

情感分析：摄影机和对象之间的距离越远，我们观看时，就越冷静；也就是说，我们在空间上隔得越远，在情感上参与的程度就越小，这是一个有趣的现象。

较远的镜头本身有一种使场面客观化的作用，这首先是因为远景镜头中的空间关系是清晰明确。

远景镜头可以拍下很大的范围，但是加大距离会使我们看不清楚细节，从而使形象抽象化，使观众只能了解较少的东西。

大部分远景镜头所摄下的范围同人眼处在摄影机位置时所看到的范围比起来要小得多，即使放映在最大的银幕上，从很远距离拍摄的镜头也只能显示很少的东西。

远景镜头可能向我们提供它所描绘出的特殊信息，这种信息本身在主观上可能是使人兴奋的；但是，它的视觉形象却表现为传给我们感官的客观信息，由于远景镜头包含的细节多于近景镜头，因此它对我们的感官提出更多的要求，这就会使我们在感情上对自己正在看的场面采取超然态度。

较近的镜头一般能比较远的镜头使我们在感情上更加接近人物。

这是因为可以突出环境中的一个小部分，它挑出这个部分不仅是为了强调与之有关的某种东西，而且还为了有意忽视其余部分。

由于这样的镜头没有挤进来无关的东西，因此视觉的观察是比较简单的，我们对于出现在眼前的实际形象可以立即做出客观的解释，这就为我们留下了更多的余地，使我们可以在情感上做出反应。

摄像机的运动（拍摄方式）推：即推拍、推镜头，指被摄体不动，由拍摄机器作向前的运动拍摄，取景范围由大变小，分快推、慢推、猛推，与变焦距推拍存在本质的区别。

拉：被摄体不动，由拍摄机器作向后的拉摄运动，取景范围由小变大，也可分为慢拉、快拉、猛拉。

摇：摄像机位置不动，机身依托于三角架上的底盘作上下、左右旋转等运动，使观众如同站在原地环顾、打量周围的人或事物。

移：又称移动拍摄。

从广义说，运动拍摄的各种方式都为移动拍摄。

但在通常的意义上，移动拍摄专指把摄像机安放在运载工具上，如轨道或摇臂，沿水平面在移动中拍摄对象。

移拍与摇拍结合可以形成摇移拍摄方式。

跟：指跟踪拍摄。

跟移是一种，还有跟摇、跟推、跟拉、跟升、跟降等，即将跟摄与拉、摇、移、升、降等20多种拍摄方法结合在一起。

总之，跟拍的手法灵活多样，它使观众的眼睛始终盯牢在被跟摄人体、物体上。

升：上升摄像。

降：下降摄像。

俯：俯拍，常用于宏观地展现环境、场合的整体面貌。

仰：仰拍，常带有高大、庄严的意味。

甩：甩镜头，也即扫摇镜头，指从一个被摄体甩向另一个被摄体，表现急剧的变化，作为场景变换的手段时不露剪辑的痕迹。

——一般展示激烈紧张的情节悬：悬空拍摄，有时还包括空中拍摄。

它有广阔的表现力。

空：亦称空镜头、景物镜头，指没有剧中角色（不管是人还是相关动物）的纯景物镜头。

——交代时间、地点，引出后面的情节切：转换镜头的统称。

任何一个镜头的剪接，都是一次“切”。

综：指综合拍摄，又称综合镜头。

它是将推、拉、摇、移、跟、升、降、俯、仰、旋、甩、悬、空等拍摄方法中的几种结合在一个镜头里进行拍摄。

长：指长镜头。

影视都可以界定在30秒以上的连续画面。

反打：指摄像机在拍摄二人场景时的异向拍摄。

例如拍摄男女二人对坐交谈，先从一边拍男，再从另一边拍女（近景、特写、半身均可），最后交叉剪辑构成一个完整的片段。

变焦拍摄：摄像机不动，通过镜头焦距的变化，使远方的人或物清晰可见，或使近景从清晰到虚化。

主观拍摄：又称主观镜头，即表现剧中人的主观视线、视觉的镜头，常有可视化的心理描写的作用。

镜头角度：镜头角度有鸟瞰镜头、俯角、仰角、倾斜、水平角度五种鸟瞰镜头、俯角镜头都属于高角度镜头，这种镜头多用来表现画面中的人物的困境、无力感或者遭受到攻击的情况。

鸟瞰镜头和俯角镜头经常会给人一种全知的感觉，如同“上帝的视角”注视着事物的命运。

——能更好的展示场景全貌。

高角度镜头同时也会凸显环境，使环境看起来似乎可以吞噬角色，人物自然会显得卑微而无助。

——暗示弱势、恐惧！与俯角相反，仰角镜头会增加被摄物的高度，并且带有垂直效果，动作速度感也会增加，尤其是暴力镜头。

仰角镜头会增加主体的重要性，使物体在观众前方展开，甚具威胁性。

由仰角拍摄的效果通常会引起恐怖、庄严及令人尊敬的感觉。

所以在宣传片和强调英雄主义的电影中，这类镜头角度最常见。

——暗示权威、力量、优势！通常仰角和俯角镜头会成对出现，产生呼应效果。

倾斜角度的水平线大多是斜的，镜头里的人物看起来就好像快要跌倒。

这种镜头有时候用于主观镜头的表现，例如醉汉的视角。

另外，在比较特殊的场景环境中，倾斜角度对应景物的构图，能够达到扩展视野的效果。

增强戏剧性！更容易抓住观众眼球。

水平镜头——完全不通过镜头角度来做价值判断。

因此，他的镜头是中性的，不带有情感，让观众自己做判断。

分镜头脚本在确定了文字剧本，人物设定、场景设定以后，接下来的工作，就是绘制分镜头脚本了。

前面说过，整个动画作品是由很多个最基本的镜头通过不同的衔接方式组合而成。

那么，我们在制作一个镜头之前，只有文字剧本作为依据是不够的，在动画影像和文字剧本之间还需要有个衔接媒质，那就是分镜头脚本。

一般来说，分镜头脚本就是通过连续的图解来描述或者计划一个场景或者一连串镜头所要表现的内容和表现手法。

每一张分镜头图解都是由不同的景别、机位和镜头角度来组成的，它同时确定了镜头的运动方式、运动时间、人物台词及镜头间的切换方式。

确定了分镜头脚本，之后的所有工作，包括人员分配，时间控制，成本控制等等，都以此为依据。

明确了分镜头脚本的重要意义，下面，我们就来介绍一下具体的分镜头脚本是个什么样子。

——分镜纸介绍。

（场景号、镜头号、内容、动作、对白、时间、镜头处理、备注）分镜头绘制基本要求：1.充分体现创作意图，创作思想，创作风格。

2.镜头运用要流畅自然。

3.画面形象要简洁易懂，无需表现太多细节，主要是整体框架的描述。

4.镜头间的连结要标明，一般不标明，就是直接切换。

5.人物动作（肢体语言）、镜头角度设置要符合人物性格特征。

6.把握节奏——镜头变化的速率（镜头时间），要随着故事情节的发展变化。

应快慢有序，顺应观众的心理预期。

（激烈的打斗场面除外）7.正常情况下，不同景别的镜头组接，景别变化应循序渐进，由远及近或由近及远，这样的镜头连接更加自然流畅。

8.注意构图。