机械复制时代的艺术作品心得
机械复制时代的艺术作品 读后感
机械复制时代的艺术作品读后感《机械复制时代的艺术作品》是一本由文学大师沈从文所著的文学作品。
这本书以其独特的视角和深刻的思考，揭示了机械复制时代对艺术作品的影响，引发了我对当代艺术的一系列思考。
在这本书中，沈从文以其独特的文学视角，深刻地剖析了机械复制时代对艺术作品的影响。
他指出，随着科技的发展和机械复制技术的普及，艺术作品的价值和意义也发生了深刻的变化。
在过去，艺术作品是由艺术家亲手创作的，每一件作品都是独一无二的，具有独特的艺术价值和文化意义。
然而，随着机械复制技术的出现，艺术作品可以被大规模地复制和传播，这导致了艺术作品的价值和意义被稀释，甚至失去了原有的独特性和魅力。
通过对机械复制时代的艺术作品进行深入的分析和思考，沈从文揭示了机械复制时代对艺术作品的影响，引发了我对当代艺术的一系列思考。
在当代社会，科技的发展和机械复制技术的普及已经成为不可逆转的趋势，这对艺术创作和艺术传播带来了巨大的影响。
艺术家们如何在这样的环境中进行创作？艺术作品的价值和意义又应该如何重新定义？这些问题都值得我们深入思考和探讨。
在我看来，机械复制时代对艺术作品的影响是一个双刃剑。
一方面，机械复制技术的普及使得艺术作品可以被更多的人所欣赏和传播，这为艺术家们提供了更广阔的创作空间和更多的创作机会。
另一方面，机械复制技术的出现也导致了艺术作品的价值和意义被稀释，甚至失去了原有的独特性和魅力。
因此，艺术家们需要在创作中不断探索和创新，寻找新的表现方式和传播途径，以应对机械复制时代对艺术作品的挑战。
总的来说，《机械复制时代的艺术作品》是一本具有深刻思想和独特视角的文学作品，通过对机械复制时代对艺术作品的影响进行深入的分析和思考，引发了我对当代艺术的一系列思考。
这本书不仅为我提供了新的思维方式和观点，也让我对当代艺术有了更深入的理解和认识。
希望在未来的艺术创作和研究中，我们可以更加深入地探讨和思考机械复制时代对艺术作品的影响，为当代艺术的发展和繁荣做出更大的贡献。
机械复制时代的艺术作品心得
机械复制时代的艺术作品机械复制时代的艺术作品：德国美学家和文艺理论家法兰克福学派美学的代表人物之一瓦尔特.本雅明。
本雅明在艺术生产理论的建立和形成有着突出的贡献。
这部作品体现了本雅明对马克思主义的现代化。
一、艺术是一种生产本雅明在他的《机械复制时代的的艺术作品》的开篇就提到马克思在资本主生产方式的初级阶段就对资本主义的未来就行预测。
从而来阐明自己的观点是“上层建筑的变革要比基础的变革来得慢，它用了半个多世纪使生产条件方面的变化在所有文化领域中得到体现。
要作出这个说明，这就必然要涉及一些预言性的东西。
”而且还讲到他的这些艺术理论虽不能为政治服务，但是对于表达艺术政策的变革要求却很有用。
艺术是属于上层建筑，其中部分属于意识形态。
而艺术的生产则是是属于生产力的范围。
在这里，本雅明已经把艺术的的创作纳入到生产中来。
复制，首先是一种技术。
这种复制技术是属于生产力中的因素：生产工具。
生产工具是生产力水平发展的重要标志。
这种复制技术，是依托在生产工具上的。
这种复制技术大致的发展历程是铸造和制模——木刻——石印术——照相机、摄影机。
在这个过程中，人类由原先的只会制造器类物品到对手稿的复制，使得人类的文明得以更好地传承。
而到了石印术的出现，使得复制技术进入一个新的阶段，但是照相机、摄影机等先进的技术诞生后，更是让艺术品的复制遭受到前所未有的变革。
这也就符合了，马克思的观点：生产力影响上层建筑。
二、机械复制技术对艺术品的影响：艺术作品的现时现地性和韵味使得艺术作品本身具有价值性和权威性。
1、对艺术品本身而言：首先，艺术作品具有现时现地性。
现代的科技很发达，机械的复制技术能够很逼真的把艺术品复制下来。
本雅明认为，即使在最完满的艺术复制品中也会缺少一种成分：艺术品的现时现地性。
强调的是这种艺术品在其问世地点的独一无二性。
这种独一无二性构成了艺术品的历史。
在评价艺术作品时，把作品放到作品的创作背景来考察是否具有意义。
特定的创作背景是作品灵魂中重要的部分，也是作品的价值之一。
《机械复制时代的艺术作品》读书笔记
《机械复制时代的艺术作品》读书笔记机械复制时代的艺术作品前言：现行生产条件下艺术发展倾向的论题是当下具有辩证性质和预言性的主题，将一些概念重新引入艺术理论中去，使它们能够纯洁地表达艺术政策中的革命要求，免于落入法西斯主义意识中。
概念（社会文化背景）机械复制：艺术品的机械复制是不断创新的过程，包括载体、体裁和内容。
原真性：原真性由作品的即时即地性构成，对原真作品的技术复制削减了其权威性，又赋予其在多重现实下的活力，电影的宣泄力和破坏力便是最好的例子。
光韵的消失：传统作品的独有韵味在于绝对距离与心理感知的矛盾，而大众运动背景下的机械复制打消了这一点。
礼仪与政治：机械复制对艺术品原真性的破坏首次将艺术品从对礼仪的寄生中解放出来，转而投向政治领域。
新的艺术形式也不可避免地从分众传播走向大众传播，为民族主义和法西斯主义所用，也不失国际化。
膜拜价值和展示价值：艺术史可被描述为在价值天平上由膜拜向展示的移动。
社会文化背景与机械复制艺术的进步共同推进了这种发展。
而机械复制运动创造的“第二自然”逐渐强大，不再受人控制。
机械复制艺术（技术发展）摄影：人像有跨越载体的光韵，而它在照相摄影中的消失意味着展示价值首次压过了膜拜价值。
摄影所展示内容也愈发精密和强制。
永恒价值：机械复制时代的展示艺术丧失了膜拜艺术重视的永恒性，却也因此获得了可修正性。
摄影与作为艺术的电影：作为机械复制艺术的代表，电影的艺术价值在于使用复制的现实表达神秘的梦幻。
电影与检测效应：电影的艺术效果很大程度由复制现实过程中的检测者决定，而其标准是可展示性。
电影演员：机械复制艺术的一大特点是机器媒介对原真创作的创造性异化。
以电影演员为例，其形象更多由摄影机以上的电影制作机制决定，人被作为道具使用。
演员们通过摄影机与大众进行打破原真性的关联，而电影资本与大众力量的角力也决定了展示与膜拜天平的倾斜，这给法西斯艺术以可乘之机。
面向大众的展示：影音复制时代的民主政治也像艺术一样，其天平的砝码向展示移动，却也像电影艺术一样产生复杂的后果。
读《机械复制时代艺术》所想论文
读《机械复制时代的艺术》所想《机械复制时代的艺术》一书主要探讨了机械复制技术以其冰冷的大批量复制对艺术本身具有最真实而独特的“灵光”进行了吞噬，同时以电影为例，它也阐述了这种日渐兴起的复制技术对现今艺术领域造成的影响。
本雅明在《机械复制时代的艺术》书中将艺术的创造与复制有序的进行阐述，诠释出机械复制技术的出现给各个阶段的艺术领域带来的一系列的变革，书的开端保罗，瓦雷里如是说：“我们应期待的是如此重要的新局面必会使一切艺术技术改头换面，从而推动发明，甚至可能巧妙地改变艺术本身的观念。
”从而一方面说明艺术技术在后现代艺术的厚积薄发是顺应历史潮流的发展，而其能后促成艺术领域的“推陈出新，新陈代谢”。
在《机械复制时代的艺术》的第一节，他研究了艺术作品的复制技术的发展历程，从古希腊人的熔铸和压模，到木刻、铜版画、石版画，这些复制技术的进步为人类传播视觉形象带来了越来越多的便利。
机械复制技术不仅能拓展我们视觉体验，快速、大规模的复制也有利于艺术作品广泛传播到世界各地。
大量的机械复制艺术作品使原来独一无二的艺术作品的“原真性”消失了。
本雅明认为机械复制带来的另外一个变化就是传统艺术作品所具有的“灵光”消失了。
这一概念来自本雅明对艺术作品的视觉体验以及对传统艺术的思考。
随着复制技术的愈演愈烈，机械复制在当今社会更是无处不在的，盗版cd、盗版书籍、互联网的出现更是将复制发挥的淋漓尽致。
原创的艺术作品中包含了创作者在创作过程中的灵光，而由其所复制出的作品却没有这样的灵性。
复制技术的出现使艺术作品丧失了其“唯一性”和“此时此地”的灵光。
现代人类的有强烈的物欲横流情愫。
希望通过实物的复制来攻克独一无二的需求。
有了这样的思想倾向，这会导致“灵光”的逐步消失，复制技术把已经被复制的东西从传统的艺术领域中抽离剥解开来，于是艺术品开始它的被“克隆”的生涯，取代了独一无二。
在现实的需要下复制品被赋予价值。
从历史性的积极层面而言，“灵光”的消失，必然是遗憾，但这是一场历史的变化，社会总是向前发展，一切旧的事物并将受到时代淘沙的洗礼。
艺术是有生命的 ——读《机械复制时代的艺术品》感想
艺术是有生命的——读《机械复制时代的艺术品》感想摘要：瓦尔特·本雅明在《机械复制时代的艺术作品》中提出了机械复制手段产生的艺术作品，它的社会意义也是双重的，既有建设性，又有破坏性。
从原理上讲，一件艺术品是可以被复制的；摄影与电影的“机械复制”有一种进步的效果。
在现在这个时代的艺术品中有生命的艺术作品是存在的，而个中复制技术是对原创作品有一定的冲击力，但是这种艺术品本身所带的“光晕”还是会闪射出来。
我们无法否认各种复制技术的进步给我们带来的各种新的感受，但艺术品本身的价值是无法掩盖的。
Walter Benjamin in the works of art in the age of mechanical reproduction of mechanical reproduction method proposed produced works of art, it is both the social significance, both constructive and destructive. From the principle of speaking, a work of art can be copied; Photography and film "mechanical reproductions\" have a kind of improved result. In the modern era there is life in the art of art is exist, and the copy of original works of technology is a certain impact, but this art itself with the "halo" will still ShanShe out. We can't deny all kinds of cloning technology to bring us the progress of various new feeling, but the value of art itself is can not cover up.关键词：机械复制；建设性；破坏性；生命。
《机械复制时代的艺术作品》读后感
《机械复制时代的艺术作品》读后感摘要：在《机械复制时代的艺术作品》中，本雅明表达了和法兰克福学派正统思想不一样的声音。
他试图积极地理解技术给艺术领域带来的变化，认为这是现实社会进步的推动力，催生艺术功能的转型，使其具有政治化特征，促进了社会的民主化进程。
而在这其中，摄影术和电影又是极其重要的代表。
关键词：机械复制，技术乐观主义，灵韵，艺术大众化机械复制，简而言之，就是在现代工业条件下使用技术对艺术品达到批量生产的效果。
复制艺术活动是古而有之的，收藏家或者艺术家出于对作品的欣赏和对拥有的渴望，继而采用复制的手段来占有它。
而现代工业的发展促使一系列新技术的产生，也使艺术的复制到了一个新的阶段，不再仅仅是少量的复制，而是大量精细的再制，这是打破传统的，所以在其现之初便受到许多的争论。
本雅明讲到，“艺术作品在原则上总是可复制的，人所制作的东西总是可被仿造的。
”从印刷开始的对文字的机械复制，再到石印术的出现，形象复制成为可能，“这种复制方法第一次不仅使它的产品一如往昔地大批量销入市场，而且以日新月异的形式构造投放到市场。
”①而短短的几十年之后，摄影术和电影的发明则再一次产生了对艺术生产方式的变革，本雅明称这两者为“最富有启发意义的两种不同表现形式”，并且都反过来对传统艺术形式产生了影响。
在法兰克福学派中，他们利用批判理论来分析文化的工业化，阿多诺首次提出“文化工业”这个词，并认为“文化工业是别有用心地自上而下整合它的消费者”，艺术的机械复制都带有商业性质和盈利本质。
②而有人也这样批判摄影技术：“任何意欲固定影响的企图都是一种亵渎。
”在他们不接受摄影技术的表现之下，实质是他们对新事物的排斥。
而本雅明则首先认为摄影术和电影都已成现有事实，是我们的批判和排斥无法改变的，是技术的发展所带来的必然结果，在此基础上他对此提出一系列乐观的见解。
本雅明对摄影术的分析可以归结成一下几点：第一，手在形象复制中的作用被削减，在镜头使用下，形象复制过程大大加快。
本雅明的技术观——读《机械复制时代的艺术作品(第二稿)》
本雅明的技术观——读《机械复制时代的艺术作品（第二稿）》本雅明的技术观——读《机械复制时代的艺术作品（第二稿）》一、绪论本雅明（Walter Benjamin）是20世纪最重要的文化评论家之一，他对于艺术、文化与技术的关系有着独特而深刻的见解。
其中，他所撰写的《机械复制时代的艺术作品（第二稿）》被广泛认为是他最具代表性和深度的著作之一。
本文将通过读解该文章，尝试理解本雅明的技术观，以及对于机械复制艺术作品及其影响的思考。
二、艺术的机械复制时代在《机械复制时代的艺术作品（第二稿）》中，本雅明首先提出了“机械复制时代”的概念，并将其与传统的艺术作品进行了对比。
传统的艺术作品在制作过程中，艺术家的原创性和独特性是其最重要的品质，而机械复制的艺术作品则大大削弱了这些品质。
本雅明认为，机械复制使得艺术作品的生产过程变得可复制、可大规模生产，并且是匿名的。
这使得艺术作品的价值不再取决于其制作过程，而是取决于其真实性和独特性。
三、机械复制对艺术的影响本雅明认为，机械复制对艺术的影响是多方面的。
首先，机械复制的艺术作品通过大规模的生产和广泛的传播，为艺术作品带来了新的观众和受众。
这使得艺术作品的社会作用和价值也发生了根本性的改变。
其次，机械复制的艺术作品使得原作品和复制品之间的关系变得复杂起来。
本雅明认为，复制品是原作品的再现，通过复制品，人们可以更加接近艺术作品。
然而，本雅明也指出，与传统艺术作品相比，复制品缺乏真实性和原作品的独特性，这可能会对人们的审美体验和艺术欣赏产生不可逆转的影响。
四、技术与艺术的关系在《机械复制时代的艺术作品（第二稿）》中，本雅明将技术视为对艺术产生重大影响的因素之一。
他指出，技术不仅改变了艺术的制作和传播方式，还影响了艺术的创作，甚至改变了人们对艺术的认知和审美观念。
本雅明认为，技术使得艺术的生产过程变得机械化和标准化，使得艺术家对于原创性和独特性的追求遭受到了挑战。
同时，技术也为艺术家提供了新的表现形式和创作方法，推动了艺术的发展和创新。
《机械复制时代的艺术作品》读书报告
《机械复制时代的艺术作品》读书报告最初是因为要读指定书目，看到书的标题便读了下来。
读了之后，发现作者导读得很好。
文中没有过于隐晦的术语，且作者会把很多关涉到的背景知识进行简单介绍，如犹太教、纳粹屠犹的原因、布莱希特的史诗剧等，让我这个文盲补了不少基础知识。
现代都市中，人人都有机会欣赏到电影的放映，但是只有少部分人选择去剧场观看话剧。
电影作为机械复制时代最伟大的艺术作品，它的存在遍及我们的视野，《机械复制时代的艺术作品》就此话题进行了探讨，本雅明通过他细致的观察，从戏剧，诗歌，电影等方面阐述了现代人心理机制的形成过程及特点。
《技术复制时代的艺术品》中本雅明探讨了技术复制大规模应用后对艺术的影响，以摄影术（包括电影）为例，预言了大众的兴起对艺术创作产生的影响和巨大的破坏力。
那么，在当今这“机械复制时代”，“光韵”的最终命运又如何呢？本雅明认为，众多的摹本代替了原作独一无二的存在，从而导致了传统的大崩溃，也就是“光韵”的消失。
《机械复制时代的艺术作品》主要讨论的是技术发展对艺术作品的影响。
在本书中本雅明客观的指出：照相技术促成了“机械复制”、大规模传播的可能性，使艺术品失去了“灵晕”。
但在艺术品被广泛传播的同时，艺术的受众面逐渐延展，受众的态度开始左右艺术作品的生产，另一个层面上又推动了艺术的发展。
在本雅明看来，艺术品所具备的“灵晕”即真实性和独一的存在是在机械复制的影响下走向消逝。
在当今的时代，艺术开始大众化了，艺术的神圣感在消失，艺术的膜拜开始弱化了，艺术开始成为一种信仰的方式每个人都有机会表达自己的艺术观念。
艺术品的传播方式、人们对艺术品的感受都发生了改变，影响到了艺术的本质特性，直接造成了“灵晕”的衰退。
各种复制技术强化了艺术品的展览价值，正是展览价值掀起了艺术本质的变化。
展览价值突破了崇拜仪式的束缚，将艺术品移入了原本到达不了的空间。
其实创造和复制是相互渗透的。
在一些评论家看来，以电影为代表的复制艺术，会扼杀人们的创造才能。
从《机械复制时代的艺术作品》看本雅明的艺术生产思想
2、技术艺术权力本雅明关于艺术作品本质和价值的概念及其影响
其次，本雅明的思想启发我们重新审视艺术作品的独特性和价值。在当代文化 中，许多艺术作品通过复制和数字化得到了广泛传播。然而，这种传播是否会 削弱艺术作品的独特性和价值？本雅明的观点提醒我们，虽然复制技术改变了 艺术作品的传统属性，但艺术作品的独特性和价值仍然存在。这种独特性和价 值需要我们重新审视和评估。
本雅明艺术生产思想概述
在本雅明看来，艺术生产是指将艺术家的创作过程及其结果作为一种社会物质 生产活动来看待。他认为，在机械复制时代，艺术生产发生了深刻变化，这种 变化体现在艺术作品的制作、传播和接受方式上。以下将从三个方面阐述本雅 明的艺术生产思想。
1、艺术生产的价值
本雅明认为，艺术生产的价值不应该仅仅从经济利益角度来看待，更应其文化 价值和社会功能。艺术作品作为人类精神的结晶，它所蕴含的审美体验、思想 启迪和文化传承等功能是机械复制无法替代的。然而，随着机械复制技术的发 展，艺术作品的原创性和独特性受到威胁，这种价值也在逐渐贬低。
首先，让我们回顾一下本雅明的观点。他认为，机械复制技术的发展使艺术作 品可以大规模地复制和传播，这改变了艺术作品的独特性。传统艺术作品往往 是独一无二的，而机械复制技术使得艺术作品可以无限量地复制，使得艺术的 独特性消失。同时，机械复制技术也改变了观众与艺术作品的关系，使观众可 以更加“亲近”艺术作品。
谢谢观看
对现代社会的启示
机械复制时代的艺术作品读后感精选7篇
机械复制时代的艺术作品读后感精选7篇机械复制时代的艺术作品读后感（篇1）老师给我们推荐了很多艺术类的书，其中有一本叫《艺术的故事》，这本书很强大，被誉为艺术中的圣经。
据说它被译成30种文字。
把成千上万的人引入了艺术的殿堂。
作者贡布里希是当代最有洞见的美术史家，也是最具独创性的思想家之一。
读这本书的时候，我怀着毕恭毕敬的心情，本来计划用一个月的时间把这本无比厚的书给读完。
因为我是一个没有耐性的人，以前看书只要超过400页我都没有看完，我一直以来都没有读书的习惯，看着那些密密麻麻的字，总是耐不下心来，把一本书给读完，更别说从中找到乐趣了。
但是，这本书好像有巨大的魔力，每天早上都催促着我起床，把我呼唤到图书馆，那丰富的图片和那有趣的故事强烈的吸引着我，读那么厚的一本书突然变成了我的一种享受，每次读《艺术的故事》这本书就让我感觉眼前打开了一个崭新的世界，总会有一种喜悦的心情。
其实能够让我这样着迷的是那些细节的阐述。
《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》是大家最熟悉不过的了，一开始的时候，觉得不就是画了12个人而已嘛，但是读了《艺术的故事》关于《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》的描写，虽然篇幅不是很长，但会觉得妙不可言。
引人注目的是蒙娜丽莎看起来栩栩如生，她真像是正在看着我们，而且她有着自己的想法。
就在这里，作者水到渠成的开始介绍“渐隐法”并且很贴心的在旁边附上衣服蒙娜丽莎面部的大图，可以让我们更清楚的明白这个画法到底有什么独特之处。
更让我佩服的是，凡是有可以做比较的参照物，作者都不会忘记表明这个参照物到底是在书本上的第几页，具体是什么地方可以对比或者反衬，我想这就是所谓的举一反三吧。
这不仅是一个学习的方法，更是一种学习的态度。
在前言我被震撼了，看到了很多实话。
作者骇人听闻地说：“现实中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已。
”他还说艺术的故事是“各种传统不断迂回，不断改变的故事”每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来，作者谈到了原始人和古埃及人是画他们的所知道的东西，而印象主义者却是想画他们所见的东西。
机械复制时代的艺术作品 读后感
机械复制时代的艺术作品读后感在当今社会，随着科技的不断发展和进步，机械复制技术已经成为了现代艺术作品制作的重要手段之一。
《机械复制时代的艺术作品》一书深入探讨了机械复制技术对艺术创作和艺术市场的影响，引发了我对艺术与技术的关系以及艺术作品的真实性和独特性的思考。
首先，书中提到了机械复制技术对艺术创作的影响。
传统的艺术作品往往是由艺术家亲手创作，每一件作品都是独一无二的。
然而，随着机械复制技术的发展，艺术作品可以被大规模地复制和传播。
这种情况下，艺术家的创作方式也发生了改变，他们可以利用机械复制技术来大规模生产自己的作品，这无疑拓宽了艺术创作的可能性，使得更多人能够接触和欣赏到艺术作品。
其次，书中还提到了机械复制技术对艺术市场的影响。
随着机械复制技术的广泛应用，艺术品的市场变得更加活跃，因为更多的人可以购买到自己喜欢的艺术品。
同时，机械复制技术也为艺术品的交易提供了更多的可能性，比如在线拍卖、数字化交易等，这使得艺术市场更加国际化和多元化。
然而，与此同时，机械复制技术也给艺术品的真伪鉴定带来了挑战，因为复制品很容易与原作混淆，这也对艺术品的价值评估和版权保护提出了新的问题。
最后，我想强调的是，机械复制技术的出现并不意味着传统艺术的消亡，而是为艺术创作和艺术市场带来了新的可能性和挑战。
艺术家可以借助机械复制技术更加自由地进行创作，观众也能够更加便利地接触到艺术作品。
然而，我们也需要认识到机械复制技术对艺术品真实性和独特性的冲击，以及对艺术市场和版权保护带来的挑战，这需要我们在推动机械复制技术发展的同时，加强对艺术品的保护和管理。
总的来说，机械复制时代给艺术带来了新的活力和可能性，但同时也带来了新的问题和挑战。
我们需要在尊重传统的同时，积极拥抱科技的发展，为艺术创作和艺术市场的健康发展寻找新的平衡点。
相信随着社会的不断进步，机械复制技术与艺术的结合将会迎来更加美好的未来。
被遮去的光韵
被遮去的光韵—读《机械复制时代的艺术品》有感在《技术复制时代的艺术品》中，本雅明提出了“光韵”一词，用以解释传统艺术与现代艺术间的差别。
“那么，究竟什么是光韵呢？从时空角度所作的描述就是：在一定距离之外但感觉上如此贴近之物的独一无二的显现。
”光韵，是时间和空间的交系融合。
在本雅明所写的《光韵的消失》一篇里，提到了光韵的衰竭，即通过占有某个事物的复制品来克服其独一无二性的倾向。
因为复制手段繁复而保留了独一无二性的传统艺术品，在机械复制技术出现并获得推广后，发生了变化。
印刷术的出现发展普及，改变了文字艺术的样式。
摄影术的发现，成为机械复制时代的伟大创造，人们的生活方式，感知记录世界的方式发生了巨大的变化，这一变化即是光韵消失的社会条件。
机械复制时代的到来是以传统艺术品“光韵”的衰竭作为代价的。
传统艺术品的光韵—无论是它的此时此刻性，还是原真性。
终究因电影时代的到来被遮去，先是无声电影，转变为有声电影，就这样不留情面的彻底终结了传统艺术的时代，驾着载有机械复制艺术的马车缓缓而来。
身处机械复制的时代，我时常想掀开幕帘，寻找被遮去的传统艺术之光。
可是，走在街头，随处可见手握电影票走进影院的人。
艺术与众人间的距离被无限缩减，艺术不再神圣不可攀，不再被人们怀着崇敬的心情去膜拜。
劳苦大众可以在许许多多的场合下欣赏艺术的复制品，神像从庄严庙宇被搬到了喧闹的街市，“艺术”随处可见。
在这样的时代里，电影有着举足轻重的地位，而创造出电影的摄影技术，对传统艺术发出强烈冲击的同时，一步步吞噬着它的光韵。
光韵的没落，又主要体现在：艺术品通过复制批量生产及电影艺术如何反过来作用于传统艺术。
“把一件东西从它的外壳中撬出来，摧毁它的光韵，这是感知的标志所在。
它那‘世间万物皆平等的意识’增强到了这般地步，以致它甚至用复制办法从独一无二的物体中去提取这种感觉。
“本雅明曾在电影事业兴盛之初就机敏的意识到它对于传统艺术的强烈冲击力，以及电影事业必将辉煌的独特魅力。
机械复制时代的艺术作品 读后感
机械复制时代的艺术作品读后感在机械复制时代，艺术作品的价值和意义似乎被重新定义了。
传统的手工艺术作品在机械复制的时代似乎有些失去了它的独特性和珍贵性，因为机械复制技术使得艺术作品可以轻而易举地被大量复制和传播。
然而，正是在这样的时代背景下，一些艺术家们开始思考和探索艺术作品的新价值和意义，他们试图通过机械复制的方式来重新诠释艺术作品，从而使得艺术作品在机械复制时代依然具有独特的魅力和价值。
在《机械复制时代的艺术作品》一书中，作者通过对机械复制技术对艺术作品的影响进行了深入的探讨和分析。
作者首先指出了机械复制技术对传统手工艺术作品的冲击，机械复制技术的出现使得艺术作品可以大规模地生产和传播，这对传统手工艺术作品的独特性和稀有性提出了挑战。
然而，作者并没有停留在对机械复制技术的负面影响上，他还探讨了机械复制技术对艺术作品的积极影响。
作者认为，机械复制技术的出现使得艺术作品可以更广泛地被人们所接触和欣赏，这使得艺术作品的意义和价值得到了重新定义。
此外，作者还指出了一些艺术家们如何利用机械复制技术来重新诠释和创造艺术作品，从而使得艺术作品在机械复制时代依然具有独特的魅力和价值。
在阅读完《机械复制时代的艺术作品》一书后，我对机械复制时代的艺术作品有了更深入的理解和思考。
传统手工艺术作品在机械复制时代似乎有些失去了它的独特性和珍贵性，但是机械复制技术也为艺术作品的传播和欣赏提供了更广阔的空间。
在这样的时代背景下，艺术家们如何利用机械复制技术来重新诠释和创造艺术作品，使得艺术作品在机械复制时代依然具有独特的魅力和价值成为了一个值得思考的问题。
通过阅读《机械复制时代的艺术作品》一书，我不仅对机械复制时代的艺术作品有了更深入的理解，同时也对艺术作品的意义和价值有了新的认识。
在机械复制时代，艺术作品的意义和价值并不仅仅体现在它的独特性和稀有性上，更重要的是体现在它的影响力和传播力上。
因此，艺术家们如何利用机械复制技术来重新诠释和创造艺术作品，使得艺术作品在机械复制时代依然具有独特的魅力和价值成为了一个亟待解决的问题。
机械复制时代的艺术
机械复制时代的艺术《机械复制时代的艺术》读书笔记通过阅读《机械复制时代的艺术》[(德)瓦尔特·本雅明,译者：李伟郭东，重庆出版社，2006.10 ]这本书，我深刻体会到了我的阅读量实在太少，在此书中大量的引用了历史资料、、艺术思潮、学术理论、名人作品、伟人宣言等等作为例证，但是在看书的过程中很多次，我都惭愧地感觉到“陌生感”，对作者所举的例子很多不了解，这给我的阅读增添了不少阻碍，这也给了我深深的一击，提醒我扩大阅读量是迫在眉睫了，激励着我要在老师的引导下真正的静下心来多阅读！这篇读书笔记只能算是我在阅读这本书时的一些小小的感想，实在是写不出什么更有深意的文字了。
《机械复制时代的艺术》这部作品被西方学者奉为西方马克思主义文艺理论的经典著作,是本雅明的代表作之一，在世界美学史上占有重要的地位，对后人产生了广泛而深刻的影响。
在本雅明看来，艺术作品在原则上是都是可以复制的，从古希腊的铸造和制模，中世纪的木刻、镌刻和蚀刻,到近现代的印刷复制、照相摄影和电影的产生，都是人类进行复制的过程，并且人类形象复制的能力也随着生产力的发展而取得不断的进展。
但机械复制艺术的出现是以传统艺术“光晕”（Aura）的消失为代价的，在《机械复制时代的艺术》中作者明确指出，从传统艺术到机械复制艺术经历了从膜拜价值到展示价值的转化，从礼仪到政治的过渡，以及从个人凝神思考到大众消遣的变迁，都体现出机械复制艺术带有原真性的“光晕”在慢慢消失。
电影作为机械时代艺术的典型艺术形式，在对电影的分析中论证了机械复制作品的光晕渐暗，膜拜价值消失，受众及其接收方式都有了根本的变化。
本雅明认为任何艺术作品的原作都是独一无二的，它有着自身历史穿越时间的特殊存在，再高明再完美的复制也必然欠缺一个基本元素：时间性和空间性。
但电影艺术的产生削弱了时空上的限制，电影的每一个拷贝、型号、规格、内容都是一模一样的，具有完全等同的价值，也不存在原作和摹本的区分，就无所谓原作的原真性了，面对这样颠覆传统的“大动荡”，本雅明是持乐观态度的，认为这是不可避免的，“世间万物皆平等”日渐增强，电影技术的发展使得许许多多艺术作品有了同样的摹本，这些摹本使得人们可以更快捷地欣赏艺术，并且电影艺术十分聪明地用影视人物形象的光晕取代了演员头上的光晕。
复制技术与艺术——浅析本雅明《机械复制时代的艺术作品》
复制技术与艺术——浅析本雅明《机械复制时代的艺术作品》复制技术与艺术——浅析本雅明《机械复制时代的艺术作品》引言20世纪初期，机械复制技术的发展引发了艺术领域的巨大变革。
德国文化批评家本雅明在他的著作《机械复制时代的艺术作品》中，对这一变革进行了深入思考和分析。
本文将抛砖引玉，就本雅明的观点以及其中的重要概念进行解读和思考，探讨复制技术对艺术的影响以及其带来的艺术革命。
一、机械复制技术对艺术的冲击1.1 复制品的普及和艺术的贬值本雅明指出，机械复制技术的出现使得艺术品可以轻易被复制和大规模传播，这直接导致了艺术品的价值下降。
他甚至断言，复制品的出现导致现代艺术作品失去了其原创性和独特性，只剩下了“虚影”而非真实的艺术作品。
本雅明对此持有一种悲观态度，认为艺术正逐渐失去了其独特的价值和意义。
1.2 艺术作品的消费化和商业化机械复制技术的发展也导致了艺术作品的消费化和商业化。
本雅明认为，复制品的大规模生产和传播使得艺术走向了商品化的道路，仅仅成为了市场经济中的一种商品。
他对这种消费化的艺术格调表示担忧，担心艺术将完全被商业利益所主导。
1.3 艺术对大众的影响与启蒙一方面，本雅明指出机械复制技术使得艺术作品能够更广泛地传播和触及到大众。
艺术不再局限于少数人的领域，而是成为了大众生活的一部分。
另一方面，本雅明还认为复制技术使得艺术具有了一种启蒙的作用，可以通过艺术作品传达普世的价值观念和思想。
二、本雅明的“原作”和“复制品”概念2.1 “原作”的独特性和真实性本雅明提出了“原作”和“复制品”的概念，并强调了二者之间的区别。
他认为，“原作”是独一无二的，具有原创性和独特性，在艺术中扮演着重要的角色。
在他看来，“原作”代表了艺术品的真实性和独特性，是艺术家的真实创作成果。
2.2 “复制品”的普及和质量与“原作”截然相反，本雅明认为“复制品”是可以被大规模制造和传播的，与艺术家本身并无太大关系。
在他看来，“复制品”正是机械复制技术在艺术领域的体现。
机械复制时代的艺术作品读书笔记
机械复制时代的艺术作品读书笔记嘿，读了《机械复制时代的艺术作品》这本书，可真是让我大开眼界，感觉就像打开了一扇通往艺术新世界的大门。
在这个机械复制的时代啊，艺术作品变得可神奇了。
以前的艺术作品那都是独一无二的，就像那些古老教堂里的壁画，只能在原地看，珍贵得很。
可现在呢，就像我们看的那些海报、照片啥的，都是艺术作品的复制。
比如说一幅名画，通过印刷，好多人都能在家里挂一幅差不多的，这在以前可不敢想。
我就想起有一次我去博物馆看画展，那里面有一幅特别有名的画，周围围了好多人。
大家都在那赞叹画家的笔触、色彩啥的。
我就想啊，这画这么出名，可大部分人也只能在这博物馆里看看，或者在画册上瞧瞧印刷版。
这时候我就突然明白书里说的机械复制的影响了。
因为有了复制，这幅画的样子能被更多人知道，它的名气也就更大了。
书里还说机械复制改变了艺术作品的“灵韵”。
这“灵韵”啊，听起来挺玄乎，其实就是那种原作特有的、独一无二的气质。
就像我之前看到一个手工制作的陶器，那上面的纹理、色彩，在灯光下有一种神秘的感觉，这就是它的“灵韵”。
但要是用机器复制出一堆一模一样的陶器，这种感觉就淡了。
不过呢，复制也有好处啊。
比如说电影，电影就是一种可以大量复制传播的艺术。
我记得我和朋友一起去看一部特别火的电影首映，电影院里坐满了人。
大家一起笑，一起紧张，那种感觉可棒了。
电影就是通过复制在不同的电影院播放，让这么多人都能体验到它的魅力。
而且啊，现在网上有好多艺术作品的图片、视频啥的，大家可以很容易地分享和欣赏。
有一回我在网上看到一个舞蹈表演的视频，那舞者跳得可美了。
这个视频被好多人转发，要是没有这种复制和传播的能力，我们可能很难看到这样精彩的表演。
所以说，机械复制时代的艺术作品就像有了新的生命，虽然和以前那种传统的艺术作品有了很大的变化，但也给我们带来了更多接触艺术的机会，这可真是个有趣又复杂的时代啊，艺术在这个时代里就像变形金刚一样，有了新的模样和玩法。
机械复制时代的艺术作品 读后感
机械复制时代的艺术作品读后感在机械复制时代，艺术作品的产生不再依赖于艺术家的手工创作，取而代之的是机械化的复制过程。
这种创作方式的出现，使得艺术家能够克服手工创作的种种局限，大胆地尝试各种新的材料和技术，从而推动了艺术创新的进展。
光影、摄影、雕塑等多种媒介的出现，使得艺术作品的形式更加多样化，使观众能够以更直观的方式感受到艺术家所要表达的思想和情感。
例如，通过摄影技术，艺术家能够捕捉到瞬间的美感，将其固定在作品之中，使观众能与之产生更深的共鸣。
然而，机械复制技术的出现也给艺术带来了一系列的挑战与问题。
首先，机械复制使得艺术作品的原作与复制品之间的差异变得模糊不清。
观众难以分辨原作与复制品之间的真伪，进而质疑艺术作品的价值和独特性。
其次，机械复制技术的普及也使艺术品变得更加商业化，艺术家不得不考虑市场需求和商业利益，可能导致艺术作品丧失原创性和独立性。
这使得艺术的品质和真实性受到了质疑，使得观众对艺术的关注和认同度下降。
然而，尽管机械复制技术给艺术带来了诸多困扰，但它也为艺术带来了更多的可能性和机遇。
首先，机械复制技术使得艺术作品能够被更多的观众所欣赏和感知。
在传统的手工创作时代，艺术作品的制作周期长，受众范围有限。
而通过机械复制技术，艺术家能够将自己的作品大规模复制和传播，使得更多的人能够欣赏到艺术的魅力。
其次，机械复制技术也为艺术家们提供了更多的实验空间和创作材料。
通过机械的精确制作和复制，艺术家可以更加自由地去尝试新的材料、技术和形式，从而使其作品更具创新性和独特性。
在机械复制时代的艺术作品中，对于技术与艺术的关系成为了一个重要的讨论话题。
机械复制技术的出现使得艺术家们能够更加自由和灵活地创作自己的作品。
然而，有些人认为，机械复制技术对于艺术家的创作能力是一种侵蚀和剥夺，这是一种机械化的创作方式，可能会导致艺术的泛滥和粗制滥造。
然而，我认为机械复制技术并没有剥夺艺术家的创作能力，而是为他们提供了更多的可能性和机遇。
“消失”的灵韵
“消失”的灵韵——读《机械复制时代的艺术作品》所感柯皓月1020120130292013级文学院师范一班《机械复制时代的艺术作品》是著名美学家、文艺评论家、哲学家，西方马克思主义重要代表人物之一的瓦尔特·本雅明的代表著作，它主要论述了机械复制技术的发展带给艺术的一系列变革，探讨了机械复制技术以其冰冷的大批量复制吞噬了艺术本身具有的最真实而独特的“灵韵”，并以电影为例阐述了这种“日新月异”的技术对现今艺术领域造成的影响。
所谓机械复制是指通过某种手段和器械对某种对象实施批量生产，在《机械复制时代的艺术作品》中本雅明阐充分肯定了“复制艺术”的历史意义：“艺术作品的机械复制体现着某种新的东西”，譬如拉近了大众与艺术的遥远距离，增强了艺术品表现社会生活的能力，孕育了新的艺术类型的产生等。
以上看来，“复制艺术”的社会意义是有建设性的，但本雅明也意识到了它的破坏性，这从他在《机械复制时代的艺术作品》中论述的“灵韵”艺术流露出的倾慕态度便可知一二。
“灵韵”是本雅明思想中至关重要的关键词，他用“灵韵”来概括传统艺术最为根本的审美特性，在《机械复制时代的艺术作品》中更是将对“灵韵”的思考上升到艺术的命运的高度。
他指出：“在对艺术作品的机械复制时代凋谢的东西就是艺术品的韵味”，“灵韵”即是原真性，“原作的即时即地性组成了它的原真性”，通俗地讲就是独一无二性，机械复制技术把所复制的艺术品从传统领域中解脱出来，取代了独一无二的存在。
本雅明指出，这里所被取代的便是光韵，而这种取代是不可避免的，他以机械复制艺术中最典型的电影艺术为例分析，电影技术的发展使得大量艺术品有了摹本，这些摹本使得人们可以更快捷地欣赏艺术，削弱了一些时空上的限制，但同时原作的原真性荡然无存；“灵韵”还指作为传统艺术基础的膜拜价值，本雅明认为艺术与巫术祭仪有紧密关系且具有崇高价值，“灵韵”在很大程度上与这种崇拜价值内在的神秘性有关。
随着历史和艺术的发展，这一膜拜功能逐渐降低，但他始终伴随着艺术品的制作和欣赏，艺术品的可展示性被大大加强，“以致在艺术品两级之内的量变像在原始时代一样会使其本性的质得到突变。
机器复制时代的艺术作品观后感
机器复制时代的艺术作品观后感看了关于机器复制时代的艺术作品的这些东西啊，真的是让我脑袋里像开了一场疯狂的派对。
首先呢，以前我就觉得艺术这玩意儿可神圣了，那些画家一笔一笔地勾勒，雕塑家一凿一凿地雕琢，就像是在和神灵对话一样，弄出来的作品那都是独一无二的，带着艺术家的灵魂。
可是现在，机器这个“怪家伙”横插一杠子，它能快速地复制艺术作品，就像复印机一样，“唰唰唰”，一下子能出来好多份。
这时候我就想啊，那艺术作品的那种独一无二性是不是就被破坏了呢？我看到那些被机器大量复制的画作，总感觉它们好像失去了点什么。
就好比一个手工制作的精美糕点，你把它的配方拿出来，用机器大规模生产，虽然样子看起来差不多，但是吃起来就是没有那种手工制作的温暖和匠心。
那些复制的艺术作品看着是那么回事儿，但是缺了艺术家创作时候的那种激情澎湃，那种纠结、犹豫、灵光乍现的瞬间，就像是一个空壳子。
而且啊，机器复制时代也催生出了一些新的艺术形式。
艺术家们开始思考怎么和机器合作，或者是利用机器复制的特点来搞创作。
这就像是给艺术开了一扇新的大门，里面的世界虽然有点让人摸不着头脑，但又充满了新奇的感觉。
就像那些利用数字技术把经典画作重新组合、变形的作品，看起来既熟悉又陌生，就像把过去和未来揉到了一块儿。
但是呢，这也带来了一些烦恼。
比如说版权问题，这机器复制这么容易，谁知道自己的作品被复制到哪里去了呢？就像自己养的小鸡，到处乱跑下蛋，自己都找不到蛋在哪里了。
那些艺术家辛辛苦苦创作的东西，可能被人随便复制了就拿去赚钱，这可太不公平了。
总的来说，机器复制时代的艺术作品就像是一个大杂烩，有好的、有坏的，有让人惊喜的，也有让人头疼的。
它让艺术的世界变得更加复杂和多元，就像一个大拼图，每一块都有它的故事，而我们这些看客就像是在试着把这个拼图拼凑完整，一边拼凑一边感叹：“这艺术的世界可真是越来越让人看不懂，但又越来越有趣了呢！”。
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机械复制时代的艺术作品机械复制时代的艺术作品：德国美学家和文艺理论家法兰克福学派美学的代表人物之一瓦尔特.本雅明。
本雅明在艺术生产理论的建立和形成有着突出的贡献。
这部作品体现了本雅明对马克思主义的现代化。
一、艺术是一种生产本雅明在他的《机械复制时代的的艺术作品》的开篇就提到马克思在资本主生产方式的初级阶段就对资本主义的未来就行预测。
从而来阐明自己的观点是“上层建筑的变革要比基础的变革来得慢，它用了半个多世纪使生产条件方面的变化在所有文化领域中得到体现。
要作出这个说明，这就必然要涉及一些预言性的东西。
”而且还讲到他的这些艺术理论虽不能为政治服务，但是对于表达艺术政策的变革要求却很有用。
艺术是属于上层建筑，其中部分属于意识形态。
而艺术的生产则是是属于生产力的范围。
在这里，本雅明已经把艺术的的创作纳入到生产中来。
复制，首先是一种技术。
这种复制技术是属于生产力中的因素：生产工具。
生产工具是生产力水平发展的重要标志。
这种复制技术，是依托在生产工具上的。
这种复制技术大致的发展历程是铸造和制模——木刻——石印术——照相机、摄影机。
在这个过程中，人类由原先的只会制造器类物品到对手稿的复制，使得人类的文明得以更好地传承。
而到了石印术的出现，使得复制技术进入一个新的阶段，但是照相机、摄影机等先进的技术诞生后，更是让艺术品的复制遭受到前所未有的变革。
这也就符合了，马克思的观点：生产力影响上层建筑。
二、机械复制技术对艺术品的影响：艺术作品的现时现地性和韵味使得艺术作品本身具有价值性和权威性。
1、对艺术品本身而言：首先，艺术作品具有现时现地性。
现代的科技很发达，机械的复制技术能够很逼真的把艺术品复制下来。
本雅明认为，即使在最完满的艺术复制品中也会缺少一种成分：艺术品的现时现地性。
强调的是这种艺术品在其问世地点的独一无二性。
这种独一无二性构成了艺术品的历史。
在评价艺术作品时，把作品放到作品的创作背景来考察是否具有意义。
特定的创作背景是作品灵魂中重要的部分，也是作品的价值之一。
本雅明所提到的现时现地性从作品的外在传播形式出发。
在反映作品“现实”的价值是有一致性的。
即使复制技术已经发展到很高的水平，甚至可以借用摄像机、电影的方式逼真的对艺术进行复制。
但是，艺术作品原作的独一无二性体现在作品赋予了作者的艺术构思。
从作品的构思到作品的创造到作品的形成，凝聚了作者的思想精华。
可是，复制作品只是原作的表面形式的复制，不能把作品全部的精髓复制过来，所以复制作品的价值是远远比不上原作。
可能文学作品中没有真品或者赝品之分，但是在美术作品就有这种区分。
而这种艺术品的真假决定了艺术作品的价值性和权威性。
除了原作的现时现地性外，原作构成成的化学元素等是复制品所无法拥有的。
于是，真品由于其有可鉴别性，使得它具有权威性。
这权威性也加大了原作的价值性。
而且这种权威性还体现在作品的时间性，原作所存在的时间价值是复制品所不可能复制的。
就像我们的古文物具有很高的历史价值，可是被复制的文物虽外在形式一样，可是它不具有原作的那种时间的价值性，所以原作更显其具有权威性。
其次，艺术作品的韵味机械复制时代的艺术与传统艺术的区别就在于韵味的消失。
传统工艺术由于不能大量复制，具有独一无二的价值，就是韵味。
“人们可以把在此排除的东西纳入到韵味概念中，并指出，在对艺术作品的机械复制时代凋谢的东西就是艺术品的韵味”。
韵味即是对艺术品原作的享有，在时代生产技术不可能大量复制的情况下，原作即使艺术品独一无二的确证。
占有原作，才能有对艺术真确性的享有。
这种韵味让原作具有复制品所不能比拟的价值和权威。
三、机械复制技术为大众的艺术欣赏提供可能有些原作是普通大众所难以接触到的。
但是，复制技术为大众这种艺术的欣赏提供可能。
复制技术，使得稀世艺术品，被无限量地复制。
如果没有复制技术，那么这些稀世的艺术作品只能永远被一个人或者少数的人提供欣赏的机会，让少数贵族统治者在沉思默想的关照中体味作品那无可取代的韵味。
但是机械复制技术让这些稀世的艺术品走向大众化。
大众有机会接触这些艺术品，慢慢地这些被束之高阁的艺术就能获得更多的欣赏者。
复制技术，对作品本身而言，可获得更多的解读；对大众而言，则是对本身知识素养的提升。
但是，本雅明不足的一点是：对社会生产力转化为艺术生产力的复杂性和中介环节的考虑太过简单化，特别是忽视了马克思的艺术生产与社会生产发展的不平衡性。
总之，对于本雅明的《机械复制时代的艺术作品》，我们可以用一种辨证的眼光来看待。
既要看到此作品在西方马克思主义理论史上的贡献以及理论的独特视角，同时也要看到作品中观点的一些不足。
了解这些，有利于我们更好地学习本雅明的思想理论，更好地学习西方马克思主义电视电影也称电视故事片，是影视合流的产物，所以其定义也有两重性。
从电视节目形态的角度，电视电影是指模仿电影故事片类型拍摄的类似于电视单本剧的一种电视娱乐节目形态。
换言之，电视电影可以说是用电影技巧拍摄的电视单本剧。
从电影类型的角度，电视电影是指主要为电视播放而制作的电影故事片。
电视电影发展现状随着全球电视传媒业的飞速发展，电视的先进科技手段大大丰富了电影艺术的表现能力，而电视也借鉴了电影艺术的表现手法，从而大大提升了自身的艺术品位和表现技能。
电视电影作为电视传媒与电影艺术结合直至整合的一种特殊的影视艺术形式，既体现出了影视艺术在新传媒时代强烈的整合需求、现实的可能性、必然性以及新型的整合形式，同时又反映出了影视艺术同宗同源而又殊途同归的深层美学特质。
电视电影迅猛发展的道路，正说明了影视合流、互动、互补的国际化发展方向和美好前景。
艺术特性电视电影的艺术特性并没有完全划一的准确界定，但就其技术标准和艺术标准方面来看，理论界和制作者基本已经形成了一些共识。
从技术标准方面来看，相对于一般电视剧，电视电影应该是更精美的制作。
它应该比一般电视剧的影像更清晰，这是一个技术手段和材料介质问题。
从艺术标准方面来看，专门为电视电影创作的剧本既要区别于电影的题材，又要有电影剧本那样严谨的结构和独特的电影语言及较高品位的内涵，有比电视剧更深化的主题。
最后，电视电影是当前市场经济条件下对电影艺术文本的一种补缺，其低成本运作的投资风险性也是传统电影所无法比拟的最大优势之一。
中国电视艺术委员会副主任、著名影视评论家仲呈祥说：“电视电影作为近年电影频道大力扶植的新艺术形式，已经成为中国影视剧创作当中短片剧的主导力量，扭转了中国电视剧短片创作每况愈下的情况。
我认为这不仅对中国的电影艺术，也对中国的电视艺术作出了一个很重要的贡献。
在电视剧语言形态的日益完善、审美能力的日益发现当中，短片创作起到探索的作用，并且在某种意义上成为了电影的一个实验基地。
甚至我现在感觉，在一定意义上，可能将来电视电影这种形式要取代电视剧创作里面的短片创作。
”随着全球电视传媒业的飞速发展，电视的先进科技手段大大丰富了电影艺术的表现能力，而电视也借鉴了电影艺术的表现手法，从而大大提升了自身的艺术品位和表现技能。
电视电影作为电视传媒与电影艺术结合直至整合的一种特殊的影视艺术形式，既体现出了影视艺术在新传媒时代强烈的整合需求、现实的可能性、必然性以及新型的整合形式，同时又反映出了影视艺术同宗同源而又殊途同归的深层美学特质。
电视电影迅猛发展的道路，正说明了影视合流、互动、互补的国际化发展方向和美好前景。
目前，中国电视电影已经走过初创阶段，对电视电影的创作有了一些基本的认识，在与电影、电视剧的激烈竞争中赢得了一席之地，有以下三点可资证明：首先，电视电影工艺制作材料完成了四次跨越。
最初使用标准清晰度数字磁带制作。
后来发现这一技术不能满足电视电影对艺术与技术的质量要求，2000年开始使用16毫米胶片制作。
16毫米胶片的使用的确带来艺术质量的明显提高，同时也有一些技术上的局限在国内现实情况下无法解决。
于是，2002年电影频道又进行更大的调整，从科技高速发展与电视电影发展的远景着眼，放弃16毫米胶片的使用，改用高清晰度数字磁带制作，而且不断推进对这一技术的研究与开发，从电视电影的发展来看，这个决策及时、准确，适应了电视频道的发展尤其是收费频道的上马与电影市场的发展以及数字院线的建立与对节目的需求。
2003年，为了使电视电影尽快全面向高清数字技术转型，完善高清数字电影的视听效果，并为高清播出及进军数字院线做准备，中央电视台电影频道又建立了在全国领先的5.1声道音频系统工作室，从此揭开了电视电影在声音制作上的新阶段。
这一举措使系列电视电影《大汉风》《共和国将军》及时受益，创造了令人震撼的声音效果，使电视电影真正全面地与电影接轨，与世界电影技术接轨。
2004年，高清电视电影全面使用5.1环绕立体声技术。
上述四次工艺技术的跨越对于电视电影发展的意义，远远超过了技术性领域，它带来对电视电影创作观念的再次震荡。
其次，电视电影在艺术上崭露头角。
由于站在电影与电视两位巨人的肩膀上，中国电视电影的出现尽管只有短短十来年，但已涌现了一批在艺术上很有光彩、颇受专家好评的作品，如《上车走吧》《王勃之死》《阿桃》《杨守敬与吕贝卡》《法官老张轶事》《情归天尽头》《冬日细雨》《古玩》等。
从2000年起，电视电影逐渐被中国电影金鸡奖、中国电影华表奖、上海电视节白玉兰奖、北京大学生电影节奖等国内外著名电影节与电视节接纳。
这些奖项取得的重要价值在于，中国电视电影拿到了艺术殿堂的准入证，有作品值得艺术家们说长道短了。
其三，电视电影的收视率不断攀高。
收视率是电视电影的生存预警标志，几年来电视电影的收视率不断上升，甚至出现跳高的现象。
仅就黄金档播出分析，以两个百分点、观众人数约为2200人为标准，最初的两年只有10%左右的作品达到两个百分点的收视率，2001年上升为24%，其中只有一部达到三个百分点，2002年收视率出现翻高，在播出的110部电视电影中70%的作品达到两个百分点以上，其中17部作品达到三个百分点，三部作品达到4个百分点。
收视率不断攀升说明观众对电视电影的兴趣在上升，电视电影可以依赖的观众群正在形成。