2 中国画审美标准的思考

中国画审美标准的思考

顾绍骅著

自“新文化运动和“五四”运动对传统文化进行批判以来。又经过了上世纪五十年代的民族虚无主义思潮和文化大革命的十年，中国文化的传统真的已被肢解和割裂得面目全非了。近来，“85思潮”也没有立足于本土文化，甚至是一个"全盘西化"的运动；这是民族文化的自卑所造成的；当下，由于商品大潮和外来文化的迅猛冲击，作为文化资源之一的中国传统文化的处境不能不说令人堪忧。

我曾经听过好多年轻人说过：“中国传统文化纯属骗人，西方文化才叫科学”之类的话，站在中国文化的立场，我很难过。难过于有数千年历史渊源和博大精深传统的文化到了当代竟然受到自己的民族后人的无情的妄自菲薄！中国画与中国文化的传统精神是互为表里的。傅抱石说︰“中国绘画是中国民族精神的最大表白，也是中国哲学思想最亲切的某种样式”。也就是说，我们可以根据中国画去探寻和体认中国文化的民族精神，任何艺术都是思想始终在先，技能、技术总是在后的；中国画着重在“形而上”(外形之上，精神追求)。是中国传统文化、哲学观的表现之一，追求精神上的东西；体现了中华民族传统的哲学观念和审美观，在观察、认识和表现中，也自觉地与人的社会意识和审美情趣相联系，体现了中国人借景抒情，托物言志，“天人合一”的观念。如果缺乏这些文化底蕴，中国画就沦为技法的奴隶了；艺术家与工匠的区别就在于是否有思想、有文化底蕴。顾绍骅的艺术思想提出：中国画的发展必须依照“中国方式”——集中国传统文化底

蕴（诗、书、画）为一体的观点——“诗情画意”是中国画的灵魂和中国画发展方向；同时，也是世界美术作品的发展方向！各个画种都有自己的特点，而代表中国民族文化的中国画是具有“诗、书、画”等中国民族文化特征，这是中国画的根本；其最高境界就是“诗情画意”。

中国画【辞海释义】：简称“国画”。反映中国美术传统（文化）特色的画种。具有悠久的历史和独特的审美情趣，在世界美术领域占有重要地位。------中国画强调“外师造化，中得心源”，超越形似而重在传神，以钩皴点染、枯湿浓淡、疏密繁简、计白当黑等表现手法描绘图像景物，结构布局不拘于焦点透视，讲究色、墨、空与点、线、块的变化对比。与书法、篆刻乃至诗词艺术的紧密结合，也是中国画的一大特色。

中国传统文化艺术浩如烟海，而中国画的形式和一般的绘画形式既有区别又有联系。《梦溪笔谈》中说道这样一个故事：相传唐代诗人、画家王维得到客人送的《按乐图》很兴奋，王维说这是画的《霓裳羽衣曲》第三遍的第一段，客人不信，请来乐工演奏那段舞曲，这才信服。因此说，图画只能画出一瞬间的演奏活动即“止（只）能画一声”而不是一段舞曲的演奏过程。唐代诗人徐凝在题画诗中这样写道“一水寂寥青霭合，两崖崔萃白云残；画人心到啼猿破，欲作三声出树难”诗的前两句是写画中景，后两句是诗人发出的感叹：画家挖空心思，终究画不出“三声”连续的猿啼，因为他止（只）能画一声，而凄楚动人的猿三声，是画面上表达不出的，此绘画之弊也……。然诗歌（词、赋）却能做到表现时间、空间、环境、音乐、舞蹈等，人世间的喜、怒、哀、乐及万事万物的刻画等——包罗万象；也正好弥补绘画之不足。但诗是含蓄的，不及画的直观通俗易

懂。历来有诗、书、画同源之说，三者的最高境界是“诗情画意”；都是写心、写思想、抒发感情的。因此，从根本上说，三者是相通的。历来的书画家，一般都精于诗词创作，如大画家、大文豪苏轼评价唐代的诗、书、画大家王维：“观摩诘画，画中有诗；味摩诘诗，诗中有画”。达芬奇说：“画是哑巴诗，诗是盲人画”。古希腊诗人西蒙尼德斯说：“画为不语诗，诗是能言画”。清代文学批评家姜夔指出：“舒（抒）写胸臆与发挥景物结合起来”。艺术家完成画的创作后，再作一首题画诗，这样画与诗相互补充，相互辉映，相得益彰；使艺术家的艺术境界（作品），得到淋漓尽致的发挥——“诗情画意”。的确，中国绘画的这种观念也正是把握了中国艺术的精神实质，把握了中国艺术诗性的品质特点，才经受住了时间风雨的考验，并一直影响至今。宋代哲学家程伊川说过：“冲漠无朕（天地未判时的宇宙原始状态），而万象昭然已具。”昭然万象以冲漠无朕（天地未判时的宇宙原始状态）为基础，使实中有虚、虚中生实，空外余波，袅袅不绝，“无画处皆成妙境”(笪重光语)，这便是中国画在对意境美的追求中最不可言传的精神所在，加之诗、书、画、印结合，可以把几种艺术融为一体，相互辉映，既能丰富画面内容，又能扩大画面境界，给人以更多的审美享受；因此，诗情画意是中国画的至高境界。【中国的格律诗词讲究程序、格式、谱式，言简意赅；唐诗宋词流传千余年，至今为人所喜爱，因此，经典的是永恒的。“五四”以来的新诗也有经典之作，为什么所记住所传诵的却不是太多。为什么？】

看中国画，如何看虚与实。有人说中国画不科学，留那么多的空，那么多的虚，看人家西洋油画画得多么厚实。事实上这恰恰就是中国画的妙处所在——中国画就是用虚不用实。并不是说不能写实，唐宋画就把“写实主义”搞得很好。

非不能也，实不为也。中国人的思想受道家影响深远，不愿心为物役，追求境由心造的平衡心态。唐司空图《诗品·雄浑》所说“返虚入浑（指诗作空灵，入于浑然之境。）”，意即返虚方能入浑。这个“浑（“全部、满是”之意也）”，而是更高级的无所不包极端复杂之浑。“实”就在眼前一览无余，最大也是有边际的，最满也是有限度的。只有返虚入浑，方能无边际，其大无外，其小无内。如李煜词句：“问君能有几多愁？恰是一江春水向东流。”他不实答，却一下使你面对滔滔东流的大江。如果只是一实，还能有那样丰富的含义，那样阔大的境界吗？诗情画意是时空的融合，因此，“没有最好，只有更好”令欣赏者没有统一“标准”，并且，在创作与欣赏中需要有一定的中国传统文化素养。虽然，少了西画那样的“清晰、一览无余”却存有东方审美特有的含蓄、朦胧，甚至有些模糊、迷离……；这也有了“神秘感”，增强了“想象空间”，犹如：“隔纱观美景、月下看美人——越看越喜欢”，在理解“诗情”后，更能了解“其中味”；这是西方绘画所望尘莫及的。

造型上，不拘于表面的肖似，而讲求“妙在似与不似之间”和“不似之似”。“绘画以形似，见与儿童邻（绘画如果以画得“形似”而判定好与坏，他的见识与儿童一样）”也正是苏轼对先贤们艺术实践的理论总结。它之所以能够存在，并且，具有旺盛的生命力，一直被文人们捧为绘画的至理，原因是写实造型不符合中国画的笔墨情趣。中国画以线为骨，以墨为肉的表现手段，致使笔墨在能渗化的宣纸上得以自由地发挥，这种独特的美：“笔墨酣畅、气韵生动”，书写空间得到解放，从而使中国绘画的空间也随之得以解放，因而促进写意画的萌芽和进一步的发展。写意画强调的是气韵的生动和笔墨所呈现出来的情趣美感，是借助中国画