意大利歌剧欣赏指南(二)

接下来捡几个关键词说说，大家找找感觉。

1、序曲：开场的管弦乐曲，会奠定一个基调，是悲剧呢？是喜剧呢？描绘出大概的意境，带着观众“入戏”。

序曲中的主旋律有时也会出现在之后的情节中，具有提纲擎领的作用，有时在幕与幕之间也会时不时地来一段。

2、咏叹调：表达剧中人物心境的独唱曲，通常是一出歌剧中最受关注的部分。

一般我们耳熟能详的曲目，也都是歌剧里的咏叹调，是整部剧的高潮。

许多音乐家演唱会时也会选择咏叹调作为必备曲目，例如《图兰朵》中的“今夜无人入睡”，《蝴蝶夫人》里食物“晴朗的一天”，《茶花女》里的“为什么我的心这么激动”等等。

3、幕：歌剧以不同的“幕”来作为场景区分，通常一出剧三至五幕不等，一幕结束后，舞台上的布幕就会拉起来，开始更换布景，乐团就开始演奏下一幕的前奏曲，前奏曲奏完，幕布更换好，接着演。

4、宣叙调：是开展剧情的段落，故事往往就从这里开始，角色多，对话多，多半采用半说半唱的方式，很像京剧里的韵白。

欧洲歌剧早期的宣叙调一点不唱，叫做“干宣叙调”，往往是用古钢琴弹奏一个和弦给一个调，剩下的都是对白。

5、重唱与合唱：重唱有二重唱、三重唱、四重唱…不等的组合型式，内容为剧中人物互相对话或各自表白心中的想法，尤其多人重唱的段落往往让人听不过来……耳朵很忙。

合唱则主要代表群众，呼应剧中人物的言行，合唱团也是歌剧中的要角儿。

所以作为一部正统的歌剧，尤其是较传统的意大利歌剧，你一般可以感受到以上这些内容。

意大利歌剧虽然很传统，但也是有变化的。

意大利歌剧一直是欧洲歌剧的主流，在18世纪以前，正歌剧又是意大利歌剧的主流。

正歌剧注重歌唱者的声音天赋，所以导致了阉人歌手（即在童年被阉割的男歌手，嗓音高亢，华丽而具有弹性）的广泛出现，后来也一度出现过单纯追求“美声”的形式而忽略剧本内容的倾向，剧情雷同、单调，听众只听炫耀技巧的咏叹调，宣叙调一概不听，最终走向了衰败。

正歌剧最早出现于17、18世纪的意大利，以神话及古代英雄传奇故事为题材居多。

最初与意大利喜歌剧相对而言，后来流传到西欧各国。

是一种严肃歌剧，在18世纪中逐步衰亡，变成了历史。

直到格鲁克在1760年代推出的“革新歌剧”，以对抗正歌剧的矫揉造作。

他认为：“质朴和真实是一切艺术美的伟大原则”，歌剧的“真正使命”是“和诗配合，以便加强情感的表现”。

在他的歌剧中，宣叙调具有重要地位，并且加强了旋律性，着重刻画情感，他还删去了咏叹调中炫技的部分，追求真情表达……总之，这位先生颠覆了固有的一成不变的逻辑，影响了18、19 世纪之交的歌剧舞台，且是有益的。

自他的大步调改革后，出现了喜歌剧。

意大利歌剧经历了四个重要时期：巴洛克时期、古典主义时期、浪漫主义时期、真实主义时期
1752年一家意大利歌剧团在巴黎上演《管家女仆》一剧，引起了有名的喜歌剧之争。

保守派站在维护封建贵族的艺术趣味的立场上反对喜歌剧，而以启蒙思想家，以卢梭为首的改革派则热情赞扬这一新生事物，并且于同年亲自写了一部喜歌剧上演。

这场争论促进了法国歌剧的发展。

1762年，巴黎建立了喜歌剧院，喜歌剧很快在欧洲各地风行。

我们所熟悉的莫扎特，18世纪就是以正歌剧起家，后来顺应潮流，开始写喜歌剧，事实证明他也比较擅长这个，像《费加罗的婚礼》、《唐·乔望尼》、《女人皆如此》，当时非常卖座。

这里还不得不提到那不勒斯乐派，17世纪末的一个新的歌剧流派，被认为是确立了未来的十九世纪意大利歌剧民族性的流派。

那不勒斯的作曲家们将宣叙调与咏叹调清晰地区分开来，并更加倾重于咏叹调，尤其强调美声演唱技巧，使用有伴奏的宣叙调，发展管弦乐以服务于歌唱，还固定了歌剧序曲的三个组成部分。

而喜歌剧是在那不勒斯派达到成熟阶段后，由幕间剧发展出来的。

到十九世纪上半叶，意大利歌剧传统经由罗西尼（Rossini,1792-1 868）、多尼采蒂（Donizetti,1797-1848）和贝利尼（Bellini,1810-183 5）等作曲家，传承到了威尔第的手中，威尔第成为浪漫主义时代乃至
整个音乐历史上最伟大的意大利歌剧作曲家，普契尼和写实主义歌剧随后又将这一传统延续到了二十世纪之初。