从浪漫主义思潮的角度来看各种艺术的共通性
论艺术美的阶级性与共同性
论艺术美的阶级性与共同性前不久，我国美学界曾经展开一场关于共同问题的讨论这个讨论对于弄清美的实质，弄清美与美感的关系，以及关于艺术美的研究，都具有深刻的意义，本文想从艺术美的构成因素方面，对艺术美的阶级性与共同性问题，作一初步探讨。
一艺术美是由艺术作品的内容美与形式美两个因素所构成，二者缺一不可。
内容美与形式美有着不容分离的关系，但却又不容混淆，关于这一点，我们可以从如下情况得以说明。
古希腊、罗马的悲剧，有不少是取材于荷马的史诗，而同是取材于荷马诗的“拉奥孔”的故事，古罗马诗人维吉尔在他创作的新的史诗《伊利亚特》中给予新的表现，古罗马雕刻家阿格德、波里多和阿菲诺多三人合作的雕刻《拉奥孔》又给予另外一种形式的新的表现。
同一个作家有时还把同一内容用两种不同形式给予表现，如德国大文学家歌德先用散文的形式写成了《依斐日尼》，后来又把它改写成为诗剧。
这说明同一的内容美可以与这一种形式的形式美相结合而产生别一个艺术美。
关于上所说的同一内容用不同的艺术形式给予表现的区加紧，在德国启蒙运动时期的文艺理论家莱辛的著作《拉奥孔——论绘画与诗的界限》中得到深刻的阐述。
象近现代的戏剧、电影取材于古代的诗歌和小说，以及近、现代的小说和诗歌取材于古代的神话、传说，还有一些乐曲、绘画、电影、戏剧作品等取材于同一部文学作品等，这都说明艺术美的内容美与形式美的不可混淆性。
由于艺术美的内容与形式的不可混淆，所以艺术美的内容美与形式美的关系，不是平均对等的关系。
有时候，艺术美中的内容美所占成分比例可能大些，或突出些：有时候，艺术美中的形式美所占成分比例可能大些或突出些。
也就是说，内容美与形式美在艺术美中是一种在有机的结合，不能有什么固定的比例关系。
比如在某些艺术作品中，内容美较为充实，而形式美有所欠缺，这时内容美可以在某种程度上补救形式美的不足；反之当内容美较为平庸，而形式美却较为完善，这时形式美又可以在某种程度上弥补内容美的欠缺。
文献中的艺术与文学思潮分析
文献中的艺术与文学思潮分析文献中的艺术与文学思潮是历史上独特而丰富的资源，它们不仅反映了当时的社会、政治和文化环境，也展示了人类对艺术和文学的不断探索与创新。
在本文中，我们将对文献中的艺术与文学思潮进行分析，并探索其对社会的影响和意义。
一、文献中的艺术思潮1. 古希腊艺术思潮在古希腊文献中，我们可以发现充满神秘与神圣感的艺术思潮。
古希腊的雕塑作品以人体为主题，追求完美的比例与姿态。
同时，古希腊的戏剧作品也体现了对人性和伦理道德的探索，以及对自由与民主的追求。
2. 文艺复兴艺术思潮文艺复兴时期的文献中，我们可以看到对古希腊与古罗马艺术的重拾与借鉴。
艺术家们追求充满个人表达力的艺术作品，同时注重透视、尺寸和解剖学的准确性。
在文学方面，文艺复兴时期的作家们将人类置于中心，探索人类思想和情感的丰富性。
3. 浪漫主义艺术思潮浪漫主义思潮在文献中体现为对自然、想象力和个人感情的强调。
这种思潮强调个体的内心体验，追求超越理性的情感冲动。
在文学中，浪漫主义体现为对自然景色的描绘、对爱情和宿命的思考等。
4. 现代主义艺术思潮现代主义艺术思潮将对传统的挑战和对现实社会的批判渗透到了文学和艺术的领域。
它体现为对形式和结构的突破，注重对当代社会问题的关注和反思。
在文学中，现代主义作家将小说、诗歌等文学形式推向了极致，追求独特的艺术体验。
二、文献中的文学思潮1. 传统文学思潮在古代文献中，我们可以看到各种传统文学思潮的影响。
比如中国古代文学中的诗、词、曲等形式，都显露了中国古人对美的追求和世俗生活的反思。
同时，在印度古老文献中，我们可以发现对宗教、哲学和抒情诗的讨论和创作。
2. 现代主义文学思潮现代主义文学思潮的兴起对文献中的文学风格和主题产生了深远的影响。
这种思潮强调对现实的批判、对个人意识和存在的探索。
现代主义文学作品常常采用流派文学的手法，运用内心独白、碎片化的叙述和非线性结构等来表达作家的思考与情感。
3. 后现代主义文学思潮后现代主义文学思潮对文献中的文学思潮产生了颠覆性的影响。
浅谈西方浪漫主义运动后的艺术思潮演变
浅谈西方浪漫主义运动后的艺术思潮演变浪漫主义强调主观、天才和灵感；强调人性的自由和解放。
反映在艺术创作中，就是强调主观创造性，反对类型化，主张个性化。
强调具体具有特征的描绘和情感的传达。
而后，艺术变成个人的事，变成表达个人情感出口的时候，西方现代艺术阶段以及后来的后现代主义应运而生。
浪漫主义运动带来的翻天覆地在接下来的百年里发挥着强大的催化作用。
出现了不断颠覆传统的艺术流派与艺术思潮。
【关键词】浪漫主义运动；现代艺术；后现代艺术西方浪漫主义运动是一场涉及到政治、文化、社会、哲学各个领域的宏大变革，产生兴起于十八世纪末到十九世纪初的资产阶级革命和民族解放运动高涨的年代。
整个的触动改变了十八世纪后期以来的西方世界人们的生活和思想。
它在政治上反对封建专制，在艺术上与古典主义相对立，属于资本主义上升时期的一种意识形态。
英国哲学家罗素说：“从十八世纪后期到今天，艺术、文学和哲学，甚至于政治，都受到了广义上所谓的浪漫主义运动特有的一种情感方式积极的或消极的影响。
连那些对这种情感方式抱反感的人对它也不得不考虑，而且他们受它的影响常常超过自知的程度以上。
”当时发生的法国大革命造成了民众价值体系的崩塌，强调个性与自我，独立与自由，个性美取代了理想美。
这样的浪漫主义思潮，是在人们对启蒙运动“理性王国”的失望，对资产阶级革命中的“自由、平等、博爱”口号的幻灭和对资本主义社会秩序的不满的历史条件下产生的。
当时的作家都对现实不满，企图寻求解决社会矛盾的途径。
浪漫主义分积极和消极两种。
前者是进步的潮流，它引导人们向前看，后者属反动的逆流，它引导人们往后看。
这种区别，实质上是对当时法国大革命和启蒙运动的两种截然不同的反响。
一种敢于正视现实，批判社会的黑暗，矛头针对封建贵族，反对资本主义社会中残存的封建因素，同时对资产阶级本身所造成的种种罪恶现象也有所揭露，因而充满反抗、战斗的激情，寄理想于未来，向往新的美好生活，有的赞成空想社会主义。
浪漫主义的理想性与艺术性问题
浪漫主义的理想性与艺术性问题
浪漫主义时期在欧洲文化史上被认为是一个充满激情和创造性的时代。
该时期的文学、音乐、艺术和哲学作品都强调了个人感受和内心世界的重要性，反对了文艺复兴时期强调的理性主义和对客观现实的执着追求。
浪漫主义文化的理想性和艺术性一直是该时期文化研究的重要话题。
首先，浪漫主义文化的理想性主要表现在其强调个人内在感受和情感经验的重要性上。
浪漫主义作品追求表达和探索情感、感知、思想和灵魂的世界，强调内心的感受和想象力。
例如浪漫主义诗歌常常描述自然景观和人类情感之间的联系，描绘内心情绪的起伏和变化。
浪漫主义文化鼓励人们摆脱道德和社会准则的束缚，直接面对内心的真实感受。
在这个意义上，浪漫主义被视为反对既有文化形式和社会秩序的文化幻想。
其次，浪漫主义文化的艺术性主要表现在其对于艺术表达的重视和创新之中。
浪漫主义文艺作品追求展现个人情感和情绪状态，借助艺术手法和语言形式来表达艺术家独特的感受和想象。
例如浪漫主义诗人常常用诗歌来表达自己心中的情感，展示自我意识和个性特征。
此外，浪漫主义还提出了许多新的艺术形式和艺术手法，如象征主义和幻想主义等。
这些艺术手法和艺术形式深刻地影响了后来的现代主义和后现代主义文化。
综上，浪漫主义文化的理想性和艺术性贯穿了该时期的文学、音乐、艺术和哲学作品。
浪漫主义对于个人感受和内心世界的强调以及艺术表达的创新形式，引领了后来文化的发展方向。
因此，对于浪漫主义文化的理想性和艺术性的研究，对于理解及后世文化的发展有着重要的意义和价值。
浅谈浪漫主义时期钢琴作品的风格
浅谈浪漫主义时期钢琴作品的风格浪漫主义时期是西方音乐史上的一个重要时期，其音乐风格广泛影响了后来的音乐发展。
在浪漫主义时期的钢琴作品中，充分展现了浪漫主义的情感充沛、思想深邃和多样化的特点。
在浪漫主义时期的钢琴作品中，情感表达是一个重要的特点。
浪漫主义对情感的表达更加直接、充分和深入。
这种情感的表达方式在钢琴作品中尤为突出。
在肖邦的作品中，他的音乐深情而富有表现力，通过充满激情和波动的旋律来表达强烈的情感。
同样，在舒伯特的钢琴作品中，他的音乐通常富有浪漫主义的悲伤和忧郁，带有深邃的情感。
通过技巧性的演奏和情感的表达，这些作品让人们能够与作曲家的情感产生共鸣。
浪漫主义时期的钢琴作品还表现出思想深邃的特点。
浪漫主义时期是一个思想启蒙的时期，作曲家们开始思考人类的存在、精神和社会问题。
这种思想的反映在钢琴作品中，让音乐具有了更加深入、有深度的内涵。
勃拉姆斯的钢琴作品中融入了许多充满哲理和哲学思考的音乐元素，如交响曲的结构和对主题的回应。
舒伯特的钢琴作品中也体现出深思熟虑和宗教情怀。
这些思想的表达使得这些钢琴作品具有更加丰富和多维的内涵。
浪漫主义时期的钢琴作品还展现了多样化的风格。
在这个时期，作曲家开始尝试不同的风格、结构和技巧，使得钢琴作品变得更加多样化。
在肖邦的钢琴作品中，他创造了许多新颖且具有个人特色的技巧，如颤音、滑音和特殊的和弦。
舒伯特的钢琴作品中也充满了丰富的旋律、对位和和声变化。
这些独特的技巧和风格使得这些作品在当时的音乐界引起了广泛的关注。
浪漫主义时期的钢琴作品具有情感丰富、思想深邃和多样化的特点。
这些作品通过情感的表达、思想的反映和独特的风格，深刻地影响了后来的音乐发展。
这些作品不仅仅是音乐的表达，更是作曲家对于人生、情感和世界的理解和思考。
它们在音乐史上占据着重要的地位，成为了钢琴音乐中不可忽视的一部分。
浅析浪漫主义绘画艺术特点及与其他画派的联系
浅析浪漫主义绘画艺术特点及与其他画派的联系作者：魏佳欢来源：《中国民族博览》2021年第18期【摘要】意大利的新兴城市威尼斯在文艺复兴晚期开始崛起，并开始迅速的发展。
艺术家们也随着佛罗伦萨的衰败不断转移到威尼斯，从而让威尼斯艺术更快、更繁荣的发展了起来，也因此不断形成了自己画派所独有的风格。
随着威尼斯画派绘画布局的改变，也对之后的一些艺术流派产生了比较深的影响，如巴洛克艺术。
19世纪爆发了资产阶级大革命，就使欧洲变为了文化、经济、艺术的中心。
再一次轰动欧洲的就是浪漫主义思潮的爆发，并且产生了新的绘画形式和特点，在思想上发挥人性，反对封建压迫，也没有了新古典主义非常刻板的特点，绘画的形式也开始变的丰富起来，不管是画面的背景还是对色彩的大胆运用，画面中均体现了画家们的思想感情，使得绘画的主观意识得到发展，而且在各个方面也对后期的现代艺术的形成和发展也有着重要的意义。
本文以威尼斯画派为起点，以浪漫主义画派为主线来对这段艺术史进行浅显的分析与研究。
【关键词】威尼斯画派；浪漫主义画派；绘画特点；美学特点；对后世的影响【中图分类号】J622 【文献标识码】A 【文章编号】1007-4198（2021）18-177-03【本文著录格式】魏佳欢.浅析浪漫主义绘画艺术特点及与其他画派的联系[J].中国民族博览，2021，9（18）：177-179.一、浪漫主义的发展（一）威尼斯画派至浪漫主义画派绘画技法的探究1. 15世纪绘画技法的研究在中世纪，艺术以为教会服务为主。
因为那时候一大部分的信徒是没有文化的，所以会利用逼真的雕塑来进行教化。
有如格雷戈里大教皇说过的，绘画对文盲可以起到的作用就是文章对识字的人能起到的作用。
在中世纪最主要的画种是镶嵌壁画，从大概在公元前520年的镶嵌壁画作品《面包和鱼的奇迹》中，能看到作者用的是有着不同色彩的石头块拼接而成的，来表现不同部分和区域的颜色。
对人物的造型来说，这种方法不是最原始的，更不是最简单的，而是希腊绘画手法中逐渐发展的方法。
文学浪漫主义时期总结思想
文学浪漫主义时期总结思想文学浪漫主义是19世纪初兴起的一种文化思潮，主要影响了欧洲的文学、艺术和哲学领域。
它反对启蒙思想的理性主义和实用主义观念，强调个体情感、想象力和精神追求。
本文将总结文学浪漫主义时期的思想，并探讨其对后世文学艺术的影响。
首先，文学浪漫主义强调了个体情感和内心体验的重要性。
浪漫主义作家们认为，人性是复杂多样的，无法被简单的理性化或标准化。
他们试图通过刻画个体的情感体验，揭示人类内心深处的矛盾、欲望和冲突。
例如，德国诗人歌德的《少年维特的烦恼》中，主人公维特情感丰富而复杂，经历了爱恋、欲望和精神困惑等一系列心理冲突，展示了个体情感的丰富性。
其次，文学浪漫主义强调了想象力和幻想的力量。
浪漫主义作家们相信想象力是人类最宝贵的才能之一，可以超越理性的局限，创造出富有感官和情感冲击力的作品。
他们倾向于描述神秘、超自然和幻想的故事情节，以引发读者的瞩目和情感共鸣。
例如，英国作家雪莱的长诗《弗兰肯斯坦》讲述了一个医学生创造了一个怪物的故事，揭示了科学与人性、人类责任等问题，并运用了浪漫主义想象力的手法。
第三，文学浪漫主义强调了对自然和传统的追溯和崇拜。
浪漫主义作家们反对启蒙时代对自然的过分理性化和机械化，强调自然的美和原始的力量。
他们也试图通过对传统文化和艺术的回顾和批判，探求新的启示和灵感。
例如，英国诗人拜伦对希腊神话和民族传说的热衷，引发了一系列探讨虚幻、文化认同和个体自由的作品。
此外，文学浪漫主义强调了个体和自由的价值。
浪漫主义作家们反对社会制度的压抑和束缚，倡导个体的自由发展和追求。
他们批评当时社会中存在的不公正和剥削，并试图通过文学艺术的形式，唤起公众对个体自由权利的关注。
例如，法国作家雨果的《巴黎圣母院》中，描述了以吉卜赛女郎艾丝梅拉达为主人公的故事，揭示了当时社会对异类的歧视和迫害，呼吁对个体的尊重和关心。
文学浪漫主义的影响是深远而持久的。
它不仅推动了19世纪文艺复兴的进程，也对20世纪现代主义文学产生了重要影响。
浅谈浪漫主义时期钢琴作品的风格
浅谈浪漫主义时期钢琴作品的风格浪漫主义时期是欧洲音乐史上一个重要的艺术潮流，它主要流行于19世纪中叶至20世纪初期。
这一时期的音乐作品充满了浪漫主义情感和艺术表达，钢琴作品也不例外。
下面将从旋律、和声以及技巧等方面，浅谈浪漫主义时期钢琴作品的风格。
浪漫主义时期的钢琴作品在旋律方面表现出了丰富多样的特点。
音乐的旋律多情感丰富，富有浓郁的个人色彩。
这些旋律情感真挚，既表达了作曲家内心的喜怒哀乐，又能够触动听众的情感共鸣。
浪漫主义时期的钢琴作品的旋律具有浓烈的表现力，既可以激昂奔放，也可以柔情脉脉。
旋律线条复杂且具有变化多样的变化，使得作品更具艺术张力和表现力。
和声是音乐作品中的重要组成部分，浪漫主义时期的钢琴作品也充分展示了和声表达的特点。
浪漫主义时期的钢琴作品的和声多样化，丰富多彩。
作曲家以丰富的和弦和和声的技巧，使得作品更具个性和鲜明的特点。
和声的运用充分展示了作曲家的想象力和创造力。
他们不拘泥于传统的和声规则，大胆地运用各种和弦进行和进行式，从而创造出丰富多变、富有想象力的音乐效果。
浪漫主义时期的钢琴作品还注重声部之间的交替和旋律与伴奏的巧妙结合，使得作品更加丰富多样。
技巧是钢琴作品中一个重要的方面，浪漫主义时期的钢琴作品在技巧方面也表现出了独特的特点。
浪漫主义时期的钢琴作品追求技巧的完美性。
作曲家通过复杂的音阶、琶音、装饰音等技巧，展示了钢琴的技巧与表现力。
浪漫主义时期的钢琴作品注重弦音和颤音的运用。
这些技巧使得作品细腻而丰富，增加了作品的表现力。
浪漫主义时期的钢琴作品还注重了对音色的追求。
作曲家运用不同的手指力量和抬手的高低，使得作品的音色更加丰满，带来更加丰富的音乐体验。
浪漫主义时期的钢琴作品充满了浓郁的个人情感和艺术表达。
作曲家通过丰富多样的旋律、和声以及技巧表现了他们内心世界的丰富性和多样性。
这些音乐作品不仅展示了浪漫主义时期的艺术风格和特点，也对后世的音乐创作产生了深远的影响。
文学与文化探讨不同文化间的共通之处
文学与文化探讨不同文化间的共通之处文化是指人类社会在长期历史发展中逐渐形成的某一具体社会共同体的思想观念、道德规范、艺术审美和生活方式等各个方面的综合体。
而文学则是文化的重要组成部分，是通过语言文字来表达和传递文化内涵的艺术形式。
不同文化间存在着各自独特的特点和表现方式，但同时也有一些共通之处。
本文将探讨不同文化间的共通之处，并通过文学作为载体，来揭示这种共通性。
一、人性的共同性无论是何种文化，人类的本质或人性是共通的。
在文学作品中，人类的欢乐、悲伤、爱恨、友情等情感主题在不同文化中都有所呈现。
例如，中国古代文学中的《红楼梦》、英国文学中的《傲慢与偏见》等作品，都以人性的普遍性为基础，深入探讨了人类的情感世界。
这些作品包含了各种文化中普遍存在的人类体验，让不同文化的读者能够产生共鸣。
二、道德观念的共识不同文化之间的道德观念虽有差异，但道德的存在和重要性却是普遍共识的。
无论是中国文化中的儒家思想，还是西方文化中的基督教伦理观念，都强调了人们应该秉持正义、仁爱和公正等核心价值观。
文学作为一种表达方式，常常被用来探索道德问题，并通过故事的情节和角色的行为，传达对道德的思考。
例如，英国文学家狄更斯的小说《雾都孤儿》以孤儿与社会之间的冲突为主线，深刻地反映了道德与社会问题，引起了社会的共鸣和反思。
三、对于美的追求文学和文化都是人类对美的追求的重要表现形式。
无论是中西方文化，都对于美的追求具有共通之处。
文学作为一种艺术形式，通过对语言和形象的选择和安排，表达了人们对美的渴望和追求。
例如，中国古代文学中的诗词、宋词等作品表达了东方文化对于自然之美、人文之美的崇拜；而西方文学中的莎士比亚的戏剧作品以及法国文学中的浪漫主义诗歌等，展现了西方文化中对于爱情、英雄主义和自由的追求。
尽管表现方式各异，但对于美的追求是人类文明共通的特征。
四、对历史的关注不同文化都有对历史的关注，因为历史是不同文化之间的沉淀和传承。
文学作为记录历史的一种手段，通过对历史事件和人物的描述，反映了不同文化对于历史的记忆和承认。
探讨不同作品之间的异同和特点
探讨不同作品之间的异同和特点文学作品是人类文化的重要组成部分，每个作品都有其独特的特点和风格。
本文将探讨不同作品之间的异同和特点，以深入了解文学作品的多样性。
1. 风格与主题的差异不同作品之间最明显的差异在于其风格和主题。
风格是作品的语言、结构和叙述方式等方面的表现，而主题则是作品所探讨的核心内容。
举例来说，一部现实主义小说和一首浪漫主义诗歌在风格上会有明显的不同，前者以客观、冷静的叙述方式呈现生活中的普通人物和事件，后者则强调个人情感和幻想的抒发。
虽然具有不同的风格和主题，但都能在读者中产生共鸣和体验。
2. 文体的差异作品的文体也是其区别的重要方面。
文体包括小说、诗歌、散文等多种形式，每种文体都有其独特的特点和表达方式。
例如，小说通过故事的叙述展现人物的内心世界和人生经历，诗歌则借助音乐性的语言和形象的意象唤起读者的感官和情感。
不同的文体给作品赋予了不同的审美和阅读体验，读者可以根据自己的兴趣和喜好选择适合自己的文体。
3. 时代背景与思想价值的影响作品的时代背景和思想价值也会对其呈现出不同的特点和意义。
不同时代的作品反映了当时社会、政治和文化等方面的变化和发展，体现了作家们的观念和思想。
例如，20世纪初期的现代主义文学注重对传统观念的颠覆和新颖的表现形式，而20世纪后期的后现代主义文学则关注语言游戏和解构现实的实验性写作。
不同时代的作品会以不同的方式思考和呈现人类的存在和价值。
4. 作品之间的共通性虽然作品之间有很多差异和特点，但也有一些共通之处。
首先，作品都是通过艺术语言表达创作者的思想和情感，通过文字和形象与读者产生共鸣。
其次，作品都有其独特的美学特点和审美价值，能够给读者带来审美享受和艺术欣赏。
最后，作品都具有一定的意义和影响力，能够引发读者对社会、人生和文化等方面的思考和讨论。
在探讨不同作品之间的异同和特点时，我们可以通过对比和对话的方式进行，挖掘作品表达的核心内容和审美特点。
通过深入了解不同作品之间的差异和共通之处，我们能够更好地欣赏和理解文学作品的多样性，并从中汲取思想和灵感。
艺术创作和艺术接受的情境统一性
艺术创作和艺术接受的情境统一性艺术创作和艺术接受的情境统一性是指作品的创作和接受受到艺术家、观众、文化背景以及社会环境等因素综合影响，创作和接受的情境不可分割。
在艺术创作过程中，艺术家受到他所处的社会、文化和历史背景的影响，同时自身的生活经验和审美观念也是不可或缺的因素。
在艺术作品被展出或表演时，观众所处的文化背景、经验和态度等也会影响其对作品的理解和感受。
首先，艺术创作的情境统一性体现在艺术家创作过程中所面对的社会、文化和历史背景对作品的影响上。
艺术家所处的时代和环境往往对其思想、表达方式以及艺术风格等产生深刻影响。
例如中国的文艺复兴时期，随着新文化运动的兴起，一批新兴作家以及艺术家开始将西方文化和现代化观念引入到传统的文学和艺术领域中。
这些作品在一定程度上颠覆了传统的文化价值观，同时也极大地拓展了文学和艺术的表达方式。
其次，艺术创作的情境统一性还表现在艺术家自身的生活经验、思想以及审美观念等对作品创作过程的影响上。
艺术家的创作往往源于自身的情感和生活经验，这些因素塑造了艺术家的世界观以及创作风格。
例如中国当代杂技大师吕承浩的创作灵感就来源于他童年时在杂技界的经历和对传统文化的热爱。
他通过自身的艺术实践，将传统杂技舞台所表达的民族风情和时代精神融入到了自己的创作中。
同样，刘心武的《黄土高坡》也是他自身家庭的经历和对国家的向往所孕育出的作品。
这些作品的意义不仅在于其本身的艺术价值，更是一种表达艺术家内心情感和思考的渠道。
最后，艺术接受的情境统一性也是非常重要的。
观众的文化背景、经验以及态度等都会对作品的理解和感受产生不同的影响。
观众所处的文化背景和社会环境也会对作品的传播和接受产生一定的影响。
例如，中国现代音乐在上世纪80年代被引进，海外的作曲家为了适应亚洲听众的文化差异，创作了很多融合了中国乐器和音乐元素的作品。
这些作品的创作，首要的目的就是让亚洲听众更能够接受以及理解西方音乐。
欧洲浪漫主义时期音乐与绘画作品审美元素相似性探究
312012 · 02艺术学理论ART EDUCATION 明确提出并加以系统论述，这一看似中国独有的观点所倡导的“以形写神”其实与古希腊杰出的思想家苏格拉底曾就“传神”阐明的观点不谋而合，苏格拉底认为，“一件好的艺术作品除了要具备各种美的要素还要能够将此作品的精神给反映出来。
”实践表现方面：如北齐画家曹仲达所表现的人物，其衣服褶纹用笔稠叠，衣带紧窄，紧贴身上，仿佛刚从水中出来一般。
而古希腊浮雕作品中，路德维希宝座《阿芙洛狄忒的诞生》中爱与美之神阿芙洛狄忒被海水浸湿的衣裳刻画得极为细腻，紧贴身体。
似乎为“曹衣出水”作了注释，盛唐杰出画家吴道子所画人物的衣带临风飞扬，飘逸洒脱。
而卢浮宫三大镇馆之宝之一古希腊雕像《胜利女神》中的女神从肩到脚的衣褶被刻画得迎风招展、衣带飘扬，极富动感，也似乎为“吴带当风”作了注释；又如中国艺术家善于学习西洋的画法，现代国画大师李可染，可以说其画深受伦勃朗的影响，用素描方法画国画，将光引入中国画，在作品中经常有像伦勃朗《戴金盔的人》中那样的经典用光。
反之西方许多画家也善于吸收中国画的精髓，如莫奈名画《睡莲》，画幅很长，没有明确的焦点，可以看得出是借鉴了中国绘画中的散点透视。
当然诸如以上的契合点不胜枚举，中西审美虽然性质不同，但是可以寻求其共性，因而可以互相交流、借鉴，共同发展，具有可融合性。
（二）中西审美文化的异质同构似乎中西审美文化有着难以弥合的鸿沟。
其实不然。
例如英国雕塑大家亨利・摩尔的几件极具强烈的超现实主义风格的大型作品曾放置在北京的饱含经典韵味的古代园林北海公园内进行展示，西方现代雕塑置于中国古代园林中，产生出了一种异质同构、相得益彰的审美和谐。
建设湖南省的“两型”社会可以从诸如以上例子中探寻一些有益的启示，用全球文化视野来审视和建设湖南省的“两型”社会。
异质同构其前提是承认中西审美文化都有其合理性，并且需承认其具有共同性，其实从宏观来看其审美终极目标还是一致的，所谓体异而性通。
论浪漫主义对当下艺术创作的影响及意义
论浪漫主义对当下艺术创作的影响及意义
浪漫主义是一种西方文化，产生于18世纪末期至19世纪初期，由此，可以理解浪漫主义
在当下艺术创作中是多么重要，也可以证明其对于当今艺术创作的重要影响。
首先，浪漫主义赋予了当下艺术创作更多的独立性，浪漫主义的理念鼓励艺术家勇于挑战
权威，打破传统的界限，以其独特的自我觉醒风格和创新思维，开创全新的艺术表达空间。
无论是视觉艺术、雕塑艺术还是文学艺术，浪漫主义的影响都在当下的艺术创作中凸显出来。
其次，浪漫主义也推动了当下艺术创作的多元宽容化和流动性，而且，由此形成了一
个跨越文化或时代的特质，这也就是为什么当今很多艺术家创作中既有中国传统艺术的影子，也有新时期的多元文化的基础，这正是浪漫主义的重要影响之一。
最后，浪漫主义的影响也使当下艺术变得更加具有政治意识和情感冲击力，更加关注人与
世界间的联系关系，探讨人性及其特性，甚至发出自己独特的艺术声音，追求更高的社会
关怀和文化包容度。
总之，浪漫主义对当下艺术创作产生了积极而深远的影响，促进了艺术自由度的提高，使
得艺术表达得以更加深刻而有活力，正是浪漫主义精神使当下艺术创作更加富有意义和前
瞻性。
第三节 各门艺术之间的关系
二、艺术在分化与综合中发展 艺术在自身的发展中，不断地经历着分化与综合 的过程。诗歌和音乐从原始歌舞艺术中分离出来，成 为各自独立的艺术门类，这可能是第一次分化。文学 在诗歌之后，又出现了散文，继而出现了小说、戏剧 文学等。音乐逐渐形成器乐和声乐两大部分，其中器 乐又发展为各自演奏形式，直到规模较大的交响乐； 声乐也形成了许多样式，与戏剧结合，产生了歌剧。 舞蹈也在发展中形成了独舞、双人舞、群舞和舞剧等 等。
第三节 各门艺术之间的关系
一、各种艺术的相互联系 艺术各门类之间的关系，不知是相互区别、相互 独立，而又是相互联系和相互通融的。如电影艺术， 综合了摄影、文学、戏剧表演和美术、音乐等多种因 素。不同的艺术门类能够相互联系并结合在一起，是 因为：1、有共同的本质，即都是客观世界在人的意 识领域的审美反映，都是以感性形象来反映世界。2、 不同的艺术门类之间具有共同的特点。如雕塑和建筑 都是在空间展示的，同属于空间艺术。3、有些艺术 门类表现方式或功能有不可分离的关系，如舞蹈和音 乐。
各门艺术之间的相互联系
各门艺术之间的相互联系导言艺术是一种表达和传达情感、思想和价值观的方式。
在艺术的世界里，各门艺术形式之间存在着紧密的联系。
绘画、音乐、舞蹈、戏剧等艺术形式不仅可以相互影响，而且常常相互交叉，互为表现手法和创作灵感的源泉。
本文将探讨各门艺术之间的相互联系，揭示它们之间的共同点和相互启发。
艺术与艺术之间的互相借鉴不同艺术形式之间的相互借鉴和影响是艺术创作中常见的现象。
绘画可以通过舞蹈和音乐来获得灵感，舞蹈可以从戏剧和电影中汲取表现手法。
许多艺术家都喜欢在自己的作品中结合多种艺术形式，以丰富表现效果。
比如，一幅画作中可以融入音乐元素，为观众提供声音与视觉上的双重享受；舞蹈演出中可以融入影像和动画效果，增加视觉冲击力。
艺术家的创作过程中，常常会从其他艺术作品中获得灵感。
一个音乐家可能会从一幅画作中找到旋律的灵感，一个舞蹈编导可能会受到一部电影的构图和表现手法的启发。
这些相互借鉴和影响的过程促使艺术作品之间产生了相似性和关联性，使艺术创作呈现出多样性和互动性。
艺术之间的共同元素各门艺术形式之间存在着许多共同的元素和特征，这些共同点是它们之间相互联系的基础。
以下是一些常见的艺术元素：1. 表达情感和思想所有艺术形式的共同目标是通过作品表达情感和思想。
无论是绘画、音乐、舞蹈还是戏剧，艺术家都试图通过自己的作品传递内心的感受和思考。
艺术作品可以激发观众的共鸣，引发共同的情感体验。
2. 形式和结构艺术作品有着自己的形式和结构。
绘画通过线条、色彩和构图表现出画面的组织方式；音乐通过旋律、和声和节奏来构建音乐结构；舞蹈通过动作的编排和舞台布景来呈现舞蹈的形式；戏剧通过剧本的结构和角色的互动来构建故事情节。
虽然不同艺术形式在形式和结构上有所不同，但它们共同追求对艺术作品的组织和安排。
3. 创意和想象力艺术创作需要艺术家的创意和想象力。
无论是创作一幅画作、谱写一曲音乐还是编排一段舞蹈，艺术家需要发挥自己的创造力，创造出独特的作品。
举例说明艺术形象中的感性和理性的统一
举例说明艺术形象中的感性和理性的统一艺术形象一般指艺术作品所呈现的如人体姿态、行为、动作、事件、物品、符号图景等可以用艺术语言指称的意象或意象世界。
任何艺术情思都要通过一种具体的可感知的符号体系所组成的现象形态作用于欣赏者感官。
像克罗齐所说的“直觉即表现”，忽略了艺术传达的作用，在实际的审美交流中是行不通的。
关于艺术的形象性，可以从以下几点去分析。
一、艺术形象是内容与形式的统一艺术形象，它的表面语言是形式的集合，其内在含义是这些形式语言符号作为一个整体想要传达的思想。
两者合二为一。
形式和内容是共生的关系。
形式必须精确严谨，才能流畅，形神兼备，内容必须深刻，才能充满情感和乐趣，两者缺一不可。
因此，在任何艺术作品中，艺术形象都是内容和形式的统一。
二、艺术形象是个性和共性的统一纵观中外艺术宝库中浩如烟海的艺术作品，凡是成功的艺术形象，无不具有鲜明而独特的个性，同时又具有丰富而广泛的社会概括性。
正是因为这些艺术形象达到了个性与共性的高度统一，才能具有不朽的艺术生命力。
例如阿Q这个形象，不仅具有生动的性格特点，具有极为深刻的性格内涵，还从一个侧面反映了那个特定的时代并概括出全民族的国民性弱点。
再如《水浒传》中勇猛鲁莽、见义勇为的鲁智深，秉性刚烈、性格倔强的武松，脾气暴躁、心地善良的李逵。
无不是个性与共性统一的形象。
三、艺术形象是主观和客观的统艺术形象是对社会生活的再现和反映，作为具体的感性的符号序列是客观的，同时艺术符号必然蕴含着主体情感。
清代文论家章学诚将形象分为“天地自然之象”和“人心营构之象”，前者是物象，是自然存在的、客观的；后者则是作品中的形象，是人为创造的产物，这种形象虽然是人为的，但最终还是对客观物象曲折的反映。
因此，章学诚说：“人心营构之象，亦处于天地自然之象也”。
由此可见，艺术形象是主观与客观的统一。
四、艺术形象是真实和假定的统一艺术形象一方面是假定的，不是现实生活，甚至有的与生活本身逻辑都不一致；但另一方面，它又来自生活，使人联想起生活，使人感到比现实更为真实。
各种艺术的相互联系论
一 吸收与借鉴
一种艺术，经常会从其他艺术中吸收自己 需要的东西。例如不少的电影和电视剧， 利用了文学作品中的题材内容，也就是把 文学作业进行了“改编”。在其他艺术门 类中，这种情况也是常见的。在另一种情 况下，一种艺术并不直接利用他种艺术艺 术的题材内容或其它因素，而只是从他种 艺术所创造的境界或形式等方面得到借鉴 或起示。
二 配合
两种或两种以上的艺术出现在一 件作品中，形成统一和谐的整体， 但是并不改变各自的性质。 例如在中国画中，经常配上题诗， 诗与画相得益彰，但是诗与画仍 然保持着各自原有的性质，并没 有变成第三种艺术。
这种方式，诗两种以上的艺术结合成为一个整体，不可分离， 也没有各自独立的价值。 例如原始艺术中，诗，歌，舞的”三位一体“，就是这种情况。 这种结合的方式，不能理解为几种不同的艺术类型的相加，而 是几种艺术因素的融合。在这种情况下，可能会产生新的艺术 品种。 例如文学性质的歌词和音乐性质的曲调之间的结合就成了歌曲。
例如著名的德国音乐家舒曼说：”有教养 的音乐家能从拉斐尔的圣母像得到不少启 示。同样美术家可以从莫扎特的交响乐获 益不浅
如上所述，一种艺术从他种艺术中，或者 吸取某种实质性的成分，或者只是在象形 手法等方面得到启示和借鉴，从而形成相 互间的联系关系。这种联系方式，是一种 艺术从它本身的需用出发，吸收或借鉴了 其它艺术的某些因素，并不改变它自身独 立的性质。它的联系，例 如苏州园林中，就是园林和建筑两种 因素结合成一体的，亭台门廊等建筑 就是整个园林的组成部分，其他部分 如水石花木，也不能离开这些建筑而 独立存在的。看来。两种艺术因素的 结合是否产生新的艺术形式，成为第 三种艺术，还需要进行具体分析。
浪漫主义对文艺的影响
浪漫主义对文艺的影响浪漫主义是一种思潮，起源于18世纪末的欧洲，对文艺产生了深远的影响。
它强调个人情感、内心体验和对自然的热爱，与理性主义和启蒙思想形成鲜明对比。
浪漫主义的兴起使得文艺作品更加注重情感表达和个体体验，对后世的文艺创作产生了深远的影响。
首先，浪漫主义赋予了文艺作品更加丰富的情感表达。
在浪漫主义的背景下，文艺作品不再仅仅是理性思考和道德教化的工具，而是通过情感的表达来触动读者的内心。
浪漫主义文艺作品强调个人情感和内心体验，通过对爱情、友谊、孤独等情感的描绘，使读者能够更加深刻地感受到作品中所传递的情感。
例如，浪漫主义诗人拜伦的《唐璜》中，描绘了一个英雄形象，他的痛苦和孤独引发了读者对于人性的思考和对于孤独的共鸣。
这种情感的表达使得文艺作品更加贴近人们的内心世界，引发了读者的共鸣和思考。
其次，浪漫主义注重个体体验，强调对自然的热爱。
在浪漫主义的影响下，文艺作品开始关注个体的感受和体验，通过对自然的描绘来表达对自然的热爱和敬畏之情。
浪漫主义文艺作品中常常出现对大自然的描绘，通过对自然景色的描绘和对自然力量的崇拜，使作品具有了一种宏大和壮丽的气息。
例如，浪漫主义画家康斯特布尔的作品《莫尔斯湾的浪漫》中，通过对大自然的描绘和对海洋的赞美，使作品充满了浪漫的情感和自然的美感。
这种对自然的热爱和对个体体验的关注，使得文艺作品更加丰富多样，呈现出了独特的风格和气质。
此外，浪漫主义对文艺创作的形式和结构也产生了影响。
浪漫主义文艺作品常常具有夸张、奇特和幻想的特点，它们打破了传统的文艺形式和结构，追求独特的艺术表现方式。
例如，浪漫主义音乐家肖邦的作品中，常常出现富有激情和变化多样的旋律，打破了传统音乐的规则和限制。
这种形式和结构的突破使得文艺作品更加富有创造力和个性化，使得文艺创作呈现出了更加多样化的面貌。
总的来说，浪漫主义对文艺的影响是多方面的。
它赋予了文艺作品更加丰富的情感表达，使得作品能够更加深刻地触动读者的内心；它注重个体体验和对自然的热爱，使得作品具有了更加独特的风格和气质；它打破了传统的形式和结构，追求独特的艺术表现方式。
对音乐艺术与绘画艺术共通性的阐释
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从浪漫主义思潮的角度来看各种艺术的共通性
作者：周丕华
来源：《青年文学家》2009年第07期
摘要：浪漫主义思潮在文艺界的一种创作态度，它在创作思想上所崇尚个人的主观性，追求思想的自由解放，在创作手法上大胆想象和夸张，是所有艺术门类的共性所在。
关键词：浪漫主义主观性夸张手法
【中图分类号】J110 【文献标识码】A 【文章编号】1002-2139（2009）-07-0095-01
浪漫主义是18世纪末在西方兴起的一种文学思潮和运动，并在十九世纪上半期得以发展和繁荣，逐步表现在各个文学艺术领域。
浪漫主义作为一种对理性主义的反动，表现人类感情世界成为主要的不可缺少的部分。
它反对理性、反对形式和抽象，热情歌颂情感、崇尚自然，接近民众生活……正如黑格尔所说，是“真正的内容是绝对的内心生活”。
浪漫主义在艺术上强调个人的主体性和情感、全力去揭示人的心灵和独特的自我，去追寻每个人内心的理想美而不再把自然作为原型。
浪漫主义艺术家们始终在追求一种超乎完美、离奇、多姿多彩的境界。
正如法国浪漫主义作家雨果说过的一段话：“诗人的两只眼睛，其一注视人类，其一注视大自然。
他的前一只眼叫做观察，后一只眼称为想象。
”故浪漫主义具有两个最重要的特征：一是塑造向往的形象来表现理想，具有强烈的主观性；二是采用极其夸张的手法来塑造形象。
艺术是各种艺术种类和艺术作品的总称，音乐、美术、建筑、诗歌、小说等不同门类的艺术好比是一棵大树上的不同分枝。
所有门类的艺术学科，都源于心灵的写照，映射着较强的主观性；情感越是强烈，表现手法就越是夸张，形象的个性特征就越是明显，但是各艺术门类之间又有着天然的共通性。
所谓“共通性”中的“通”的就是指成就差异以达成沟通，这个“通”的精神就是在承认个性和差异之上的互用的原则。
浪漫主义作为一种思潮，必然渗透到各个艺术门类中，这种共通性之一就是——鲜明的浪漫主义色彩。
一、强调主观性
就鲜明的主观性而言，各类艺术都把表达个人感受、抒发内心感情放在首位，而以此作为创作的动力或目的，并强调这种主观的个人情感必须是真实的，这种思想流露是绝对自由的、不受世俗的约束：张艺谋《卧虎藏龙》到冯小刚的《天下无贼》；从杨丽萍的《蹁跹的鸢尾花》闵锐的《起跑线》；从达芬奇的《蒙娜丽莎》到董希文的《开国大典》，从莎士比亚的《罗密欧与朱丽叶》到鲁迅的《孔乙己》……一切艺术都离不开这种“浪漫”的创作构想。
这种
“浪漫”的共通性在绘画艺术领域里得到充分了的展现，如著名油画家张冬峰，在他的作品里，画家大胆想象，打破传统油画对光影和色彩的运用，热情的描绘漓江秀美山水。
任何一位观者都会被他作品中传递出的浓郁的乡情和对生活的热爱之情深深打动。
而这种主观情感的宣泄不是幻想或假设出来的，而是一种自然的真实体验，是一种毫不掩饰的真实，正如意大利学者利奥奈洛·文杜里所说:“浪漫主义绘画的任务就是要把感情从真正的或是假设出来的理性‘法则’中解救出来，它企图接受和认识一切躲避了理性认识的东西，它力求洞察一切秘密，承认了幻想的权利，而不害怕放纵自己的幻想;古代的神话不再是理想主义的概念，而变成了感情的象征。
浪漫主义的绘画以动态对抗静止;以不尽工整对抗极端的工整;以强烈的主观性对抗过分的客观性;以空气对抗严密;以光线效果对抗物体;以变化无穷对抗僵化的完美。
”作为表现各门类艺术的艺术家们，作为创作的主体，本身对生活有着敏感的体察能力，所以，必然包含激情的要去表达对生活中各种事物的不同感知。
二、夸张的手法
就表现手法上来说，各类艺术都采用了浪漫主义夸张等艺术手法。
因为主观的情感常常是通过塑造出一个具有代表性的典型形象来传达的，但这种理想中的形象往往与现实是有一定差距的，艺术家必须通过充分的想象力来夸大他所要描绘的对象来寄托自己的情感。
比如最具个性的印象派画家凡高，在他的作品《向日葵》里，凡高便用了极具变化扭曲地笔触，用各种鲜艳跳跃的黄色来刻画出一支支生气勃勃的向日葵，而这些向日葵的造型和色彩都是现实生活中本身不存在的，但它们富有很强的个性特征，强烈的视觉冲击力正好抒发画家凡高对生活的渴求，和一颗长期被痛苦、疾病、贫穷压抑的灵魂。
再如中国伟大的文学家和革命家鲁迅先生，目睹处在水深火热之中的麻木的千千万万民众，深感焦急。
为了表达他忧国忧民的思想，便在他的作品中塑造了一个典型的阿Q形象来唤醒沉睡的中国人。
他所塑造阿Q形象从外在服饰和内在的个性特征，都是通过了一系列的夸张手法的。
所以说，任何鲜明个性的艺术形象都是离不开夸张，越是强烈的个人情感就得依附更具夸张性的艺术形象来表现，也才能更深刻地表现其主观愿望，抒发个人感受，也必须用夸张的手法把愿望说得美好，把感受抒发得强烈；塑造实际生活中不存在的向往的形象，描写非凡的离奇情节，都是非用夸张的手法不能达到目的的。
但艺术惯用夸张的表现手法是一个广义的概念，它常常又是通过充分的想象力然后再次是塑造一个象征性的形象来表现的。
想象，指在人头脑中对一致的事物形象进行加工，重新组合而船夫造出新的艺术形象。
英国浪漫主义小说家指出：“成功的小说家都多少得是一个诗人，哪怕他一行诗都没有写过，想象这个特点是塔绝对不可少的。
”因为在艺术家们看来，现实存在的事物总是和他们想像中的相差太远，所以必须通过丰富的，离奇的想象力来塑造理想中的形象。
《西游记》里的孙悟空是公认的浪漫主义的典型人物。
它深入人心、因为这是人民向往的形象，它的性格大多是广大群众理想的东西．这个形象具有象征性，它象征着反抗者的战斗精神和高贵品质。
这个形象具有鲜明的个性，它的机智、勇敢、抗暴、扶危等都以特别的方式表现出来。
所以说，浪漫主义思潮在各个艺术门类都得以归依，使得他们在情感的体现和表现手法上得以沟通。
综上所述，一切艺术创作都源于创作者情感的宣泄，由于客观或主观方面的因素，这种寄托与创作的情感有所差异；同样，一切艺术的形式都要通过一定的手法来表现，人为的手法都离不开通过想象了的夸张，那种纯粹的理性创作是不存在的。
参考文献：
[1] 田文信，论浪漫主义「M」北京:文化艺术出版社,1988。
[2] (法)热拉尔·勒格朗，浪漫主义艺术「M」，长春:吉林美术出版社， 2002。
[3] 霍绪德，巴洛克光影的回归与复活「J」，美术大观,,2006（09）。