进入到局内人的音乐制造的思维之中——音乐本体的认知分析
民族音乐学三个研究阶段中的音乐民族志写作
19SONG OF YELLOW RIVER 2021/ 24民族音乐学三个研究阶段中的音乐民族志写作岳贵扬摘 要：民族音乐学在产生发展的过程中，以埃利斯的比较音乐学为起点，孔斯特的《音乐学》确立学科名称，王光祈将其由国外传至国内，在1980年南京会议的召开呈现出欣欣向荣的局面。
在此过程中，民族音乐学的研究范畴经历了音乐本体——音乐文化——人类行为的研究范围扩大的发展历程。
音乐民族志的写作也随之更为丰富多样，本文结合笔者在学习过程中所感，在阅读萧梅以及陈孝余的两篇文章中对于音乐民族志写作的观点中得到启示，探讨感性认识与理性认识在民族音乐学三个不同发展阶段的体现对音乐民族志写作中的不同作用，并对其中存在的问题进行细致分析，以期对音乐民族志提出自己的思考。
主要分为音乐本体研究阶段、音乐文化研究阶段，人类研究阶段。
希望能够对音乐民族志写作起到一定的借鉴和参考意义。
关键词：民族音乐学；音乐民族志；思考与认识中图分类号：J607 文献标识码：A作者简介：岳贵扬（1995-），男，广州大学硕士研究生。
引 言民族音乐学的产生与发展，于1885年以埃利斯发表的《论各民族的音阶》为起点，以1950年孔斯特的《音乐学》确立学科名称。
传入中国后王光祈先生发表《东西乐制之研究》和《东方民族之音乐》，以比较音乐学的形式在中国传播发展，至1980年的南京会议为界，学科发展便呈现出欣欣向荣的局面。
对该学科的称谓出现了比较音乐学、民族音乐学、音乐人类学、音乐民俗学等不同名称，这些不同的名词所指的是相同或相似的学科，由于强调不同侧重点而导致的名称变异，并没有引起学科性质的根本改变。
在此基础上，其研究范围伴随着时间的推移而不断扩大，经历了由音乐本体研究到音乐文化研究再到人类行为研究这种层次扩展。
也就是从最初的音、音阶、音体系的比较研究提升到乐器及其历史与分类、音乐起源等音乐本体性研究，然后再逐渐转变为音乐文化、人类行为研究。
这体现了研究者们研究视野更加扩展，看待问题更为全面，实现了由点到线再到面的跨越。
音乐中的整体赏析
音乐中的整体赏析音乐是人类文化的重要组成部分，它有着独特的魅力和力量，能够触动人们的情感、激发人们的思考。
在音乐中，整体赏析是一种全面的、系统性的审美活动，它不仅包括对音乐作品整体结构、曲调、旋律、和声、节奏等方面的分析，还包括对音乐所表达的情感、意义、文化内涵等方面的理解和感悟。
通过整体赏析，人们可以更深入地了解音乐作品，感受到其中蕴含的艺术魅力，丰富自己的审美情趣，提高自己的音乐修养。
首先，整体赏析要注重对音乐作品整体结构的理解和把握。
音乐作品有其独特的结构特点，包括主题的呈现、发展和变化，乐曲的整体布局和发展逻辑等。
整体赏析要通过对这些结构特点的分析，把握音乐作品的整体脉络，理解其内在的逻辑关系和发展规律。
比如，贝多芬的交响曲《第九交响曲》就是一个结构严谨、发展逻辑清晰的典范，通过对其整体结构的理解，可以更好地领略到其宏伟壮丽的艺术风貌。
其次，整体赏析要注重对音乐作品曲调、旋律、和声、节奏等方面的分析和品味。
曲调是音乐作品的灵魂，它直接影响着人们的情感和情绪。
整体赏析要通过对曲调的分析，理解音乐作品所表达的情感和意义。
旋律是音乐作品的灵魂，它直接影响着人们的情感和情绪。
整体赏析要通过对旋律的品味，感受音乐作品所蕴含的艺术魅力。
和声是音乐作品的灵魂，它直接影响着人们的情感和情绪。
整体赏析要通过对和声的分析，理解音乐作品的内在结构和发展规律。
节奏是音乐作品的灵魂，它直接影响着人们的情感和情绪。
整体赏析要通过对节奏的体会，感受音乐作品的韵律美和动感魅力。
比如，肖邦的钢琴曲《军队进行曲》就是一个节奏感强烈、和声丰富、旋律优美的典范，通过对其曲调、旋律、和声、节奏等方面的分析和品味，可以更好地体会到其独特的艺术魅力。
再次，整体赏析要注重对音乐作品所表达的情感、意义、文化内涵等方面的理解和感悟。
音乐是一种抽象的艺术形式，它能够表达丰富的情感和意义，承载着深刻的文化内涵。
整体赏析要通过对音乐作品所表达的情感和意义的理解，感受音乐作品所蕴含的情感力量和思想内涵。
浅谈瓦格纳的“整体艺术”乐剧思想观
浅谈瓦格纳的“整体艺术”乐剧思想观瓦格纳（Richard Wagner）是19世纪德国古典音乐的杰出作曲家和音乐理论家，他的“整体艺术”乐剧思想观在音乐史上有着重要的地位。
他提出了一种将音乐、剧本、舞台设计、舞蹈和表演等元素有机结合在一起的综合艺术形式，旨在创造一种彻底的、统一的艺术体验。
瓦格纳的“整体艺术”乐剧思想观强调剧情与音乐的统一性。
传统的歌剧通常在音乐上与剧情之间存在一种分离的关系，音乐仅仅作为剧情的伴奏或者装饰。
而瓦格纳认为，音乐和剧情应该是相互补充和相互融合的。
他将音乐看作是剧情的表达方式，通过音乐的旋律、和声、节奏和声响等元素，表达和强调剧情中的情感和意义。
瓦格纳追求的是一种“声乐与器乐的完全融合”，使音乐成为讲述故事的一种媒介。
瓦格纳强调舞台效果的重要性。
他认为，舞台效果应该是和剧情、音乐一起联结的一部分，是对剧情和音乐的补充和延伸。
他在舞台设计上注重细节，追求真实感和独创性，力求通过舞台效果来增强剧情的冲击力和观赏性。
瓦格纳的乐剧作品中经常出现大规模的舞台装置、特技表演和虚拟场景等，这些都是他对舞台效果的追求的具体体现。
瓦格纳的“整体艺术”乐剧思想观强调演员的表演能力。
他认为，演员应该能够通过表演来真实地传达剧情和音乐中的情感和意义。
他要求演员要具备传统歌剧演唱的技巧，又要能够在表演中有效地表达角色的情感和内心世界。
他追求的是一种“具有音乐感的表演”，即演员通过对音乐的理解和把握，能够在表演中准确地传达音乐中的情感和意义。
瓦格纳的“整体艺术”乐剧思想观是一种以音乐为核心、剧情、舞台效果和表演为辅的综合艺术形式，旨在创造出一种彻底的、统一的艺术体验。
它对后来的音乐剧和戏剧创作产生了深远的影响，成为音乐剧史上的一座里程碑。
透过电影音乐本体构造了解其功能与作用
透过电影音乐本体构造了解其功能与作用【摘要】电影音乐作为电影中重要的元素，通过其独特的类型与特点，扮演着不可或缺的角色。
它不仅能够在电影中起到情感表达和氛围构建的作用，还能够与影像进行互动，共同传达电影的内涵与情感。
电影音乐的存在，能够深刻影响观众的情绪与思维，帮助他们更深入地理解电影所要传达的信息。
电影音乐对于电影整体表现具有重要性，是电影中不可或缺的一部分。
通过结合音乐，观众能更全面地理解电影的内涵，进一步加深对电影的理解与体验。
由此可见，透过电影音乐的本体构造，能够更深入地理解其功能与作用，也为电影的创作与观赏带来更丰富的体验。
【关键词】电影音乐、构造、功能、作用、类型、特点、功能、互动关系、氛围、观众情绪、重要性、元素、内涵1. 引言1.1 电影音乐的重要性电影音乐是电影制作中不可或缺的重要元素，它具有独特的魅力和功能。
电影音乐可以增强电影情节的表现力，加深角色的情感，烘托氛围，引导观众的情绪，甚至成为电影的灵魂。
通过音乐的选择和运用，电影可以传达更加深刻的主题和情感，使影片更具有感染力和观赏性。
电影音乐的质量和选用恰当与否，直接影响着整部电影的观感和效果。
好的电影音乐能够让观众更深入地融入到电影中，加强情感共鸣，使电影更加生动和震撼。
电影音乐在电影制作和观赏过程中扮演着不可或缺的角色，它是连接影像与观众情感的桥梁，是电影艺术中不可或缺的一部分。
通过研究电影音乐的本体构造，我们可以更深入地了解其功能与作用，进一步提高对电影的欣赏和理解。
1.2 研究目的研究目的：通过对电影音乐本体构造的深入分析和探讨，旨在揭示其在电影中的重要功能和作用，探讨音乐如何通过构造影片的氛围和情绪来增强电影的表现力和观赏性。
通过研究音乐与电影的互动关系和音乐对观众情绪的影响，可以更全面地理解电影音乐在电影制作和观影过程中的重要性。
本研究旨在揭示电影音乐的多样性和独特性，以及其对电影整体表现的重要性，从而为观众提供更深入的电影欣赏体验，进一步拓展对电影艺术的理解和欣赏。
浅谈瓦格纳的“整体艺术”乐剧思想观
浅谈瓦格纳的“整体艺术”乐剧思想观瓦格纳是19世纪德国著名作曲家、剧作家，被誉为音乐剧之父，他的作品深刻影响了后世的音乐、戏剧和艺术。
在其创作生涯中，瓦格纳提出了“整体艺术”乐剧思想观，这一理论不仅对音乐剧发展产生了深远影响，而且对影响了整个戏剧和艺术领域。
本文将就瓦格纳的“整体艺术”乐剧思想观进行深入探讨和分析。
我们需要了解瓦格纳对“整体艺术”的理解。
瓦格纳认为，戏剧是由音乐、剧本、舞台美术和表演等多种艺术元素组成的综合体，他提出的“整体艺术”概念强调了各种艺术形式之间的紧密联系和互相影响。
在瓦格纳看来，只有当这些元素融合在一起，才能营造出完美的艺术效果。
在他的乐剧作品中，音乐、剧本、舞台美术和表演都占据着同等重要的地位，这种全方位的艺术观念成为了他创作的核心理念。
瓦格纳的“整体艺术”乐剧思想观对音乐剧产生了深远的影响。
在瓦格纳之前，音乐剧通常被认为是音乐和剧本的简单结合，剧情和歌曲之间缺乏必要的联系和统一感。
而瓦格纳则通过他的作品，如《尼伯龙根的指环》、《塔恩豪瑟》等，将音乐、剧本、舞台美术和表演有机地结合在一起，创造出了一种全新的音乐剧形式。
他的音乐剧作品不再是简单的歌剧，而是一种综合了多种艺术元素的“整体艺术”表现。
这种全新的音乐剧形式对后世的音乐剧创作产生了深远的影响，使得音乐剧不再局限于音乐和剧本两方面，而是成为一个综合性的艺术表现形式。
除了对音乐剧产生影响外，瓦格纳的“整体艺术”乐剧思想观还对整个戏剧和艺术领域产生了深远影响。
在他的作品中，舞台美术和表演被赋予了重要的地位，成为了整个作品不可或缺的一部分。
瓦格纳甚至设计了自己的剧院，例如拜罗伊特音乐剧节剧院，这座剧院被设计为能够最大限度地满足他对“整体艺术”的追求，使得观众的视听感官得到全方位的刺激。
瓦格纳的“整体艺术”乐剧思想观推动了整个戏剧和艺术领域朝着更加全面、综合的方向发展。
瓦格纳的“整体艺术”乐剧思想观也遭受了一些批评和质疑。
浅议音乐本体分析
进 行听起来好像 是一种必然 的结果 ，很 明显的一种解 决感。随着 时
间的推移 ，这种 从属和弦 日必发展到极 限，我想瓦格纳 的 《 特里斯 坦与伊索尔德 》可 以作为这个 极限的里程碑 ，它是 “ 调 性 ”到 “ 无 调性 ”的过度 ，直到 以勋伯格 为代表 的无调性 的 出现 ，彻 底 的颠覆 了人们 的观念 ，无调性 的作 品中的和弦进行 已经很少体现 出主音 的 关系 ，既不属于 和声调性也不 属于旋律调性 ，可 以说音 乐的连续感 全靠主题动机 的贯穿 以及乐句 的合乎逻辑的构成来维持。 配器 的应 用研 究 ：配器 在 乐 曲中 的重要作 用 不 言而喻 ，学好
Ｖ ７ 一Ｉ） ， 并且屡次变化反复这个 终止 式，做到在和声上 由稳定 到不 稳定 ，力度 上从强到弱 。在 音调上是从高 到低 。在动力 上是从紧 到 松 。这些就 使得主部 的形 象像 是一声声 的叹息 ，仿佛是 在讲述一 个 悲伤的故事 ，在 回忆过去 ，发 出无 限的感慨 。 调性 ，我理解成为调 的性 质，就像不 同的人有不 同的性格 ，调 性的不 同也 决定着乐 曲的不同色彩 。我们所 分析 的大部 分作 品都 是
显 的段 落 感 。 并 且 主 部 是 从 引 子 的 “ 补 充 终 止 ” 开 始 的 （Ｉ ６ 一Ｉ Ｉ ７ 一
音 乐结构是一部作 品的支架 ，帮助我们 从整体上来认 识作品 ， 我们 熟 知的有 单 二部 曲式 、单三 部 曲式 、复二 部 曲式、 复三 部 曲 式 、 回旋 曲式、变 奏 曲式 、奏鸣 曲式 、奏 鸣 回旋 曲式等等 ，对 于 每一种类 型的作 品都有 它独 特的特点 。以奏 鸣 曲式为例 ，奏鸣 曲式 往往适合 于表现戏剧性 内容和交响性构 思的音乐作 品。在 奏鸣 曲式 中，形 象的对 比往往 比较 富裕戏剧性 ，相 互之间常有 内在 的联系和 矛盾 。在 结构上属于三 部性的 曲式 ：呈示部 、展开部 、再 现部 。不 同的作 品对 这其 中细腻 的分配又不一样 ，如歌剧 《 费黛利 奥》 的四 首序 曲均 为奏鸣 曲式 ，但 是每一部作 品对其 中引子 、呈示 部、展开 部 、再现 部和尾声 的小 节分配 ，调性走 向、旋律动机 的不 同调配带
浅谈瓦格纳的“整体艺术”乐剧思想观
浅谈瓦格纳的“整体艺术”乐剧思想观瓦格纳（Richard Wagner）是19世纪德国著名的作曲家、音乐家和戏剧家，他提出的“整体艺术”乐剧思想观对音乐和戏剧的发展产生了深远的影响。
他认为音乐和戏剧是可以融为一体的，通过音乐、剧本、演员、舞台等多个要素共同营造出完整的艺术作品，从而达到艺术的最高境界。
瓦格纳的“整体艺术”乐剧思想观是他对传统歌剧形式的批判和革新。
在19世纪初，歌剧主要是以剧情为主，音乐只是锦上添花，没有和剧情融为一体的尝试。
而瓦格纳提出的“整体艺术”乐剧思想观，首次将音乐与剧情融为一体，不再是剧情引导音乐，而是音乐推动剧情的发展，使得音乐具有更加独立的地位。
在瓦格纳的乐剧作品中，他将音乐和剧情紧密地结合在一起，以音乐为核心，将剧情和角色的情感通过音乐的形式进行表达。
他将歌唱、对话、叙述、合唱等各种音乐形式融合在一起，通过和声的变化、乐曲的节奏、乐器的运用等手法，刻画出角色的性格、情感和剧情的发展。
瓦格纳的乐剧作品还注重舞台效果和舞台布景的设计。
他建议使用大型舞台和高度现实主义的布景，以展现角色和场景的真实性和震撼力。
他还提倡在舞台上使用新颖的特技和效果，以提升观众的体验和观赏价值。
除了音乐和舞台设计，瓦格纳还注重演员的演技和角色的塑造。
他认为演员应该具备音乐、戏剧和舞蹈等多方面的才能，以完美地演绎角色的情感和情节的转折。
他还提倡演员和剧情情节之间的紧密联系，使得演员成为剧情的一部分，与音乐和舞台设计共同构成完整的艺术作品。
瓦格纳的“整体艺术”乐剧思想观不仅对音乐和戏剧产生了深远的影响，也对后世的艺术发展产生了重要的启示。
通过将音乐、剧情、舞台和演员等多个要素融为一体，他提出了一种全新的艺术形式，使得艺术作品具有更加丰富和综合的表现形式。
在当代，瓦格纳的“整体艺术”乐剧思想观仍然有其独特的价值。
在传统的歌剧形式中，音乐往往只是剧情的伴奏，缺乏独立的表现力。
而通过将音乐与剧情融为一体，艺术作品可以更加完善和顺畅地流动。
音乐分析：理解和欣赏音乐作品的内在结构
音乐分析：理解和欣赏音乐作品的内在结构引言音乐作为一种艺术形式，是人类文化的重要组成部分。
无论是古典音乐、流行音乐还是民族音乐，每一种音乐作品都有其独特的内在结构。
理解和欣赏音乐作品的内在结构，可以帮助我们更深入地感受音乐的魅力，提升我们的音乐欣赏能力。
本文将从音乐的元素、形式、和声以及情感表达等方面，对理解和欣赏音乐作品的内在结构进行分析。
1. 音乐的元素音乐的元素包括旋律、节奏、和声、音色和动态。
旋律是音乐的灵魂，是音乐作品中的主线，它通过音符的高低和音符之间的连续性来表达音乐的情感。
节奏是音乐的基础，它决定了音乐的节奏感和节奏的变化。
和声是音乐的支撑，它由不同音符同时发出所形成的音乐效果。
音色是指不同乐器所发出的声音的质地和特点。
动态是音乐的表现力和变化的体现，通过音乐的强弱变化来表达情感。
2. 音乐的形式音乐的形式是指音乐作品在结构上的安排和组织。
常见的音乐形式包括奏鸣曲形式、变奏曲形式、交响曲形式等。
奏鸣曲形式由三个部分组成，即主题部、发展部和再现部。
变奏曲形式是在一个主题的基础上进行变奏和发展。
交响曲形式是由几个乐章组成的，每个乐章有不同的速度和情感表达。
音乐形式的合理性和丰富性是音乐作品得以延续和发展的基础。
3. 和声和声是音乐作品中不同音符之间的关系和组合。
和声的主要要素包括和声学、和声规则和和声效果。
和声学研究的是和声的音响特点和音乐效果。
和声规则是指和声中不同音符之间的关系和组合的规则。
和声效果是指和声在音乐作品中所产生的声音效果，如和声的和谐感、张力感和变化。
和声的运用可以让音乐作品更加丰富多彩，给人以更深的感受。
4. 情感表达音乐是情感的艺术，每一首音乐作品都有其独特的情感表达。
音乐通过旋律、节奏、和声和动态等元素，来表达音乐家的情感和思想。
旋律的高低和变化可以表达音乐家的欢乐、悲伤、爱情等情感。
节奏的快慢和变化可以表达音乐家的激情、紧张等情感。
和声的和谐和张力可以表达音乐家的冲突、动荡等情感。
作曲中如何运用音乐的模块与思维方式
作曲中如何运用音乐的模块与思维方式音乐是一门艺术，作曲家通过创作和组织音符、和弦和旋律，创造出美妙的音乐作品。
在作曲的过程中，运用音乐的模块与思维方式是非常重要的。
本文将探讨作曲中如何运用音乐的模块与思维方式，以及这种运用对作曲的影响。
首先，作曲中的模块化思维方式是指将音乐素材划分为不同的模块，并通过组合和变化这些模块来创作音乐。
这种思维方式使作曲家能够更好地组织和控制音乐结构，使作品更加有机和连贯。
例如，作曲家可以将一个简单的旋律作为一个模块，然后通过重复、变奏或转调来扩展和发展这个模块。
通过模块化思维方式，作曲家能够更好地掌握音乐的整体结构，使作品更加完整和有力。
其次，作曲中的思维方式也包括创新和突破传统的思考方式。
作曲家可以通过运用不同的音乐模块和元素，创造出新颖独特的音乐作品。
例如，作曲家可以尝试将不同的音乐风格和元素融合在一起，创造出独特的音乐风格。
这种思维方式不仅可以帮助作曲家创作出与众不同的音乐作品，还可以推动音乐的发展和创新。
此外，作曲中的模块化思维方式还可以帮助作曲家更好地处理音乐的情感表达。
音乐是一种情感的表达方式，作曲家通过音乐来传达自己的情感和思想。
通过将音乐素材划分为不同的模块，作曲家可以更好地组织和表达自己的情感。
例如，作曲家可以通过运用不同的和弦进行和旋律来表达不同的情感，如悲伤、喜悦、愤怒等。
通过模块化思维方式，作曲家能够更加精确地表达自己的情感，使音乐作品更加深入人心。
最后，作曲中的模块化思维方式也可以提高作曲的效率和质量。
作曲是一个创作过程，需要作曲家不断地思考和尝试。
通过将音乐素材划分为不同的模块，作曲家可以更好地组织和管理音乐素材，提高作曲的效率。
同时，模块化思维方式也可以帮助作曲家更好地审视和改进自己的作品，提高作曲的质量。
作曲家可以通过对模块的组合和变化进行不断地尝试和调整，使作品更加完善和出色。
总之，作曲中的音乐模块化思维方式对作曲有着重要的影响。
通过将音乐素材划分为不同的模块，并通过组合和变化这些模块，作曲家能够更好地组织和控制音乐结构，创造出独特而有力的音乐作品。
声乐学习哲学思维透析
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音乐论文音乐本体的来源与实质
知人者智，自知者明。
《老子》摘要：音乐本体问题是音乐美学研究中常遇到的问题，而且具有跨学科的特点，研究者必须具有音乐学与哲学的双重知识背景，才可能进行深入的研究。
由于本体问题在哲学上一直存在争议，且各家认识不尽相同，所以势必导致音乐本体这样一个衍生概念的相对混乱。
为便于今后的研究，本文拟从本体概念、本体流派等方面入手，对音乐本体加以阐释，并对其实质加以必要的论述。
关键词：本体音乐本体音乐美学存在一、何为本体？所谓本体，指终极的存在，也就是表示事物内部根本属性、质的规定性和本源，与现象相对。
所以，本体是关于存在的学说，最早提出本体这一概念的人是巴门尼德，他认为本体是世界的本原。
而本体论概念，则最先出现于德国哲学家郭克兰纽和法国哲学家杜阿姆尔的著作中，后被德国哲学家沃尔夫采用，沿用至今。
二、关于本体的各家之言（一）古希腊：巴门尼德的存在、伊奥尼亚的水、柏拉图的理念、毕达哥拉斯的数、亚里士多德的形式等都是关于本体的学说。
（二）中世纪：本体即上帝。
这一时期经院哲学大行其道，上帝成为世界的本原，一切的一切均来自于上帝，他决定了人与世界的发展，人类只是执行其意志的工具，只能惟命是从，绝对不可以怀疑上帝是否存在，以及上帝的决定及判断。
（三）近现代哲学：笛卡尔是一位胆大妄为的哲学家，他提出我思故我在的口号，把存在的前提锁定在我思，否定了中世纪以上帝为代表的神学本体论，把上帝从高高的哲学神坛上拉了下来，剔除了本体的神秘性、权威性，以及人们在认识过程中的被动性。
三、何为音乐本体？若想说明音乐本体为何物，首先应知道音乐属于艺术的一个门类，音乐本体是属于艺术本体的衍生概念。
那么，什么是艺术本体呢？艺术本体是对艺术本身存在的终极原因、艺术之为艺术的存在本体和质的规定性加以描述的理论，由此可知，音乐本体是对音乐本身存在的终极原因、音乐之为音乐的存在本体和质的规定性加以描述的理论。
四、关于音乐本体实质的几种观点：（一）数即本体。
浅谈瓦格纳的“整体艺术”乐剧思想观
浅谈瓦格纳的“整体艺术”乐剧思想观瓦格纳的“整体艺术”乐剧思想观，是他在19世纪末创作的一种全新的音乐戏剧形式。
他主张在乐剧中融合音乐、剧本、舞台设计等多种艺术形式，达到一种综合表达的效果。
瓦格纳认为，传统的歌剧已经失去了对人们的吸引力，主要原因是剧情单一，只关注音乐的演唱，而忽略了其他艺术形式的融合。
他认为，艺术的真正目的是要表达人的内心世界的复杂情感，只有通过综合表达的方式，才能达到这种效果。
在瓦格纳看来，音乐是一种可以直接触动人心的艺术形式，它可以通过旋律、和声和节奏来表达人的情感和思想。
单独的音乐在表达复杂情感时显得有限，因此他引入了剧本、舞台设计和表演等元素，以更全面地表达人的内心世界。
在瓦格纳的乐剧中，剧本是核心，音乐只是为了表达剧情而存在的一种手段。
他试图通过剧本中的对话和情节来展示人物的性格和情感，而音乐则是对话和情节的补充，以及对人物内心情感的表达。
通过舞台设计和表演等元素的综合运用，瓦格纳试图在乐剧中再现一个完整的、真实的世界。
瓦格纳的乐剧还非常注重场景的细节设计，他认为每一个场景都应该准确地表达情节的要点，并与音乐、剧本和表演相互配合。
他甚至设计了一种特殊的舞台机械装置，可以实现场景的旋转和改变，以便更好地展示剧情。
瓦格纳的乐剧还以其宏大的音乐结构著称，他认为音乐应该符合人物和情节的发展，并能够表达人的内心世界的变化。
他对音乐的形式和结构有着严格的要求，力图达到音乐与剧情相互融合的效果。
瓦格纳的“整体艺术”乐剧思想观是一种尝试，希望通过多种艺术形式的综合运用来表达人的内心世界。
他试图通过剧本、音乐、舞台设计和表演等元素的共同努力，创造一个完整的、真实的艺术形式。
尽管瓦格纳的乐剧在当时遭到了一些批评和争议，但他的思想观点对后来的音乐剧发展产生了深远的影响。
浅谈瓦格纳的“整体艺术”乐剧思想观
浅谈瓦格纳的“整体艺术”乐剧思想观瓦格纳是19世纪德国最重要的作曲家之一，他的“整体艺术”乐剧思想观对西方音乐发展产生了深远的影响。
他提出了一种将音乐、舞台艺术、戏剧和诗歌融为一体的艺术形式，即乐剧。
在他的乐剧中，音乐被视为完成艺术形式的核心，其他要素如剧情、角色和舞台装置都是为了表达音乐而存在的。
瓦格纳认为音乐应该具有完整的意义和内涵，而不仅仅是为了娱乐或情感表达。
他通过乐剧将音乐与其他艺术形式结合起来，创造出一种独特的艺术体验，使观众能够更好地理解音乐的内涵和情感。
他将乐剧比作一种梦境，观众可以在其中沉浸，感受到音乐所带来的情感和思想。
在瓦格纳的乐剧中，音乐被赋予了戏剧性的力量。
他通过旋律、和声和音色的运用，将情节、角色和情感表达融入音乐之中。
他的乐剧中经常使用的“凯立克教堂旋律”就是一个很好的例子，它通过旋律和和声的变化，将角色的内心世界展现得淋漓尽致。
瓦格纳还特别注重音乐的结构和发展，通过主题的变奏和发展来传达情节的发展和角色的变化。
瓦格纳的“整体艺术”乐剧思想观还强调了舞台表演和视觉效果对音乐表达的重要性。
他认为舞台装置和舞蹈等要素都应该为音乐服务，通过舞台上的视觉效果来增强观众对音乐的理解和感受。
他在自己的乐剧中大量运用巨大的舞台装置和精确的动作指导，使观众可以通过视觉和听觉的双重刺激来体验音乐所带来的艺术效果。
瓦格纳的乐剧也强调了角色的表演和声乐技巧。
他认为演员必须能够将角色的情感和思想通过声音和动作表达出来，以达到音乐所要求的效果。
他的乐剧中的角色经常需要具备较高的声乐和演技技巧，以能够完美地诠释音乐所要表达的意义。
在瓦格纳的乐剧中，角色的表演不仅仅是唱歌和念台词，而是一种身心合一的表达方式。
音乐演化与大脑2单元音乐基本元素
目录
• 音乐的基本元素 • 音乐与大脑的关系 • 音乐演化 • 音乐的应用 • 音乐与社会的互动
01 音乐的基本元素
旋律
旋律是音乐的灵魂，由一系列音高和 音长组成，通过不同的排列和组合， 创造出丰富的音乐作品。
旋律的种类和风格多种多样，包括流 行、古典、摇滚、爵士等，每种风格 都有其独特的旋律特点和表现方式。
音乐与科技
随着科技的不断发展，音乐与科技的 结合越来越紧密。
音乐与科技的结合有助于推动音乐产 业的发展，提高音乐创作的效率和个 性化程度，满足不同受众的多样化需 求。
数字音乐制作、虚拟现实音乐会、音 乐推荐算法等科技应用，为音乐创作、 传播和欣赏带来了新的可能性。
05 音乐与社会的互动
音乐产业的发展
音乐与情绪的关联
音乐引发情感共鸣
音乐能够引发人们的情感共鸣， 通过旋律、节奏和歌词等元素传 递情感信息，使人们产生相应的
情绪反应。
音乐调节情绪
音乐可以用来调节人们的情绪状态， 例如在感到悲伤或沮丧时，听一些 欢快的音乐可以起到缓解情绪的作 用。
音乐与情感记忆
听某一首特定的歌曲或旋律可能会 唤起人们与之相关的情感记忆，因 为音乐与情感记忆之间存在紧密的 联系。
和声的种类和风格也多种多样，包括古典、流行 、爵士、摇滚等，每种风格都有其独特的和声特 点和表现方式。
和声的创作需要考虑和弦的构成、和弦的进行以 及和弦的转位等因素，同时还需要考虑和声的和 谐性和表现力，以使音乐作品能够给听众带来深 刻的听觉体验。
和声的创作和发展与大脑的认知和情感反应密切 相关，不同的和声会引发不同的情感反应和认知 体验。
音色的种类和风格也多种多 样，包括古典、流行、爵士 、摇滚等，每种风格都有其 独特的音色特点和表现方式 。
浅谈世界音乐中的认知问题
艺术大观Art Panorama72浅谈世界音乐中的认知问题李启明（湖南省文联，湖南 长沙 410000）摘要：随着全球多元文化格局的出现，世界各民族音乐的交流日趋频繁。
世界音乐的概念逐渐得到许多音乐人和学者的关注，却在音乐认知方面有着不同的诠释。
本文以民族音乐学学科为理论背景，浅谈在世界音乐中的认知问题。
关键词：世界音乐；民族音乐学；音乐认知世界音乐（world music）是二十世纪在音乐界兴起的一个音乐概念。
对于世界音乐的理解我们从广义和狭义两个方面理解。
从广义上来说，世界音乐是指人类所创作的一切音乐文化中的乐音。
包含世界上不同人种、不同族群、不同范畴、不同类型、不同音乐行为所创造的所有音乐的总称。
狭义上，世界音乐是指的世界各民族的音乐。
在这个层面对世界音乐的界定是，除欧洲的艺术音乐（特指欧洲专业作曲家所创造的音乐）和本民族的传统音乐（指使用者的民族）。
对这个概念的产生、学术范畴的界定以及研究领域的建立是在民族音乐学（也会叫音乐人类学）的学科背景下形成。
因此世界音乐也成为Ethnomusicology（民族音乐学）学科的研究对象，世界音乐所运用和依靠的研究理论是民族音乐学。
一、世界音乐中的理论认知构建民族音乐学，关注的是音乐本体，更关注音乐产生的背景，聚焦音乐与文化土壤之共生关系。
民族音乐学力求回答：“人为什么要歌唱”“乐器为何而产生”等问题，认为世界各民族的传统音乐有着十分丰富而随意的样式，各自的文化价值不可以相互取代。
民族音乐学，从全人类多样化的音乐文化表达方式中提炼和挖掘音乐形式背后的新的文化表达式。
著名的民族音乐学家梅里亚姆曾提出来音乐文化的三重结构模式“观念、行为、乐音”。
观念，即演奏或发出音乐或音响的音乐思维、思考方式、信仰等；行为，在此文化语境中由观念所支配的行为动作；音声：有观念支配下的行为所产生的音乐与音响。
也就是说，观念作用于行为，产生音声。
在不同音乐观念下，什么是音乐、什么是好的声音，因各个民族地对音乐的概念差异甚大。
深入音乐本体，不在外围打转
深入音乐本体，不在外围打转为啥要学习新课标？因为它是我们进行音乐教学的指南针和依据。
这不是一句空话。
因为我们教学中的许多困惑都可以在这里找到答案。
2017版高中音乐新课标，基本理念第三条：深化情感体验、突出音乐特点。
在这段解释中，有这两句话十分重要：音乐艺术最重要的特点是直接影响人的情感世界，其强大的感染力无须借助概念，直达人的心灵。
有些老师偏爱用许多语言，或者让学生用语言把听到的音乐作品说出个一二三来，尤其爱问：音乐表达了怎样的情感？你体会到了怎样的情绪？等等。
我认为有些情况下，这些问题本身就有问题。
音乐的情绪如何这类问题的回答就不能统一化。
“一千个人眼里有一千个哈姆雷特”。
不是所有人欣赏大调音乐都觉得明朗，小调音乐都觉得忧郁。
这跟大调也可以表现悲伤，小调也可以表现喜悦是一个道理。
音乐的魅力正是由于它的不确定性。
所以每个人在欣赏音乐的时候，其大脑的活动是截然不同的。
比如：有人听到音乐会联想出许多画面，有人会联想到一些人或事，还有人会只沉浸在美妙的音响中放空自我，什么也不去想。
换言之，不是所有人在欣赏音乐时都专注于音乐的情绪或者要去联想些什么。
作为老师，我们往往只要留心观察学生在欣赏音乐的时候，或者欣赏完毕后的反应，即可知道他们是不是被音乐触动，而未必要表达出来。
——暗恋也是一种美好。
音乐是听觉艺术，音乐音响随时间的流动而展现，不具有语义的确定性和事物形态的具象性。
在教学过程中，学生主要通过听觉活动感受与体验音乐。
音乐是用来听的，作为音乐教师，应该注重培养学生用耳朵捕捉音乐的能力。
但是现在的音乐课堂，许多老师似乎不敢放音频给学生听，不知是怕冷场，还是怕学生听不懂，又或者是老师对音乐不自信，常常宁可用音质不好的视频给学生欣赏。
这种做法在某种层面上削弱了学生听觉能力的培养，甚至视觉会在一定程度上影响听觉的判断。
也削弱了音乐自身的能量。
——少用眼，多用耳。
课堂上老师的弹、唱是否美？考验着老师的基本功、音乐素养和音乐审美。
音乐核心素养的内涵理论渊源与本质特征
音乐核心素养的内涵理论渊源与本质特征音乐核心素养是指人们对音乐的理解和欣赏能力，包括音乐知识、音乐技能、音乐表达和音乐情感等方面的素养。
它是音乐教育的一个重要目标，也是培养音乐人才和提高音乐素质的关键。
音乐核心素养的内涵理论渊源可以追溯到亚里士多德提出的音乐三必要素“节奏、旋律和和声”以及彼塞迈斯特尔斯的“机械观”和“统一性观”。
随着时间的推移，这些理论过于简化和抽象，无法涵盖音乐的广泛领域和多样性。
在20世纪，随着西方艺术音乐的发展，出现了一系列的音乐核心素养理论。
米尔斯提出了音乐的四个基本方面：形式、风格、意识和经验。
他认为，形式是音乐的结构和组织形式，风格是音乐的风格和风格特征，意识是指人们对音乐的认知和理解能力，经验是指个人在音乐领域的实践和体验。
克洛斯维斯基还提出了音乐核心素养的几个重要要素：音乐鉴赏、音乐思维、音乐表达和音乐演奏。
他认为，音乐鉴赏是音乐核心素养的基础和基础，它是指人们对音乐作品的理解和欣赏能力；音乐思维是指人们对音乐事物的分析和思考能力；音乐表达是指人们通过音乐表达自己情感和思想的能力；音乐演奏是指人们通过演奏乐器和歌唱等方式表达自己对音乐的理解和感受。
无论是米尔斯的四个基本方面，克洛斯维斯基的音乐鉴赏、音乐思维、音乐表达和音乐演奏，还是李斯科普的音乐听力、音乐分析、音乐创作和音乐欣赏，都强调了音乐核心素养的多元性和多样性。
它不仅包括对音乐的理论和知识的掌握，还包括对音乐的感知和理解能力，以及对音乐的表达和创作能力。
音乐核心素养的本质特征是多元性和多样性。
它涵盖了音乐的各个方面，包括形式、风格、意识、经验、鉴赏、思维、表达、演奏、听力、分析、创作和欣赏等。
它既是一种知识和技能的积累，也是一种情感和审美的培养。
通过培养和提高音乐核心素养，可以增强人们的音乐欣赏能力，培养和提高音乐人才，推动音乐教育和音乐文化的发展。