西方女性主义艺术史理论及实践的发展

西方女性主义艺术史理论及实践的发展

李建群

2012-10-30 18:03:11 来源：《文艺研究》2003—3

女性主义艺术史是当今西方艺术史研究中的一种新的思潮、视点和方法，也是后现代主义艺术思潮中不可忽视的一个重要内容。它的出现和发展正在对艺术史研究产生着越来越明显的影响，这种影响将逐渐对传统的美术史研究造成一定的冲击和震撼，所以是值得我们关注和研究的对象。

女性主义艺术史从它产生到今天，经历了整整30年，经历了从强调两性差异的社会原因到采用社会学、马克思主义、心理分析的理论，研究在不同的社会和民族环境下女性的生存状况，以及对艺术史发展的影响这样一个发展过程。现代的研究者把80年代为界，把女性主义美术史理论的发展分为传统的女性主义和后现代女性主义阶段，其代表人为琳达.诺克林（Linda Nochlin）和格里塞尔达.波洛克（Griselda Pollock）。

1971年，琳达诺克林在《艺术新闻》上发表文章“为什么没有伟大的女艺术家？”(Why Have There are Been No Great Artists?) 这是女性主义首次在艺术史中发起的挑战。紧接着，在次年诺克林又主持了“学院艺术协会”（CAA）的年会，主题是“19世纪艺术中的情色与妇女形象”（Eroticism and the Image of Woman in Nineteenth-Century Art）。在会上讨论了男性至上主义在创作中和女性形象采用上的不公正。在以后的20年，诺克林的理论都是女性主义艺术史理论的重要基础。

在“为什么没有伟大的女艺术家？”中，首先肯定地指出：必须承认一个事实，那就是在艺术史上的确没有像米开朗基罗、伦勃朗或塞尚、毕加索那样最伟

大的女艺术家，而造成这一事实的原因则在于社会对于男女两性的不平等待遇。首先，在伟大的艺术家——天才的发现和认定上，她抨击了关于天才艺术家的神话，而指出了艺术才能的发展需要从小的培养。而后天培养的条件对两性来说却不是平等的，她质问说：如果毕加索是个女儿，父亲会像对小毕加索那样给予重视和鼓励而使之成就吗？实际上，艺术人才的形成并非个人的超级能力的自由、自主的活动，而受到以前的艺术家影响，也受到“社会的强制”。艺术创造的条件受到特定的社会结构和状况的影响，如艺术学院、赞助系统和社会机构的制约。

以艺术教育的制度为例，诺克林首次考察了学院人体课制度中的性别歧视问题。从文艺复兴以来，长期而仔细地研究裸体模特是每一个艺术家训练的基础，也是历史画创作的重要因素，因而是学院训练的中心。但直到20世纪初，女艺术家被禁止参加任何裸体模特写生课，女大学生在皇家美术学院不准参加人体写生课。而主要的训练机会被剥夺实际上就意味着被剥夺了创作最高级艺术作品——历史画的可能。因而，许多有才能的女艺术家只能将自己限制在“镜前”画肖像、风俗画、风景和静物。教育制度对妇女的压抑，决定了妇女被排斥在“高雅”艺术之外。同时，学院的奖励制度也同样对妇女采取排斥态度：罗马学院的大奖赛不允许妇女参加（这个禁令直到19世纪末才解除），法兰西学院不接受妇女为职业画家，很少有女艺术家能得到官方委托制作艺术品。在父权制社会的教育体系中，妇女只能当作被观看对象——模特，而不能作为观看和创造这存在。被剥夺了教育、奖励和工作的机会，女艺术家成长的艰难可想而知。

同时在社会的教化和鼓励上，女性道德优秀的标准也几乎拒绝了女性成为伟大艺术家的可能。直到19世纪中期，西方关于女性美德的标准都是建立在作为妻子和母亲的基础之上，根本不鼓励女性的某一特殊才能的发展。即使有少数获得成就的女艺术家产生，她们却都五一例外地是艺术家的女儿，或者与某个著名

艺术家有亲密的关系。这说明在女艺术家成长的过程中，父亲的同情和支持具有决定性的重要作用。

在她的文章中，诺克林详尽地考察了一个在历史上非常成功和完美的女艺术家——19世纪法国著名的动物画家罗莎.邦赫(Rosa Bonheur1822-1899)的个案，来说明作为一个女性要想在艺术上取得成功，必须面对社会的种种压力、放弃婚姻和爱情，成为反对习俗和背负“不够女人味”的名声。因此而得出结论：社会制度决定了妇女没有可能取得杰出的艺术成果。并且呼吁妇女应该为建立一个两性平等的新的制度体系而抗争。

诺克林在30年的理论研究中，共完成了十余本专著与论文集，其中包括《妇女，艺术于权力及其他论文》（WOMAN, ART, AND POWER AND OTHER ESSAYS 1988 Thames and Hudson Ltd）、《现实主义》（REALISM 1977 ）《重读库尔贝》（COURBET RECONSIDERED 1988 Brooklyn Museum）《碎片的身体》（THE BODY IN PIECES 1994 Thames and Hudson）、《表象的妇女》（REPRESENTING WOMEN 1999 Thames and Hudson）等。在她对艺术史的具体研究中，她认为：没有哪一种方法论可以满足女性主义美术史的研究，她主张把传统的美术史的形式分析和图像学的方法与社会学、存在主义哲学、现象学和语言哲学等方法结合起来，把历史上尤其是19世纪的一些著名画家如达维特、德拉克罗瓦、库尔贝等人放到女性主义的话语中进行再定位，进行完全不同于传统的美术史研究的全新解释。她认为：图像最重要的功能是掩盖某一重要的历史时刻社会中公开的权利关系，将之显示为自然的、永恒的秩序。达维特的《荷拉斯兄弟之誓》以妇女的消极、服从、软弱和松弛来衬托男性的积极、紧张、专注、强壮，用两性来分别代表国家利益和个人感情的对立；德拉克罗瓦的《萨达纳帕鲁斯之死》则表现了男人权利梦想的快乐来自毁坏它们，即女人的身体。她认为这一作品表现了艺术家及同一阶层男人的共

识：拥有和控制女人的身体。而德拉克罗瓦的这种幻想并不是凭空产生的，而是在特定的社会背景中，得到允许并确认某一类行为的界限的情况下而生发的——那就是父权制社会的性权力系统。决不能想象：《克里奥佩特拉之死》的题材中，裸体的男奴隶被女仆杀死的场面由一个女画家画出来，这就是不可逾越的性别差异。

诺克琳的理论影响了许多艺术史学者，他们陆续用女性主义的话语对传统的艺术史作品进行了重读。1978年在纽约召开的CAA年会题目为“问题的连祷：女性主义艺术史观”。这次会议集中了这一主题的各种论文，讨论了女性主义在艺术史领域中的立场——改变艺术史本身、以及它的方法和理论的可能性，目的在于改变仅仅是把被遗忘的女艺术家发掘出来、添加到艺术史中的做法。这一题目的会议在次年于华盛顿的CAA年会上又一次召开。两次会议的论文最后被收集成书出版，由诺马.布罗德(Norma Broude)和马利.加勒德(Mary D. Garradrd)编辑，题目为《女性主义与艺术史——问题的连祷》（FEMINISM AND ART HISTORY Questioning the Litany 1981），成为最早的女性主义艺术史研究论文集。该论文集收集了17篇文章，其内容包括从古代埃及到20世纪的美国现代艺术。

这些文章涉及对某一个艺术家、图像、一种现象或一个阶段的艺术品的理解，它们代表了一系列对传统艺术史诠释的校正。其共同之处在于：集中于对历史的新解读，对艺术的文化和社会功能的新定义。如克利斯丁.哈夫洛克(Christine Mitchell Havelock)的《希腊瓶画中的哀悼者：妇女社会史评注》(Mourners on Greek Vases: Remarks on the Social History of Women)一文通过对希腊瓶画中的艺术形象的考察，分析妇女在男性文化社会中的地位——来自古代母神崇拜文化传统，即母神控制生殖与死亡的观念。格兰德(Mary D. Garrard)的《阿特米谢和苏珊娜》(Artemisis and Susanna)通过考察苏珊娜这一圣经题材在女画