音乐与美术相通性论文

音乐与美术相通性论文

摘要：音乐和美术从不同的角度阐述着它们之间千丝万缕的联系，把握好音乐与美术之间的关系对于教学来说非常重要，在内容上可以融会贯通，形式上可以相互借鉴，情感上可以相互融通。当音乐走进画面，当色彩融入音符，学生们将会在艺术的海洋里荡漾，在激荡中泛起智慧的浪花。

艺术是对所在时代的社会背景和人们思想状态的一种再现和表现，因此同时期的艺术在内容和形式上都具有共同的时代感和相通性，从历史阶段、创作思维和审美角度上都存在着相互影响、相互渗透的关系。而美术和音乐又分属于各自的艺术门类，有其自身的特点，在其外部形式和内部结构上又有本质的区别，因而音乐和美术的关系既融合又分立，既区别又联系。处理好音乐在美术教学中的作用，将音乐和美术完美的统一起来，在课堂教学上实行音乐辅助式教学，把两者相互影响、相互渗透的优势发挥出来，在理论上可以辅助美术理论的理解，在形式和技法上可以相互融合，将二者结合起来形成教学上完美的统一。

音乐与美术的差异与融合

音乐与绘画属于不同的艺术门类，两者之间的差异显而易见。音乐是听觉艺术，绘画是视觉艺术，从感官功能上看，他们属于不同的艺术门类；音乐是时间艺术，绘画是空间艺术，二者在存在形式上有本质的区别。音乐具有时间上的即起性，延续性和不可逆性，因而在静止状态下它是不能存在的，而绘画具有相对的静止性和永恒性，随

着时间的推移绘画可以长期保留。

因此这就决定了音乐与绘画不同，它是动态艺术，是时间艺术，又是听觉艺术，它是在一定时间内，以乐器的演奏为载体，用有节奏、有规律的声音的连续运动来表现自己。而乐曲的谱写又是从作者的个人情感出发，根据不同的目的和表达方式“即乐于情”“借曲抒情”利用音符的变换来抒发作曲者的个人情感，因此音乐也是心灵的艺术，随着乐曲或高昂或低沉或轻快或悠远的律动激发起欣赏者心灵上的共鸣。

绘画作为静态艺术有其自身的特点，它是将点、线、面、黑、白、灰以及色调组织起来在平面上描绘出形态各异的画面，而画面的组织和绘制完全凭借画家的个人的经验和个性化情感的抒发。绘画同时也是空间艺术和视觉艺术，在一定空间内，绘画以静止的画面带给观者感官上的愉悦，在视觉上给观者以审美的刺激，从而产生心灵上的触动和共鸣。

从艺术角度来说，音乐与美术同属于艺术，而艺术给欣赏者的通感是相通的，音乐与美术同样都以自身的艺术魅力影响着欣赏者的心理状态。音乐史学家安勃罗斯说：“音乐是心灵状态下最伟大的绘画。”而画家达芬奇也对他的《蒙娜丽莎》有如下评价：“蒙娜丽莎的笑容含有音乐勾魂摄魄的力量，与飘忽的旋律有同样的神秘性。”可见，音乐与绘画从创作和审美上是相互影响相互渗透的，而且同样都是反映现实生活，表现内心情感的载体，所以在同一时期内所表现的内容也具有相同的时代性，而且音乐和美术的流派几乎是同时的。

因此，它们之间存在着不可分割的千丝万缕的联系。

音乐与美术从内容到形式的相通性

1.从历史观进行比较

任何艺术形式的变化发展都与当时的社会背景密不可分，无论采用怎样的表现形式都是用来反映当时的时代风貌、人民生活和社会心理，因此在同一时代背景下的艺术存在着相通性，由于所采用的表达方式不同，才出现了形态万千的艺术形式。美术和音乐在众多艺术形式中是最古老的，从法国拉斯科洞的岩画开始人们就学会了用图形记录捕猎和耕作的场面，这样就有了最早的美术，而音乐是随着人们集体劳动时随意喊出的节奏强劲的号子诞生的，在那个简单的时代，音乐和美术就以它最纯粹最古朴的方式繁衍着。

随着时代的进步文化的发展，艺术形式也随之不断的丰富、完善、变化。在古典主义、波洛克主义、浪漫主义等艺术时期音乐和美术几乎留下了相同的足迹，它们或同时或相继迈进了同一条河流，共同缔造了每个艺术流派的发生、发展、高潮和结束。1874年在莫奈的笔下诞生了印象派，于是绘画上遍兴起了注重时间和光影的印象艺术，印象派艺术用绚丽斑斓的色彩记录一瞬间的画面，纯粹的色彩在光影之间跳跃，这样大胆的画风打破了沉寂已久的古典主义酱油色的沉闷，给绘画注入了新鲜的空气和活力。这样的气氛同时影响了音乐的表达，印象主义音乐是直接从印象派绘画中拿来的，德彪西作为印象主义音乐的代表人物，他喜欢用音乐表现虚幻的、飘渺的、不真实的东西，强调一瞬间的感受。尼克尔斯评价说：“德彪西创立了一种不同

寻常的独立于传统之外的曲式、和声以及色彩的管弦乐和钢琴样式，在他的歌曲创作和他的一生唯一写过的一部格局中，它试图通过简洁的手法以获得一种新的心理暗示，此后的很多作曲家都受了他的影响。”在印象主义的舞台上音乐和美术两种不同的艺术形式同时上演了一场辉煌的艺术表演。

印象派之后表现主义的浪潮又打到了艺术的岸边，其声势盖过了印象主义，表现主义主要就是反对印象主义模仿和再现现实的表达方式，主张表现纯粹的精神感受和内心思想的涌现，以主观的情感来替代视觉的感受，强调艺术本身的表现力和形式感。表现主义最初是由绘画的形式呈现的，抽象表现主义画家瓦西里·康定斯基运用符号式的色块和线条组织成形式感强烈的画面，运用理智的色块表现着情绪，使画面传递出一种理智的抽象美。康定斯基本人既是画家又精通音乐，在他的作品中到处都能够找到律动的音符，他将音乐完美的融入在画面中，在他看来“心灵就像一个容器，音乐和美术在这里相遇后出现了化学反映，他们相互包容后出现了新的和谐，或者对心灵而言，色彩和音响其实没有区别，它们都是内心情感延伸时需要的道路，而且是同一条道路。”

2.从表现形式上进行比较

在人类文明诞生之初各种艺术形式都是浑然一体的，之后随着社会的进步，意识形态随之不断提升，各种艺术形式也越来越细化，形成鲜明的个性特征。德国著名美学家玛克斯·德索在《美学与艺术理论》中也有类似的表述：“亚当·史密斯认为舞蹈标志着艺术的起点，

尤其是集体舞蹈须有节奏，所以在舞蹈之中和舞蹈之处也许先是音乐，接着便是诗歌得到了发展，而舞蹈的模仿力也许被转移到那种在材料上幻想出造型形状和轮廓画的运动上去，绘画也就随之产生。”这些因素为音乐与美术的通融提供了前提条件。音乐的旋律、节奏、和声与美术的造型、色调、色彩之间能够找到相应的对位，可以找到一种类似公式般的秩序性的相似的表达，一幅成功的油画作品就犹如一曲优美动听的旋律，如维亚尔的代表作《公园》淡淡的阳光下几个妇女闲坐在长凳上，有的在聊天，有的在与孩子们玩耍，有的默默地独坐。整个画面的形式感的设置就犹如乐曲中的旋律，而构图决定了整个画面的基调；画面中几个人物和风景中的树木摆放的位置就如同乐曲中的节奏，必须处理得阴阳顿挫、疏密得当，才能把整个乐曲表现的打动人心；画面中斑驳的色点就如同节拍在乐曲中的作用，有规律的配合整个乐曲的跳动。

瓦西里·康定斯基的绘画更是把音乐转移到画面上，画面本身表现的就是一首动听的旋律，他说“色彩好比琴键，眼睛好比音缒，心灵仿佛是绷满弦的钢琴，画家是弹钢琴的手，他有目的的弹奏各个琴键来使人的精神产生各种波澜和反响。”他认为音乐和美术从听觉和视觉上是最为接近的艺术，他为每一块颜色都配上了乐器，淡蓝色是长笛，深蓝色是大提琴，再蓝一些的颜色是双管巴斯，最深的蓝色是管风琴，绿色是小提琴，他说：“纯粹的绿色是小提琴，以平静而偏中的调子来表现。而红色有着无法束缚的生气，虽然没有黄色放肆的感染效果，都给人以有力、热情、果断和凯旋的感觉。”