论西方室内乐
高校室内乐作曲教学中的“中西元素”混合方式研究
在中国当代音乐创作中，中西混合编制室内乐作品以其独特视角向世界展示了中国气质。
而“中西元素”混合运用作为中国作曲家的独特创作方式，成为中国高校室内乐作曲教学中重点研究内容。
本文将以“中西元素”混合技术为研究对象，从音乐创作与作曲教学互动影响的视角展开论述，希望由此引发专业人士对中国现代音乐创作未来发展的思考。
一在全球化进程中，专业音乐创作出现了多元化趋势，借助现代作曲技法表现本土韵味是当代音乐创作的重要现象。
各国作曲家将本民族音乐特征融入个人音乐语汇，通过成熟的西方作曲技法呈现，形成了风格迥异且带有自身个性和地域特点的音乐语言。
在中国当代音乐创作中，“中西元素”混合运用在二十世纪七八十年代就已蓬勃开展，它成为中国作品在世界范围广泛传播的主要手段，身处海外具有影响力的中国作曲家如周文中、陈怡、周龙、盛宗亮等很早就开始在作品中尝试“中西元素”综合运用方式。
经过多年酝酿发展，海外作曲家以“中西元素”混合为技术手段的作品日臻成熟，并得到了专业音乐领域的逐渐认可。
例如，上世纪八十年代成立的纽约“长风中乐团”及其举办的作曲比赛成为重要展示舞台，涌现出了众多中西混合编制的室内乐作品。
这些作品通过“长风中乐团”在海外广泛传播，得到了美国主流音乐界的关注，二胡、筝以及琵琶等中国乐器也逐渐进入国际视野。
新世纪以来，“中西元素”混合运用已经成为中国本土作曲家展现个性音乐语言的主要方式，如何用西方乐队形式与作曲技术讲好“中国故事”，更成为中国作曲家主要的创作与研究方向。
中国作曲家的成长背景是其展现自身情感、表达本土精神的源泉，是他们在世界舞台推广中国品牌的精神内核，中国气质与西方技术完美结合已成为新世纪以来中国作曲家音乐创作的主要发力点。
随着成功作品不断问世，混合运用“中西元素”理念逐步进入中国高校作曲专业教学之中，各高校和组织机构不断推出以“中西元素”混合运用为主题的作曲比赛和音乐论坛，从而推动了高校作曲教学的长足发展。
浅析勃拉姆斯《室内乐三重奏》op．114
浅析勃拉姆斯《室内乐三重奏》op．114 作者：史小曼来源：《乐府新声·沈阳音乐学院学报》 2011年第3期[内容提要] 勃拉姆斯在欧洲音乐史上，占据着极其重要的位置，成为德奥古典作曲大师中最后一人。
他的音乐是十九世纪西方音乐文化的珍贵遗产，处于晚期浪漫主义时期的勃拉姆斯始终就受到德国古典传统音乐的热爱和熏陶，在具有古典创作风格的同时，也融入浪漫主义的音乐语汇。
在他的作品中处处体现着醇厚的浪漫主义情怀与紧凑均衡的古典主义结构。
全文共分为三个部分，第一部分主要阐述勃拉姆斯的音乐风格及其音乐成因。
通过了解作曲家的成长和音乐风格，分析生活经历和音乐环境对其创作所产生的影响。
第二部分介绍勃拉姆斯的室内乐创作背景和艺术特征。
第三部分浅析114作品的写作技法和音乐语言，以便于大家学习和研究勃拉姆斯的音乐。
本文以对于勃拉姆斯室内乐的研究作为研究对象，对其创作特点以及音乐思想做一个整理和归纳，同时在此基础上提出我本身对勃拉姆斯室内乐的进一步的理解和观点。
[关键词]勃拉姆斯 /室内乐/艺术特征/浪漫主义中图分类号：J629文献标识码：A文章编号：1001-5736（2011）03-0131-4、被人称作“贝多芬之后的最后一位古典主义音乐大师”的勃拉姆斯，在音乐史上占有令人难以致信的崇高地位，人们时常把他与巴赫、贝多芬相提并论。
和莫扎特、贝多芬、舒曼等人一样，勃拉姆斯最初是以钢琴家的身份走上乐坛的。
他十几岁就在码头酒肆弹琴谋生，间或教授音乐并为沙龙编配一些小曲，过着穷困潦倒的生活，直到他遇到小提琴家约阿希姆。
经过约阿希姆的引荐，勃拉姆斯又结识了他生命中最重要的人——舒曼夫妇。
1853年9月30日，一个音乐史上值得纪念的日子，勃拉姆斯叩开了舒曼的家门。
当时，舒曼已经成为德国音乐界的领袖人物，李斯特也只能屈居其后。
舒曼见过勃拉姆斯第一面并演奏了他的作品后，就立刻喜欢上了这个年轻人，甚至还在杂志上撰文，赞美勃拉姆斯的才能。
德沃夏克室内乐作品的音乐风格分析
德沃夏克室内乐作品的音乐风格分析【摘要】德沃夏克是捷克音乐史上的重要人物，其室内乐作品充满着独特的民族特色。
他深受布拉格民族音乐的影响，作品中融入了捷克风格的旋律和节奏。
结构上，他常采用回旋曲的形式，同时也注重对位和对比。
旋律方面，他善于运用民间旋律，富有情感和抒情色彩。
节奏上则展现出斯拉夫舞曲的热情和活力。
和声方面，德沃夏克通常采用简洁明了的和声，让旋律更加突出。
他的音乐风格兼具民族特色和古典传统，是捷克音乐的瑰宝。
在音乐史上，他的作品被认为是室内乐的经典之一，对后世音乐产生了深远的影响。
德沃夏克的作品不仅深受欢迎，也为民族音乐的发展开拓了新的道路。
【关键词】德沃夏克、室内乐作品、音乐风格、民族特色、结构、形式、旋律、节奏、和声、音乐史、影响、后世、重要性、总结、展望、升华1. 引言1.1 介绍德沃夏克室内乐作品德沃夏克（Antonín Dvořák）是19世纪捷克著名作曲家，他的室内乐作品在音乐史上占据着重要位置。
德沃夏克的室内乐作品丰富多样，包括弦乐四重奏、钢琴三重奏、钢琴四重奏等多种形式。
他擅长运用捷克的民族音乐元素，创造出独具特色的音乐风格，深受国内外乐迷喜爱。
德沃夏克的室内乐作品充满了浓厚的民族特色，他受到布拉格民间音乐的启发，在作品中融入了大量民间舞曲和旋律，给作品带来了欢快轻快的氛围。
德沃夏克的室内乐作品结构严谨，旋律优美，节奏明快，和声丰富多变，展现出他对音乐形式的精湛掌握和创作才华。
德沃夏克的室内乐作品在其时代具有极高的创新精神和音乐才华，至今仍被广泛演奏和传颂。
通过对其作品进行深入分析和研究，可以更好地了解德沃夏克的音乐风格和创作特点，为后人探索音乐之美提供宝贵的参考。
1.2 阐述音乐风格分析的重要性音乐风格分析在研究德沃夏克室内乐作品时具有重要意义。
通过深入分析作品的音乐风格，我们能够更好地理解德沃夏克作品的独特之处，揭示其中蕴含的音乐语言和情感表达。
音乐西方古典音乐风格分析与鉴赏
音乐西方古典音乐风格分析与鉴赏西方古典音乐是世界音乐史上独特而丰富的一支。
它通过音乐作品的形式、风格、结构等方面展示出独特的艺术魅力。
在本文中，我们将进行对西方古典音乐的风格进行分析与鉴赏。
一、巴洛克音乐风格巴洛克音乐风格起源于17世纪末至18世纪初的欧洲，是西方古典音乐的开篇之作。
巴洛克音乐注重构建对比性强烈的音乐形态，通过复杂的旋律和和声来表达情感。
其代表作品有巴赫的《平均律钢琴曲集》和亨德尔的《弥赛亚》等。
二、古典主义音乐风格古典主义音乐风格盛行于18世纪末至19世纪初的欧洲，它强调音乐的平衡、清晰和对称感。
古典主义音乐以奏鸣曲、交响曲和室内乐等形式为主，具有明快、优美的旋律，是西方古典音乐的巅峰之作。
莫扎特和海顿是古典主义音乐的代表作曲家。
三、浪漫主义音乐风格浪漫主义音乐风格兴起于19世纪初至20世纪初的欧洲，它强调表达个人情感、强烈的个体主义倾向和音乐形式上的自由。
浪漫主义音乐注重对情感的表达，通过丰富的和声和复杂的旋律来传达作曲家独特的情感体验。
肖邦和柴可夫斯基是浪漫主义音乐的代表人物。
四、印象派音乐风格印象派音乐风格出现在19世纪末至20世纪初的法国，其特点是追求音乐形象的明暗对比和画面感的表现。
印象派音乐注重音色的变化和阴暗的氛围创造，以模糊的旋律和和声传达出抽象的感觉。
德彪西是印象派音乐的代表人物。
五、现代主义音乐风格现代主义音乐风格兴起于20世纪初的欧洲，主张摒弃传统的音乐形式和和声体系，注重对音乐材料的再创造和对听觉冲击的追求。
现代主义音乐涌现了许多前卫的作曲家，如斯特拉文斯基和巴托克等。
通过对以上几个主要的西方古典音乐风格进行分析与鉴赏，我们可以进一步理解和欣赏西方古典音乐的多样性和艺术独特性。
每个音乐风格都有其独特的表现形式和情感体验，而无论是巴洛克音乐的华丽与庄重，还是古典主义音乐的平衡与清晰，亦或是浪漫主义音乐的激情与浪漫，都让人沉浸其中，感受到音乐所带来的情感冲击。
室内奏鸣曲名词解释
室内奏鸣曲名词解释
室内奏鸣曲是西方古典音乐中的一种音乐形式，通常由一个或多个乐器演奏。
它在17世纪末至18世纪初达到了巅峰，成为了巴洛克时期和古典时期的重要音乐形式。
室内奏鸣曲通常由三个或四个乐章组成，包括快板、慢板和舞曲。
快板通常具有快速的节奏和激昂的氛围，而慢板则更为抒情和深沉。
舞曲则是轻快愉悦的，给整个曲子增添了一丝欢乐和活力。
室内奏鸣曲的名字源自意大利语，字面意思是“室内音乐”。
这种音乐形式通常由小型乐团或者单独的乐器演奏，适合在小型场所中演出，如室内乐厅或者宫殿客厅。
因此，室内奏鸣曲也被称为室内乐。
室内奏鸣曲的演出形式多样，可以是由钢琴、小提琴、大提琴等乐器组成的三重奏或者四重奏，也可以由独奏乐器演奏。
无论是何种形式，室内奏鸣曲都强调各种乐器之间的和谐配合和互相呼应。
著名的室内奏鸣曲作曲家包括莫扎特、贝多芬、海顿等，他们创作的室内奏鸣曲至今仍然被世人传颂。
这些曲子不仅在音乐史上具有重要地位，也展现了作曲家们的创作才华和对音乐形式的驾驭能力。
总的来说，室内奏鸣曲是一种充满韵味和内涵的音乐形式，它的历史悠久，影响深远。
透过室内奏鸣曲，我们可以感受到古典音乐的魅力，体会到作曲家们的心灵世界。
希望大家可以多多欣赏这种美妙的音乐形式，感受其中的魅力与情感。
西方乐曲种类
西方乐曲种类西方器乐曲种类交响曲(symphony)广义的来说，交响曲是為管弦乐所写的奏鸣曲。
这个曲式源自於巴洛克时期，当时对此名称的解释相当於现在的歌剧「序曲」，也就是由快板-慢板-快板形式所组成的三个乐章的器乐曲。
古典时期以后一般公认的模式是第一乐章：快板、奏鸣曲式；第二乐章：慢板；第三乐章：小步舞曲或詼谐曲；第四乐章：快板，轮旋曲式。
古典时期的海顿将交响曲带向一个新高峰，莫札特遵循其榜样又突破，1788年最后三百的交响曲尤其出色。
贝多芬史将交响曲在表现情感的能力上提昇至一新局面，九首交响曲不仅扩大了乐团的编制及乐曲的长度，第九号「合唱」交响曲更把人声引进由席勒(schiller)作词的「快乐颂」大合唱终乐章中。
十九世纪浪漫乐派之后，交响曲更被广泛的创作，但形式上开始有了些微改变，或是改变乐章的数目，或是加入了声乐，此外，受了标题音乐作曲手法的影响，更发展出「标题交响曲」之类型。
如贝多芬《第六号田园交响曲》作品68。
交响诗(symphonic poem)是一种以标题音乐手法完成的单乐章管弦乐作品，与多乐章的标题交响曲有别，交响诗是李斯特首先在作品中引用，白辽士的「幻想交响曲」大有与其影响。
交响诗是在音乐中发展诗的理念，用音乐来营造情绪抒发感情，表现诗的意境，气氛和内容。
交响诗的题材自由，手法不受限制，作曲家得以自由表达乐念，是在标题音乐中最发达的乐种。
浪漫派后期德国音乐家理查.史特劳斯(r. strauss，1864~1949)在交响诗方面堪称一代宗师，他将交响诗改称為「音诗」。
组曲(suite)十八世纪中期之后舞曲组曲不再受到作曲家的重视，主要是因為音乐逐渐平民化，宫廷内的舞曲不再那麼的流行。
浪漫乐派以后流行具有描写性质的舞曲，通常是管弦乐曲及器乐曲的作品。
大多由很多小曲组合而成，没有一定规则可循，作曲家可自由创作，如圣桑「动物狂欢节」、舒曼「儿时情景」、穆索斯基「展览会之画」。
另外有芭蕾舞剧中精彩的管弦管配乐，单独用於演奏会上时的芭蕾组曲，如柴科夫斯基「睡芙人」、「天鹅湖」、「胡桃钳」组曲。
关于西方室内音乐发展的阶段分析
关于西方室内音乐发展的阶段分析西方室内音乐是指一种有着复杂音乐结构和丰富音色的古典音乐形式，主要在室内演奏，并且在欧洲流传了几个世纪。
从无伴奏的譜面演奏到具有多种乐器的合奏，室内音乐不断地发展并推陈出新。
在西方室内音乐的发展过程中，可以分为三个阶段：巴洛克，古典主义和浪漫主义。
1.巴洛克时期（1600年至1750年）巴洛克时期是西方室内音乐发展的开端，也是最早的阶段。
这个时期的音乐表现出典雅华丽，富有波动和变换。
巴洛克音乐的基本特点是以多声部、复杂的旋律和拍子为特征。
这个时期的音乐家们喜欢使用大量的管弦乐器，以及风琴和古钢琴等键盘乐器演奏。
此外，许多作曲家喜欢在音乐中加入高难度的技巧，例如小提琴技巧和音乐的节奏性。
在巴洛克时期，意大利是室内音乐的中心。
很多著名的作曲家如巴赫，手上和维瓦尔第等都是意大利人。
巴赫是室内音乐的大师之一，他的音乐显示了弦乐器的潜力并为管弦乐队写作了不少重要作品。
另一个著名作曲家是维瓦尔第，他的作品非常适合弦乐器演奏，如他的“四季”。
该作品表现出四个季节的音乐质感和氛围，并成为音乐史上最重要的作品之一。
除了意大利以外，法国也成为了室内音乐的重要中心。
法国室内音乐多为管弦乐队演奏，而且乐曲更加轻快愉悦。
这个时期也有一些著名的法国作曲家，例如克劳德·德彪西和马克·安托万·夏莱。
他们创作的乐曲也表现了轻松、优雅的风格，并且注重音乐合奏和协调性。
2.古典主义时期（1750年至1820年）古典主义时期是西方室内音乐的第二个重要时期，它标志着巴洛克时期风格的结束。
这个时期的音乐突出了视觉上的简约和曲式上的规范化，音乐结构清晰明了。
古典主义时期的音乐家更加注重音乐起伏的统一性和一致性。
乐曲的旋律美妙和和声衔接都显示了更加高雅的音乐形式。
古典主义时期的室内乐流派包括了古典时期创作家而非现场演奏者，例如海顿、莫扎特和贝多芬等。
他们的音乐风格更加简约、纯粹和透明，同时他们也注重乐曲书写的合理性和流畅性。
西方音乐论述题
一、海顿，莫扎特，贝多芬三人交响乐的共同点？从音乐史的角度而言，能同海顿相提并论的并不多。
他确立了古典奏鸣曲式的结构，交响曲的规范，新时期的清唱剧，室内乐形式……将罗可可时期的审美情趣和作曲方式更明确地典范化进而开创了古典主义的巅峰时代。
他最伟大贡献是把交响乐固定为四个乐章的形式，并在配器上形成一整套完整的交响乐队编制，为现代交响乐的发展奠定了基础。
为此海顿有“交响乐之父”的美称，为后经莫扎特、贝多芬等人开花结果的古曲乐派，奠定了牢固的基础。
规矩的和声和转调，自然音阶的旋律写作，分散和弦基础上的动机与主题，均匀对称的乐句和平衡的曲式，这些是大部分海顿作品的特征，也是古典时期中庸限制的审美典范。
莫扎特的音乐细腻、华贵、含蓄、典雅，风格明朗，旋律优美，结构严谨，具有强烈的古典色彩和超然物外的特点。
莫扎特短暂的一生共创作了四十一部交响曲，为交响曲的发展作出了重要的贡献。
他六十年代的交响曲明显地受到J.S.巴赫的影响，都是些稚气幼嫩的作品。
七十年代他在访问维也纳、米兰、慕尼黑、曼海姆、巴黎时，接触了当时欧洲最著名的交响乐团，从而使他进一步地了解和掌握了交响乐的特点。
八十年代在维也纳是他交响乐创作的成熟时期。
这些作品同海顿的四乐章套曲形式的古典范式一致，但第一乐章奏鸣曲式两主题的对比被大大加强，有时甚至同一主题的内部也有对比性的乐思，从而使主题的发挥更具戏剧性；另外，他还在整部曲子风格统一的前景下，突出了各乐章之间的对比，增加了作品的感染力，从而达到了更高的艺术境界。
莫扎特的交响曲首先吸收了他歌剧富有表情的、如歌的曲调和其戏剧对比的因素；其次在以主调和声的基础上，广泛采用了复调手法；第三是旋律灵活,但不失宏大的气魄;第四是肌体透明,纯净而富有表情。
贝多芬一生只有九部交响乐。
但要论及贝多芬的作品风格，就一定得看看他的交响乐。
交响乐是他的最高的创作成就。
他的九部交响曲的风格发展恰好体现了他走向成熟的成长过程，是他革命精神的完美体现。
浅析西方古典音乐--室内乐发展的几个关键阶段
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加 多样 。舒 曼 的赋 格 并不 是严 格 层次 上 的赋 格 ，他 是在 对 立处 理 乐器 间的对 话 形式 ，他 的多数 室 内乐 作 品 中都含 有 三弦 乐 或者 四 重奏 ，都或 多或 少的体现 了对位段 落整体交 织 的质 感。在 ｌ ９ 世纪中 期 ，很 多作 曲家都开 始研究 室 内乐 ，可 以说这个 时期是 室 内乐 创作 的辉煌 期 ，但 随着钢 琴音乐 的发展 ，很 多人将注 意力投 入在独 奏音 乐上 。特 别 是以李斯特 与 肖邦持有 的反对 意见 中，他们 呼吁人 们将 注意力放 在独 奏音乐 会上 ，可 以说 这个 时期是音 乐分裂 的时期 ， 以 瓦格纳 与李斯特 为代 表 ，他 们认 为室 内乐 是没有 意义 的。而 以勃拉 姆斯和著名 的音乐评论 家爱德华 ・ 汉斯 力克为代表 的室 内乐 ，他 们抵 制演奏会 ，认 为演奏 会无法 与室 内乐相提 并论 。在整个 １ ９ 世纪 中 ， 音乐厅 室 内乐 演 出得 到 了飞速的发 展 ，室 内乐 的种 类 也 已经成 熟 ， 这正是 一个专 业化 、高水平 的室 内乐表演 时期 ，在 这个 时期 中， 多 重奏主 宰着 室 内乐 的演 出形 式 。令 人可喜 的是 ，在 １ ９ 世 纪末 ，女性 开始在室 内乐表 演中活跃起 来 ，很 多妇女 登上 了室内乐表 演 舞 台 ， 虽然 当时有 很 多人 对 女性 登上 室 内乐 舞 台并 不看 好 ，认 为 这是 瞎 胡 闹 ，但 后 来 哈雷 夫 人领 导 的弦 乐 四重奏 乐 队 出色 的演 出推翻 了 这一 观 点 ，证 明室 内乐妇 女也 可 以做 的很好 。 四 、２ Ｏ 世 纪 室 内乐的 发展 在２ Ｏ 世 纪后 ，传 统作 曲技 法 受到 了冲 击 ， 室 内乐 随之 出现 了 些 内容 。表现 在 序 列音 乐和 无 调性 作 品 的诞 生等 方面 。勋伯 格 首次 应 用无 调 性 的技 法对 第 二弦 乐 四重 奏进 行 创作 ，在 此 之后 他 的第 三 重奏 、 第五 重 奏都 使用 了这一 创 作手 法 ， 贝尔格 和 韦伯 恩 作 为他 著名 的 学生 ，深入 探索 了无调 性 室 内乐 作 品的创 作 。 随着 电子 音 乐 的 出现 ，室 内乐 开始 加 入 了各 种音 响 效果 。如 ：斯托 克 豪森 的 《 天 狼 星 》作 品 中 ，就 使 用 了 电子合 成 器 ，还加 入 了 一些 人 声 。在编 制 乐对 上 ，诞 生 了室 内交 响 曲、协 奏 曲等体 裁 ，这 与 以前 的室 内乐 编 制有 很大 的不 同 。 总而 言 之 ，从 室 内乐 诞 生发 展至 今 已有 四百多 年 的历 史 ，但 随着 社 会 的变 革和 转 型再 加 上音 乐技 术 的 改革 ，室 内乐形 式 、 内 涵和 风 格等 方 面都 有 了很 大变 化 ，但 凭 借着 自身 自然和 独 特 的魅 力始 终 受 到社 会公 众 的喜 爱和 追 求 。相 信 随着 社会 的发展 和 室 内 音 乐 的变革 ，室 内乐 的形 式和 内涵会 越 发 多样 和丰 富 ，也 必将 得
室内乐教学与演绎问题论析
在西方音乐体裁类 型中，“ 室 内乐”是作品比重较大 的 几个音乐体裁之一。“ 室 内乐 ”与 “ 独奏音乐 ”和 “ 管弦乐” 相 比较是具有其独特艺术特性的。 与独奏音乐相比，独奏 音乐是 由一个人完成对作 品的二度创作的， 而室 内乐则是 由 多人完成的。两者的区别可 以形象的 比作为：独奏好 比是舞 台表演 中的 朗诵者， 他是直接面对观众 ， 独立呈现整部作 品； 而室 内乐就像是演员，要面对 自己的搭档 ， 每个人有各 自的 作用，是整体 的一部分 。与管弦乐相 比，由于管弦乐队人数 众 多，因此乐队指挥对 于管 弦乐 队就具有举足轻重 的作用 ，
能被其他组员所领悟，并且发展延续下去。演奏 的过程 ，就 是不断地重复 “ 输 出一 接收一 再输 出一 再接 收… ” 这样的双边 关系 。 要达到这种真正完美的、每个人 都不受约束的多边关
，
就是演奏者之 间各取所长、彼此丰 富创作力 。 对于参与教学排练的室 内乐队成 员来说 ， 需要首先按照
系 ，就要求演奏者们建立直接 的、瞬间的默契感 。进而完善 各类表现音乐的技法，如：音色、节奏、乐句等等，以表 达
要提醒学生 的是 ， 有时初排练所喜欢的作 品可 能在经过长时 间的排练过程后不再能对其保持最初 的新鲜感 。 对此笔者建 议室 内乐 队适 宜将 维也纳古典主 义音乐作 品作为 排练入 门 曲 目， 这样做 的益处是能够非常清楚地了解室 内乐 的基本演 奏技 巧；理解和声的表现运用 ，曲式的清晰结构等等。其次 是对 学生进行排练分组， 这个 问题对于指导教师来说也是一 个较为棘手 的难题 。 在分组过程中，指导教师要考虑到每位 学生的性格 、才能、进展速度等个性因素。因为学生 的性格 内向及外 向、演奏水平高低 、音乐风格倾向等不同因素 ，指 导教 师要设法调动强势学生对 弱势学生 的影响力 ， 让强势学 生承担起 引领演 奏的功效 。具体可 以把激情乃 至狂热 的学 生， 跟 内向乃至低迷 的学生安排在一起 ；把趋 向于浪漫派音 乐风格 的学生 ，跟 趋 向于古典派 音乐风格 的学生 安排在一 起。 Ｄ ． Ｄ ． 布拉果依建议进行室 内乐队最好从二重奏起步 ， 在 此基 础上逐渐扩大规模 。 因为，室 内乐学习的重分谱 练习熟练 。 当各 自的 分谱都练 习熟练后 ， 再在指导教师的指导下聚在 一起进行组 合排 练。 在 一起排练 的时候应该关注音 乐的问题 ， 不要 因为 技术问题而 阻碍 了音乐作品的艺术性关注 。 排 练效果一般要 达到：１ 、要保证乐曲的完整感 ； ２ 、 对 乐曲的内容有所理解， 有一定的思考 ；３ 、组员之间的演奏法 、气息等等都要统一。 三重奏 以上组合 的排练 ， 首先要统一除钢琴 以外 的管 、 弦乐
威尼斯幻想--罗西尼室内乐声乐作品音乐形态分析
北方音乐Northern Music“威尼斯幻想”——罗西尼室内乐声乐作品音乐形态分析练远媚（梧州学院，广西 梧州 543002）【摘要】威尼斯这座意大利的水上城市激励了许多艺术家、作家和音乐家的创作热情。
这里既是他们的幽居之地，也是他们幻想和梦想的化身。
在中国流传最著名的是费利克斯·门德尔松的钢琴曲《无词歌》中的《威尼斯船歌》。
其实这座城市的形象在19世纪的许多室内声乐作品中都有所体现。
在本文中，笔者就焦阿基诺·罗西尼的具有“威尼斯幻想”的室内乐声乐作品的音乐形态进行分析。
【关键词】威尼斯；罗西尼；音乐形态【中图分类号】J616 【文献标识码】A世界上著名的作曲家创作的以“威尼斯”作为主题的音乐作品有很多，如路德维希·凡·贝多芬的《威尼斯抒情小曲》（12首不同民族的歌曲，1815-20，№12《La gondoletta》）、费利克斯·门德尔松《六首歌》op57声乐套曲中《威尼斯船歌》（№5，Venetianisches G o n d e l l i e d）、弗朗茨·舒伯特的《威尼斯船夫曲》（Gondelfahrer`I:“Es tanzen mond und sterne”，1824）、古诺的《威尼斯》（阿尔弗雷德·缪塞作词的《Venise》，1842）、马斯内的《威尼斯的纪念品》（阿尔弗雷德·缪塞作词的《Souvenir de Venise》，1872）、福莱的声乐套曲《五首威尼斯之歌》（“Cinq Mélodies”，Op.58，1891） 和《三首歌》中的《霍夫曼船歌》，以及用威尼斯方言和其他语言传唱的雷纳尔多·安娜的《威尼斯》套曲、格林卡的《威尼斯之夜》、塔涅耶夫的船歌《威尼斯之夜》(ор.9，№1)以及焦阿基诺·罗西尼的《威尼斯赛船歌》。
罗西尼（Gioacchino Antoio Rossini 1792-1868）的《威尼斯赛船歌》该声乐套曲由三首威尼斯方言的歌曲和同名的声乐二重唱《威尼斯帆船赛》组成。
以弦乐四重奏为例看古典室内乐的艺术特性
以弦乐四重奏为例看古典室内乐的艺术特性以弦乐四重奏为例看古典室内乐的艺术特性室内乐一词最早出现于l7世纪的欧洲,从l8世纪下半叶走向成熟.室内乐作为西方音乐的一个重要组成部分,在西方音乐风格的形成和发展中都起到了积极的促进作用,而作为室内乐中重要艺术形式的弦乐四重奏,在结构,对位,形式等方面表现出的整体风格,逐渐成为室内乐的代名词.18世纪中叶,正处于复调音乐向主调音乐转变的时期,以弦乐四重奏为代表的室内乐,既善于表现复调音乐又能展现主调音乐,它的出现,使这两种不同风格的音乐得到了平稳的过渡,为巴罗克音乐向古典音乐的转变起到了桥梁的作用.一,以弦乐四重奏为代表的维也纳古典室内乐是随着它涉及现实生活的范围和深浅而走向成熟的海顿,维也纳古典乐派第一位代表人物,古典弦乐四重奏的奠基者,一生共创作了68首弦乐四重奏.海顿所处时期的音乐是在贵族资助下发展的,艺术生活是王公贵族生活必不可少的装饰,因此,艺术生活的中心是宫廷,音乐强调的是形式优雅和风格优美.在这种音乐保护体制下,音乐家的生活是依赖于宫廷和贵族的,音乐家与贵族之间的关系也是主仆的关系.以海顿为代表的一批作曲家正是这样,他们的作品大部分是受命和取悦于贵族生活而作的.由于海顿舒适的生活,导致在他的作品中出现的都是乐观,喜剧和轻松的效果.总体上看是悦耳动听,清晰优美的因素占了上峰, 而情感的表达和矛盾的冲突则处于次要的位置.如果说以海顿为代表的老一辈维也纳作曲家由于忠实地为王公贵族服务, 因而终身生活舒适,创作Jr~,N的话,那么以莫扎特,贝多芬为代表的新一代作曲家却是因为反叛自身被奴役的社会地位而经常陷入实际生活和创作环境方面的窘境.莫扎特共作有23首弦乐四重奏,创作时间白l770—1790年,献给海顿的《海顿四重奏》是莫扎特23首弦乐四重奏中的精华.莫扎特是第一个摆脱与贵族的之问的隶属关系,成为"自由音乐家"的作曲家.由于经济上没有保障,生活的艰辛和悲剧性经常体现在音乐中. 赵路辉(黑龙江艺术职业学院哈尔滨150080)但是莫扎特有着快乐的天性,在他的音乐中,人们能体验到一种忧伤抑郁之感,在悲哀和压抑的乐章过后,必定是明快, 欢乐和看破一切的乐章.莫扎特一生广泛的旅行演出活动,使他的音乐更接近平民生活,是各种民族风格的综合.但他的音乐很少涉及政治和历史事件,在主观上也很少用音乐去改造世界.贝多芬一生共写下了l7部弦乐四重奏,这些作品无论在音乐内涵还是技巧手法或者是感情的强度上和深度上都在海顿,莫扎特的弦乐四重奏作品之上.贝多芬的一生是在疾病缠身和贫困中度过的,但这并没有使他走向悲观和厌世,而是促使他到音乐中去寻求出路, 解脱和得救.通过不断的与命运抗争,使贝多芬的音乐充满了叱咤风云的男性英雄气概,他喜欢用大幅度的感情突变手法,经常从最轻的声音突然变成最强的音量,他相信人定胜天,人是天地万物的主宰.贝多芬是一位思考者,是具有哲学气质的作曲家,他认为音乐艺术的崇高目标是为了"民族的需要"是为了改造世界,因此,他的音乐常与重大的,历史性的,涉及人类命运的事件相联系.经过海顿,莫扎特和贝多芬三位大师的努力,使弦乐四重奏由最初的供人消遣娱乐,提供"背景"式的音乐,发展为表达作曲家强烈内心情感和深刻哲学思考的艺术形式.维也纳古典时期室内乐的成熟正是随着这种艺术形式涉及现实生活的范围和深浅而改变的.二,既能表现复调音乐又能展现主调音乐的弦乐四重奏,在巴罗克音乐向古典主义音乐的过渡中起到了桥梁连接的作用古典主义时期,西方音乐完成了由复调音乐向主调音乐的过渡.作为这一时期重要音乐形式之一的室内乐,正逐渐抛弃复调音乐,确立以奏鸣曲式为代表的主调音乐体裁,并将复调技术运用于主调框架之下,形成主调之中包含复调因素的有机整体.海顿通过毕生的努力和探索,将复调手法运用到主调织体之中,为室内乐找到了一条既符合历史潮流又适合重奏体裁要求的发展道路, 这种主复调融合的手法直接影响到莫扎特和贝多芬.弦乐四重奏是室内乐的代表形式,也是最能体现主复调充分结合的重奏形式,正是由于它的出现,弥补了复调音乐与主调音乐衔接上的空档. 三,古典时期的室内乐作品几乎都是无标题的,"纵向"的纯音乐,各声部之间的关系是平等的1.古典室内乐作品几乎都是无标题的纯音乐.尽管有些室内乐作品有标题,但大多数标题都与内容无关,只是为了记忆而添加的,比如海顿的《俄罗斯四重奏》是因为献给俄国凯瑟琳大帝而得名的,贝多芬的《竖琴》四重奏是因为作品第一乐章模仿竖琴的拨奏而得名的. 室内乐不叙事不状物,也没有鲜明的音乐形象,但它能够体现音乐的本质,揭示音乐的内涵,是并无具体所指的纯音乐. 2室内乐是"纵向"的音乐,更加注重和声对位的技巧,而不仅是旋律的优美流畅.在室内乐作品中和谐,丰满的对位效果是整部作品的核心.3室内乐各声部之间的关系是平等的,而不是服役的,每件乐器既要表现鲜明的个性,又要相互配合,共同构成高度和谐统一韵艺术整体.维也纳古典时期是室内乐发展的黄金时代,海顿,莫扎特,贝多芬三位大师在这方面给后人留下一批巨大财富.他们不仅建立和完善了古典室内乐的风格,同时也为后人的创作奠定了基础.参考文献:【1】张蓓荔.弦乐四重奏的技巧与风格『M】.人民音乐出版社,2001.【2】唐纳德?杰?格劳特,克劳德?帕利斯卡.西方音乐史『M】.汪启璋,吴佩华,顾连理,译.人民音乐出版社, 1996.【3】AlecHyattKing.吴梅译.莫扎特室内乐【M】.花山文艺出版社,1999. 【4】孙海.弦乐四重奏200年史【J】.星海音乐学院,1996,(3).【5】杨九华.西方弦乐四重奏艺术发展综述【J】.人民音乐,2002,(6).【61刘建,童苏.维也纳古典室内乐及其演奏风格【J】.音乐艺术一上海音乐学院,2004,(2).【7】浅谈室内乐欣赏【J】.音响技术, 2001,(1).口(编辑/丹桔)活力2007.10105。
浅谈美国波士顿音乐学院室内乐课程设置的创新性
Jian浅谈美国波士顿音乐学院室内乐课程设置的创新性李雅琨武汉音乐学院摘要：美国波士顿音乐学院（Boston Conservatory at Berklee）是美国成立最早的私立音乐学院之一，在新英格兰地区颇具影响力。
学院综合了音乐表演、歌剧表演和舞蹈表演等艺术表演学科，办学颇具特色。
在这样的办学环境和教学背景下，其室内乐课程设置有值得研究和借鉴的地方。
关键词：美国波士顿音乐学院室内乐训练课程设置中图分类号：J60-0文献标识码：A文章编号：1008-3359（2020）07-0114－02有针对性的室内乐训练是西方古典音乐学习至关重要的一部分。
每一位专业学习西方古典音乐的学生每周都应有1~2小时的独立练习和2~4小时合奏排练经典室内乐曲目的时间。
笔者将依托多年美国留学经验，结合教学经验，以伯克利波士顿音乐学院室内乐课程设置为范例，分析总结一些可借鉴的经验。
一、伯克利波士顿音乐学院背景介绍及在美国古典音乐学院中的影响力伯克利波士顿音乐学院（原名波士顿音乐学院）建校于1867年，是全美最早成立的表演艺术学院，其前身是由欧洲小提琴家、作曲家Julius Eichberg创办的社区音乐学校。
作为一个独立的私人音乐学院，波士顿音乐学院在新英兰地区颇负盛名。
学校学生人数一般不超过500人，国际学生数量约占学生总数的百分之二十。
学校下属三个分院，分别为音乐表演院、戏剧表演院和舞蹈表演院，各自由分管院长管理，可授予Bachelor、Master和Certificate三种类型的学位。
这一点与“音乐哈佛”———朱莉亚学院（The Juilliard School）相同。
学校校友大多活跃于世界一流职业乐团，如波士顿交响乐团、费城交响乐团、克利夫兰交响乐团、柏林爱乐乐团等。
2016年1月，学校董事会又与美国流行音乐明星的摇篮———伯克利音乐学院签订合并合同，地理位置毗邻的两校正式合并。
美国伯克利音乐学院建校于1945年，是世界上闻名遐迩的现代音乐学院，培养了大批百老汇明星和格莱美奖获得者。
论巴洛克时期器乐的发展
论巴洛克时期器乐的发展巴洛克时期（17世纪后期至18世纪中期）是欧洲音乐史上的重要时期，以其艺术复杂性和装饰性著称。
在这个时期，器乐音乐（instrumental music）得到了空前的发展，成为西方音乐史上的重要组成部分。
本文将探讨巴洛克时期器乐的发展，从源头到成熟，从简单到复杂，从意大利到德国，带领读者感受巴洛克时期器乐的魅力。
巴洛克时期的音乐特点巴洛克时期的音乐具有极强的情绪性和装饰性，音乐作品中经常充斥着各种音乐技巧和装饰手法，这是欧洲文化在这一时期的普遍特征。
同时，在器乐方面，随着音乐家们对音乐专业化和技术的不断追求，器乐音乐得到了进一步发展和演进，体现出更多的个性和特色。
在巴洛克时期，随着音乐家们对音乐语言和技术的不断追求，器乐音乐发展出了一系列不同的形式和类型，这些艺术形式和风格一直影响着后世的音乐。
巴洛克时期最早的器乐形式巴洛克时期早期的器乐形式主要是由意大利人所创造的，这些意大利人对西方音乐的发展起到了至关重要的作用。
其中最著名的是小提琴家和作曲家科雷利，他所创造的《四季》是巴洛克时期最著名的器乐作品之一，同时也是西方音乐的经典之作。
他的器乐作品以音乐技巧和音色的变化为特点，借助于小提琴的完成开创了一种新的音乐形式，是巴洛克式器乐的重要代表。
另外，诸如荷兰双簧管演奏家Albrici和意大利键盘演奏家Frescobaldi等人也对巴洛克时期的器乐音乐做出了杰出的贡献。
巴洛克时期器乐的演进巴洛克时期器乐音乐的演进可以追溯到16世纪文艺复兴时期的意大利。
在这个时期，器乐音乐逐渐成为一种独立的艺术形式。
音乐家们通过不断探索和创新，发展出了各种各样的器乐形式，如小提琴协奏曲、管弦乐、室内乐和键盘乐等。
同时，意大利音乐家向世界传授他们的音乐技巧和创意。
随着器乐音乐的不断发展和演进，巴洛克时期的音乐通过不断的提炼和发扬，创造出一系列的经典作品。
其中最著名的作曲家之一是德国作曲家巴赫，他的许多作品都是巴洛克风格的典范，如《无伴奏小提琴奏鸣曲》和《赋格曲》等。
室内乐的名词解释
室内乐的名词解释摘要：一、室内乐的定义与起源二、室内乐的类型与特点三、室内乐的发展与演变四、室内乐在我国的现状与前景五、推荐欣赏的室内乐作品及作曲家正文：室内乐（Chamber Music）是一种源自欧洲古典时期的音乐表演形式，它原指在宫廷室内演奏的音乐，后来逐渐发展成为一种具有特定风格和演奏方式的音乐会形式。
室内乐通常由少数乐器演奏，如小提琴、大提琴、钢琴等，有时也会加入声乐。
其特点是精致、简约、富有表现力，能够充分展示演奏者之间的默契与互动。
室内乐的类型主要有以下几种：1.奏鸣曲：最早起源于巴洛克时期的独奏乐器演奏，后来发展为多乐器的室内乐作品。
2.弦乐四重奏：由两把小提琴、一把中提琴和一把大提琴组成，是室内乐中最常见的类型。
3.钢琴三重奏：由钢琴、小提琴和大提琴组成，具有较强的表现力。
4.钢琴五重奏：由钢琴、小提琴、中提琴、大提琴和低音提琴组成，较少见。
室内乐的发展与演变：室内乐起源于16世纪，巴洛克时期达到繁荣。
进入古典时期，室内乐得到进一步发展，海顿、莫扎特、贝多芬等大师纷纷创作出许多脍炙人口的室内乐作品。
浪漫主义时期，室内乐继续保持繁荣，出现了诸如勃拉姆斯、柴科夫斯基等优秀作曲家。
近现代，室内乐逐渐融入了现代音乐元素，表现出更为丰富的个性。
在我国，室内乐的发展尚处于起步阶段。
近年来，随着音乐教育的普及和音乐产业的快速发展，室内乐逐渐受到重视。
许多音乐院校和演出团体纷纷成立室内乐团，推广室内乐表演。
此外，国内外音乐交流日益频繁，为我国室内乐的发展提供了更多机会。
然而，与西方发达国家相比，我国室内乐在创作、表演和普及方面仍有较大差距，未来发展仍需努力。
推荐欣赏的室内乐作品及作曲家：1.莫扎特：《G大调弦乐四重奏》2.贝多芬：《钢琴三重奏“月光”》3.勃拉姆斯：《钢琴五重奏》4.柴科夫斯基：《弦乐小夜曲》通过欣赏这些作品，您可以感受到室内乐的魅力，体验不同乐器之间的和谐与对话。
基于弦乐四重奏探讨古典室内乐的发展路径
基于弦乐四重奏探讨古典室内乐的发展路径【摘要】古典室内乐是西方音乐传统中的重要流派之一，弦乐四重奏则是其中不可或缺的重要组成部分。
本文将从古典室内乐的起源与发展历程、弦乐四重奏在古典音乐中的演变、作品中的重要性、表现手法以及对发展的影响等方面进行探讨。
通过分析弦乐四重奏在古典室内乐中的独特地位和不可替代性，展示其在音乐史上的重要地位。
结合现实情况展望古典室内乐的未来发展方向，指出弦乐四重奏仍将持续发挥重要作用，促进古典室内乐的不断创新和发展。
弦乐四重奏在古典室内乐中的独特地位将继续激发作曲家和演奏家的灵感，为古典音乐注入新的活力与魅力。
【关键词】古典室内乐、弦乐四重奏、发展路径、起源、演变、重要性、表现手法、影响、不可替代地位、未来发展方向1. 引言1.1 概述古典室内乐的概念古典室内乐是一种以少数乐器演奏的音乐形式，通常包括弦乐器、木管乐器、铜管乐器和键盘乐器等。
相比于交响乐团或大型管弦乐队，室内乐更加亲密、精致，让每个乐器的声音都得以展现。
古典室内乐通常在小型场所演出，如室内乐厅、宫殿和私人住宅等。
它与交响乐有着不同的音乐创作和表现方式，更加注重每个音符的细致处理和演奏者之间的互动。
古典室内乐作为音乐史上的重要流派，有着悠久的历史和丰富的作品。
从巴洛克时期的勃兰登堡协奏曲到古典时代的莫扎特弦乐四重奏，再到浪漫主义时期的勃拉姆斯弦乐四重奏，每个时代都留下了不朽的作品，成为音乐史上的经典之作。
在古典室内乐的演奏中，弦乐四重奏往往扮演着至关重要的角色，其优美悦耳的声音和丰富的表现力使其成为古典室内乐中不可或缺的组成部分。
1.2 弦乐四重奏在古典音乐中的地位弦乐四重奏在古典音乐中扮演着重要的角色，被认为是室内乐中最具代表性和最完美的形态之一。
四重奏的编制包括两位小提琴手、一位中提琴手和一位大提琴手，这个构成形式既丰富又多样化，充满了音乐的魅力。
弦乐四重奏的独特之处在于其充满和谐和默契的演奏方式，四位演奏者默契配合，共同展示出音乐的协调与统一。
26464325_平彻尔室内乐《暮光之歌》的技法及结构解析
摘 要：室内乐《暮光之歌》以诗歌为词，将诗歌原有的韵律意境与个性化的音乐语言高度融合，呈现“光与影”的意境，形成“乐”与“诗”的统一，展现“音乐之诗”的力量。
本文深入剖析作品音乐意象的塑造方式，进而探究作曲家对于音乐程序的具体处理策略，最终挖掘出作品中深层的多重结构思维。
关键词： 《暮光之歌》；意象塑造；处理策略；多重结构思维马蒂亚斯·平彻尔（Matthias Pintscher，1971— ），是活跃于当今乐坛的德国作曲家、指挥家。
他的音乐作品以精确的控制、巧妙的旋律和细致入微的声音氛围为人所熟知。
此外，他的音乐创作灵感常源于绘画、雕塑等其他艺术体裁，诗歌这一文学体裁也对其多部作品产生了深刻影响。
平彻尔的音乐作品常显现出较强的诗律意蕴与诗歌力量，同时兼备感染力十足的音乐戏剧性效果，可谓“音乐之诗”。
其中，室内乐作品《暮光之歌（A Twilight’s Song ）》是充分体现其“诗乐一体”音乐创作特征的典型作品之一。
室内乐《暮光之歌》创作于1997年，作曲家根据爱德华·埃斯特林·卡明斯a 著名的诗歌《时间逝去（The Hours rise up ）》而作，1998年由作曲家本人指挥，携女高音伊娃－玛丽亚·库劳和巴伐利亚歌剧院的演奏家们在慕尼黑双年展首演。
作品编制为：女高音、低音长笛、低音单簧管、一位打击乐手、竖琴、钢琴、中提琴、大提琴。
整体而言，这部作品通过不同的音乐音响织体、音色配置方式，营造出“光影”变幻的音乐氛围，女高音声部与器乐声部共同交织成“光影”不断转换的音乐场景，也传递给听众较为深刻的“镜喻”哲思。
一、音乐意象的塑造方式“音乐意象”（Music imagery）是指对音乐信息进行理解、认知的一种表征形式，是音乐表象与音乐意义等融合的产物，是一种与人的音乐创造性活动相关的心理图像。
在《暮光之歌》中，“光与影”成为了作品显而易见的核心意象。
在具体运用过程中，作曲家依托于音高材料、和声构成及结构布局的设计，最终以音响为主导，恰如其分地描绘了诗歌中“光与影”这一意象，以此满足观众对听觉、视觉的双重期待。
现代西方室内乐演奏延伸技巧——初探乔治·克拉姆之《秋季11回声》
创作 擅长在传 统乐 器上使用特殊演奏技法 ，并 且在音效方面喜
欢 采 用 非 西方 乐 器 所 能 产 生 的新 颖 独 特 音 效 ， 如 内奏 钢 琴 、 预 制
注： 基金项 目： 中央 高 校 基 本 科研 业 务 专 项 博 士创 新 基 金 。 项 目编号 ： １ ３ Ｓ Ｚ ＹＢ Ｓ ２ ６
现代 西方 室 内乐演 奏 延伸 技巧
初探乔治 ・ 克拉姆之《 秋季 １ １回声》
国 易可菲 邓 良
摘
要： 乔治 ・ 克 拉姆 的现 代 室 内乐 四重 奏 《 秋季 １ １回 声 》 可 为 当代 西方 较 为成 功的 室 内乐 作 品之
一
、
作者 生平 介 绍 和作 品简 介
奏。 １ １ 个 回声之音乐表情分别 为 ： １ ， 幻想曲； ２ ， 尽可能地阴沉（ 让 人流连忘返 ） ； ３ ， 极快速 ； ４ ， 耀技表现 ； ５ ， 华彩 Ｉ （ 中音长笛 ） ； ６ ， 华 彩Ｉ Ｉ （ 小提琴 ） ； ７ ， 华彩 ｈ ｉ （ 单簧管 ） ； ８ ， 有威力 、 暴力地 ； ９ ， 几乎安 静地 （ 让人流连忘返 ） ； １ ０ ， 过 分地 （ 轻轻起伏 ） ； １ １ ， 慢板 （ 如 同祈
《 秋季 １ １回声》这部室内乐Βιβλιοθήκη 品能够体 现出他对之前传统流派
的 继 承 ，特别 是 印 象 派 的一 些 手 法 在 这 部 作 品 中能 很 鲜 明地 表
处就在于他并 不是单一 的重复最原始 的动机 ，而是通过对节奏 的变化 ， 音调的转变 ， 钢琴现代技法 的演奏 ， 达到 了一种错位感 ， 使听者产 生了一种既对这个动机有些熟悉又似乎带有 几分陌生 的感 觉。其实这个动机一直在作 品中出现 ， 但它并没有让 听者感 到 由于重复运 用后 而产生 的疲倦感 ， 这是乔治 ・ 克拉姆在这部室 内乐 作 品创 作 手 法 中 的经 典 之 处 ， 他很 好 地 把 音 色 、 音响、 节 奏
西方器乐
一 器乐小品
名作欣赏 《摇篮曲》
这首《摇篮曲》原是一首歌曲，后被改 编为钢琴、小提琴等独奏曲及合唱曲等。乐 曲中轻而徐缓的旋律，非常甜美，表现出安 详、温馨的意境，充满着无限的温存和爱抚。
一 器乐小品
《摇篮曲》歌词 睡吧，睡吧，我亲爱的宝贝，妈妈的双手轻轻摇着你， 摇篮摇你，快快安睡，夜已安静，被里多温暖； 睡吧，睡吧，我亲爱的宝贝，妈妈的手臂永远保护你， 世上一切美好的祝愿， 一切幸福，全都属于你； 睡吧睡吧，我亲爱的宝贝， 妈妈爱你，妈妈喜欢你， 一束百合一束玫瑰， 等你醒来，妈妈都给你。
二 室内乐
名作欣赏 《如歌的行板》
弦乐四重奏是由第一小提琴和第二小提 琴，一把中提琴加上一把大提琴组成的，四 件乐器各演奏一个不同的声部，共同塑造一 个艺术形象。《如歌的行板》是复三部曲式， 整个乐章以忧伤的情绪为基调，悠长缓慢， 如泣如诉，仿佛在诉说心中的忧郁和痛苦。
二 室内乐
提琴，大致可分为小提琴、中提琴、大提琴和低音提琴，这四种弦乐器有很多 相似之处，例如，外形、名称等，但是要说起不同点，更是不胜枚举，例如，体积 大小、弹奏方式等。从弓弦乐器的发声原理来追溯它的起源，它应是原始先民在狩 猎或战争胜利后歌舞时，从弓弦的声音得到启发而产生出的最雏形的弦乐器。然后， 因弦的长短、粗细、绷紧的程度不同而有不同的音响效果，进而发展出二条弦（如 二胡）、三条弦（如三弦）、四条弦（如提琴）、五条弦（如有些大贝斯）、六条 弦（如吉他）、八条弦（如曼陀林）等种类繁多的弦乐器。
一 器乐小品
名作欣赏 《G 大调弦乐小
夜曲》
《G 大调弦乐小夜曲》由奥地利作曲家 莫扎特于1787 年8 月24 日在维也纳完成， 并以最时髦的德文用语Eine Kleine Nachtmusik（一首小夜曲）命名。该曲是 18 世纪中叶器乐小夜曲的典范。
室内乐
含义 历史 形式
含义
• 原指西方贵族宫廷中由少数人演奏、演唱， 为少数听众演出的音乐，它有别于当时的 教堂音乐和戏剧音乐 • 现在指由一件或几件乐器演奏的小型 器乐曲，主要指重奏曲和小型器乐合奏曲， 区别于大型管弦乐。
历史
• 室内乐大约于16世纪末产生于意大利。从现在的角度来看， 它是一种小型器乐合奏形式。 • 16—18世纪初室内乐成为了在私人（贵族）家里表演的声乐 或小型器乐曲，由于贵族们喜好音乐，他们常会找些志同道 合的音乐人士一同演出，于是就形成了最早的室内乐形式。 • 18世纪中期-19世纪上半叶随着音乐逐渐走进市民阶层，表演 地点也从私人家庭移到公开的音乐表演场所，使室内乐在含 义上有了新的变化，它成为由少数乐器表演的（主要指弦乐 四重奏），与具体演出场所无关的现代室内乐。 • 19世纪中期至末期，大多数重要的室内乐作品都出自德国作 曲家之手，如舒伯特、门德尔松、舒曼、勃拉姆斯等，虽然 乐器的组合主要沿用古典主义时期的形式，但也发生了一些 变化，通常为二至九人的重奏组合，最典型的例子是舒伯特 的钢琴五重奏《鳟鱼》。
形式
• 按声部或人数的多寡，室内乐可分为二重奏、三重奏、 四重奏、五重奏直至九重奏等多种演奏形式。因所 室 内乐演奏会 • 用乐器种类不同，室内乐又有单纯弦乐器演奏的重奏和 弦乐器与钢琴、管乐器等混合演奏的重奏之别。弦乐四 重奏是室内乐的重要形式,由第一小提琴、第二小提琴、 中提琴、大提琴各1件组成；弦乐三重奏由小提琴、中 提琴、大提琴各1件组成；而弦乐五重奏则由第一小提 琴、第二小提琴、中提琴（2或1）、大提琴（1或2）组 成。通常所称钢琴三重奏、钢琴四重奏、钢琴五重奏等， 系指2件、3件或4件弦乐器与钢琴重奏的形式。亦有由 管乐器与弦乐器演奏者，如W.A.莫扎特所作由双簧管、 小提琴、中提琴、大提琴演奏的
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论西方室内乐
一、室内乐
（一）丰富多彩的室内乐
室内乐（Chamber music）意指在室内——而非教堂、剧院、或大型公共场所——演奏的音乐，它是古典音乐的基石。
室内乐汇集的曲目种类至为繁多，内容也极为多元化。
1、室内乐的产生
十七世纪末前，欧洲还没有公开的音乐演奏会。
当时，如果按场所来区分，可分为三类，即：教堂音乐、剧院音乐和室内乐。
室内乐是为贵族服务的，在家里的客厅或休息室进行演奏。
在当时室内乐可以指声乐，也可以是器乐（如：钢琴、小提琴）。
而近代的室内乐，则专指由少数乐器演奏的音乐。
室内乐出现于公开演奏，是源于十九世纪三十年代初。
自1831年起在欧洲各地公开演奏。
自此，室内乐开始为大众服务。
2、富有魅力的乐器
室内乐中最常用的乐器则是小提琴和中提琴，小提琴不仅是管弦乐队中最重要的乐器，同样在室内乐，民谣乐，爵士乐等领域散发其迷人的魅力。
中提琴类似小提琴，但琴身稍大，琴弓较长且稍显粗重，定弦比小提琴低五度。
中提琴属提琴族乐器里的上中音乐器，音色柔和、深沉，略带些沙哑，因而亦独具特色。
（二）多样化的室内乐曲式
室内乐曲式有很多种，例如：
回旋曲式：起源于欧洲民间的轮舞曲，十八世纪初叶法国古钢琴曲多用之。
以一再反复的基本主题与若干各不相同的“插段”交替出现为原则。
这种曲式适宜于表现活跃欢腾的情景，奏鸣曲、交响曲等大型乐曲的末乐章常用之，以热烈的气氛结束音乐。
在歌曲中也有回旋曲式性质的作品。
小夜曲：一种黄昏或夜间在室外独唱或独奏的歌曲或器乐曲。
渊源于欧洲中世纪骑士文学的一种爱情歌曲。
其音乐情绪缠绵委婉，常为青年人徘徊于恋人窗前时所用，流行于西班、意大利等国。
浪漫曲：它是一种无固定形式的抒情短歌或短乐曲。
十八世纪后半叶在法国民间、十九世纪中叶在俄国广泛流行。
其歌曲的特点为：曲调表情细致，与歌词紧密结合，伴奏亦较丰富；器乐曲旋律富于歌唱性，常由小提琴及管弦乐队演奏。
诙谐曲：又称谐谑曲。
一种三拍子的器乐曲。
其主要特点是节奏活跃，速度较快，常出现突发的强弱对比。
幻想曲：文艺复兴时期出现的一种器乐曲，16世纪时，它更发展为多种多样的形式，从最即兴的演奏记录直到最严格的复调织体，都有可能被称为幻想曲。
从某一部歌或什么现成作品为基本素材，进行加工创作的乐曲，亦常被称为幻想曲，比起集锦曲来，或许前者的创作成份更多些，而后者往往只是一些片断的简单联奏而已。
奏鸣曲：16、17世纪时泛指各种器乐曲。
17世纪后，则指类似组曲的器乐合奏套曲。
多斯卡拉蒂的古钢琴奏鸣曲为单乐章作品，大多采用古奏鸣曲式。
叙事曲（Ballade）：在拉丁文里，Ballade一词原意为舞蹈，但到了14世纪，无论是法文、德文还是英文都转义为“叙事诗”或“叙事歌曲”了，或许早期阶
段的叙事歌曲确是有舞蹈表演相随的以致于最后演化为成一个表示叙事舞蹈的词汇：“芭蕾”。
（三）著名的室内乐作曲家
维瓦尔弟亨德尔巴赫海顿莫扎特贝多芬
舒伯特勃拉姆斯柴可夫斯基西贝柳斯门德尔松
德沃夏克布鲁赫巴托克肖邦肖斯塔科维奇
（四）如何去欣赏室内乐
作为一个普通的音乐欣赏者，应该粗略了解音乐结构，譬如：它是几重奏由什么乐器组成，各个乐器担任什么角色。
在弦乐器里，小提琴总是出现在高声部，低音提琴大多数在低声部出现，和小提琴遥相呼应。
键盘器乐中，钢琴则可穿插在主要声部和副部之间。
然而作为专业欣赏者，还应更深入地了解作品的背景、作者的生平、创作的目的等。
除此之外，欣赏时，应着重于各个声部之间的交融、对位的关系，以及和声的效果。
二、西方室内乐的研究
室内乐在十七世纪时期是在那些贵族家里的客厅进行演奏，因此规模较小，但后来又逐渐演变为大的交响乐队，于1831 年开始普及于大众。
现在室内乐通常是指一些使用乐器较少，规模较小的音乐。
乐器有限，演出的形式当然也有限，因此室内乐的形式通常是以独奏和协奏为主。
在室内乐中最著名的莫过于弦乐四重奏了，弦乐四重奏是由双小提琴、一中提琴及一大提琴所组成的。
这是从十八世纪以来固定的编制。
在这一组合中，小提琴在其它提琴家族成员的协奏下无疑显得高贵且游刃有余。
小提琴的声音明亮清澈，在略带沙哑的中提琴和低沉的大提琴的衬托下，使得音乐显的富有立体感，层次分明，音色丰满，风格细腻，而小提琴独特的声音有能把轻快的情趣表现得近乎完美。
西方室内乐倾向于对人性的刻画，一些作曲家往往在音乐作品中注入自己当时的情思。
它富有丰富内涵，又能陶冶人们情操。
三、尾声
室内乐有着无穷的魅力，通过学习和了解使我掌握了很多知识。
希望更多的人可以了解室内乐，喜欢它、热爱它，了解和发扬他们更是我们义不容辞的责任！。