达达派摄影

●达达派摄影简介

“达达派”是第一次世界大战期间出现于欧洲的一种文艺思想。“达达”原为法国儿童语言中“小马”或“玩具马”的不连贯词汇。因为达达主义艺术家在创作中否定理性和传统文化，宣称艺术和美学无缘，主张“弃绘画和所有审美要求”，崇尚虚无，使创作近乎戏谑，因而人们把该艺术流派称之为“达达派”。在这种艺术思潮的影响下，摄影艺术领域中也产生了“达达派”。

达达派摄影艺术家的创作，大都是利用暗房技术进行剪辑加工，创造某种虚幻的景象来表达自己的意念。例如，《丽达和天鹅》把一个美丽的希腊神话故事，处理成某种晦涩怪诞、不可捉摸的图像与线条的组合。在画面中，可视形象已不再以其自身的意义存在，而是某种意念的构成元素。还有人利用剪辑手段，使尼亚加拉大瀑布涌向纽约，制造了一个荒诞的世界末日的凄凉景象。

由于达达派摄影艺术作品不符合人们一般的审美趣味和审美要求，1924年以后就逐渐受到较明确、完整的艺术理论和纲领的超现实主义艺术流派的冲击。但其影响仍可在以后出现的现代派摄影艺术中窥视。

超现实主义摄影为达达派没落时期出现于摄影艺术领域中的一种流派，兴起于本世纪三十年代。

这一流派有着较为严谨的艺术纲领和艺术理论。他们认为，用现实主义创作方法去表现现实世界是古典艺术家早已完成了的任务，而现代艺术家的使命是挖掘新的、未被探讨过的那部分人类的“心灵世界”。因而，人类的下意识活动，偶然的灵感、心理变态和梦幻便成了超现实主义摄影艺术家们刻意表现的对象。

摄影中的超现实主义者也象达达派摄影家一样，利用剪刀、浆糊、暗房技术作为自己主要的造型手段，在作品画面上将景象加以堆砌、拼凑、改组，把具体的细部表现和任意的夸张、变形、省略和象征的手法结合在一起，创造一种现实和臆想、具体和抽象之间的超现实的“艺术境界”。所以其效果是奇特、荒诞而又神秘的。

●达达派摄影著名摄影家

该流派的创始人是英国摄影家丝顿和美国的布留奎尔（1880-1945）。真正完成者为英国舞台摄影家马可宾（1905-?），他在自己的创作中，把"超现实"的虚和现实中的实揉合在一起，创造了一种既虚幻又实在的境界。例如，他在一九四六年创作的《马可宾的自画像》就是一幅很典型的超现实作品，它是运用四次曝光的手法拍摄出来的－－一次正面，两次侧面和一次一只眼睛。

这一流派的著名摄影家有从事超现实主义集锦照片的画家帕尔汗；变形人体摄影家布兰特；肖像兼宣传摄影家卡逊以及布鲁门塔尔、洛林、哈尔斯曼、赖依等。超现实主义艺术源于法国作家勃勒东(Andre Breton)发表于1924年的《超现实主义宣言》。他在这篇宣言中写道：“超现实主义是人类的一种纯粹的精神无意识活动。人们可以用无论是口头、书面还是其他方式来表达思想的这一真实过程——在不受理性的任何控制、又没有任何美学和道德的成见时的思想之自由活动。”由此可见，这一艺术流派的哲学基础是柏格森(Henri Bergson)的直觉主义和弗洛伊德(Sigmund Freud)的精神分析学说。在他们看来，人的最真实的感觉只能在潜意识和梦幻当中。因此，人类的下意识活动、突发灵感、心理变态和梦幻世界，才是一切艺术驰骋的广阔天地。

曼·雷(1890-1976，美国)是一位曾参与达达派和超现实主义派艺术活动的不知疲倦的摄影技术试验家和摄影艺术家。他曾尝试不用照相机，而是将某些物体直接置于光源和感光材料之间，通过轮廓、阴影的透射制作成照片。后人将这种不用底片的“照片”称为“曼·雷

式照片”或“物影照片”。他还曾利用暗房加工、多次曝光等特技将一些互不关联的影像或变形、或省略，反逻辑、超常态地错乱组合在一起，创造一种现实与梦幻、具象与抽象之间的奇特，荒诞而又神秘的，“艺术境界”。画面充满着某种象征性和暗示性，使作品内涵闪烁而不确定。

美国超现实主义摄影家菲利普·霍尔斯曼(Philippe Halsman)曾为他的好友，西班牙著名超现实主义画家达利拍摄并出版了一本超现实主义摄影集《达利之须》，表现出他的非凡的想象力。其中一幅题为《达利·阿托米卡斯》的照片，其构思受到现代物理学原子理论的启示，“把所有的东西都据实作为半悬空状态来描绘”，画面中的一切，包括达利、猫、水、画板与椅子都像在失重环境里那样飘浮于空中。由此可见，超现实主义摄影是利用摄影艺术的造型特性，将摄影当作画笔来表现作者的某种理念。

超现实主义摄影还有另一种存在形态，亨利·卡蒂埃—布勒松(Henri Cartier-Bresson)创作的某些作品就是这样的超现实主义摄影代表。这些作品的画面虽然是“纪实”的，但只是用来物化摄影家头脑中瞬间意识运动的艺术符号。其创作趋向于“心理自由化”和纯直觉表现，通过自由联想，自由地、随意地、松散地、不受逻辑支配地进行创作，但又并非完全都是“想象的漫无边际，感情的无端跳跃，怪诞形象的杂乱堆积”。用亨利·卡蒂埃—布勒松自己的话说就是“要时时刻刻地观察事物，就像跳舞一样，在有意识和下意识之间摆动，突然地发现并抓取那些刹那间的、自然出现的、直观感觉的景物”，“与其说我是个摄影家，不如说我是个蚀刻家或水彩画家……我是一束等待着时机的神经，在景物一次又一次地出现之中。突然拍摄，这是一种自然的快乐，是活动、时间与空间在某一时刻的集结”。

超现实主义摄影的造型手段多种多样。如比尔·布兰特(Bill Brandt)的变形、赫伯特.巴耶(Herbert Bayer)的“摄影光塑”和曼.雷的多次曝光等，都各有千秋。

关于超现实主义摄影

1999年9月12日，在纽约古根海姆博物馆举办了一个超现实主义影展“超现实主义----丹尼尔·菲利帕切摄影收藏展”。这个展览包括了曼·瑞(Man Ray)、皮埃尔·莫林尼尔(Pierre Molinier)、萨尔瓦多·达利(Salvador Dali)、多拉·玛尔(Dora Maar)等人的稀世之作，记“超现实主义迷”们大饱眼福。

超现实主义摄影产生于20世纪30年代，受超现实主义文艺思潮和超现实主义绘画影响颇深。超现实主义在今天看来已经成为历史，尤其在国内，超现实主义摄影还没有产生便已经死亡，即使可以出现，也不过是“仿超现实主义摄影”或“ 伪超现实主义摄影”，尽管如此，作为摄影史中的一个重要组成部分，我们还是有必要去了解它的。

超现实主义摄影作品是很难用文字来诠释的，因为这类作品不是现实经验的记录，要用我们大家的共同经验去对超现实主义摄影作品作一番评论是一件很吃力的事，我们也只能从它的句法及主张中去对超现实主义摄影作一可能是牵强附会的理解。

超现实主义摄影既然不以记录现实为己任，那么其作品中的实物自然也不能是它们原本在客观世界中的原意，每一物体都是作为一种视觉图像符号而出现的，超现实主义摄影家用这些符号作词汇来造“影像句子”，而且这种“影像句子”很难能翻译成“语言句子”，这种句子中也往往会蕴含一种情绪、一缕诗情、一些感性和些许的政治意味，这些隐含的意味也正是超现实主义作品的艺术魅力所在。

超现实主义源于达达主义其箴识：改变世界、消除战争和疾病，让自由、原始的爱以及内心的自发萌动和梦境来诠释永恒，事实上，超现实主义早在1966年伴随安德尔·布雷登的逝世而消逝，之后“超现实主义”一再被滥用和误用，被冠以“新超现实主义”和“新立体主义”之名，实在有些可怕。

影像拍摄中的十大问题

影像拍摄中的十大问题我们在日常使用数码摄像机时，常会遇到各种各样的问题，以至于在发现优美的景色时不能及时拍摄下来，让您不甚懊恼。如果您了解了下面这十个常见问题，就不会再错过美丽的景色了。 1、怎样选择数码摄像机的取景方式？数码摄像机的取景方式可以分为液晶显示屏取景与电子取景两种方式。液晶显示屏取景的最大好处就是方便直观，其缺点是在强烈光线下显示太弱，并且耗电很大，使摄像机连续动作时间大大缩短。在家用级的摄像机，液晶显示屏目前已成为消费者的普遍选择，但较为实用的还是电子取景器，这种取景方式不仅价格较便宜，使用时很省电，而且能在任何环境光线下采用。尽管取景器中的画面视角和色彩效果与最终结果不全相同，但使用一段时间后还是很快就会适应的。 2、如何防止数码摄像机的抖动？这些都是为了防止人手的抖动而产生的。我们在拍摄的时候，手的抖动是不能避免，因此就会导致影像模糊。现今摄像机多数都有电子防抖功能，它的原理是利用多余的像素达到防抖的目的。还有少数几种机型用的是光学防抖方式，它的防抖原理是机械式的，稳定性比电子防抖好，但这并不是说，有了该功能拍出的图像就清晰无晃动了，在实际使用中，即使用了防抖功能，人体或手臂的较大运动，仍会使画面不稳。有时仍然要用三脚架支持拍摄，如果摄像机有三脚架接口，还可以方便有些喜欢独自出游的朋友自拍。 3、怎样避免拍摄时站位不稳定的问题? 很多DV初学者拍摄出来的画面不稳定，令人的视线无法集中，往往觉得头晕目眩。相对水平方向的颤动，垂直方向的上下颤动更让人难以接受，避免画面颤动的最好方法是使用三角架，如果没有三角架怎么办？用下面两种方法：一是拍摄的时候用两只手紧握机身。首先用双手紧紧地托住摄像机并将双臂紧贴两肋，然后将摄像机抬到比胸部稍微高一点的位置。有些摄像机用一个手臂就能托起，但此时最好还是将右臂紧贴右肋，之后再用左手轻轻地扶住摄像机。这样就能减少抖动，进行稳定的拍摄。第二个方法更加有效，就是尽量避免使用长焦距而改用广角镜头。因为焦距越长视角越小，轻微的晃动就会令画面颤抖得很厉害，而广角镜头视角很大，即使较严重的晃动都不易觉察到。

国际达达主义的领袖

国际达达主义的领袖：杜尚（Marcel Duchamp 1887-1968）杜尚简介：杜尚（1887－1968），生于法国，卒于法国，而其艺术盛期则是在美国度过的。杜尚早期学习印象主义的风格，主要代表作品有《下楼的裸女》《下棋》等。1912年以后开始反传统的艺术观，停止创作传统手段的绘画和素描，并开始从事现成品艺术创作。主要作品有《晾瓶架》《药房》以及饱受争议的《泉》等。杜尚是美国达达主义的组织者，也是国际达达主义的领袖，他不是超现实主义的开创者。从野兽派到立体主义，再到现成品艺术，从一名新艺术形式的追随者到彻底颠覆一切为美和趣味的艺术的艺术家，他成为了超现实主义的鼻祖，他改变了美国乃至整个西方的艺术观念。在他的艺术事业如日中天时，他却一度放弃艺术创造，转而投入于下象棋。他是艺术家，他是职业棋手，他是艺术品经纪人，他还参与电影表演和创作。杜尚的艺术生活杜尚（Marcel Duchamp 1887-1968），出生于法国，１９５４年入美国籍。他的出现改变了西方现代艺术的进程。可以说，西方现代艺术，尤其是第二次世界大战之后的艺术，主要是沿着杜尚的思想轨迹进行的。因此，了解杜尚是了解西方现代艺术的关键。他的代表作有：《下楼的裸女》、《泉》、《Ｌ．Ｈ．Ｏ．Ｏ．Ｏ．》、《大玻璃》、《给予：１．瀑布２．燃烧的气体》等。我没有想到，一个艺术家可以活得如此精彩，如此自由。杜尚一出，整个西方艺术史被重新改写；学习杜尚，能使我们的生存意义霍然改容。有如此影响的人在世间不多，有幸和他接近是我们的运气。在这本访谈录中，杜尚用对话展现了他自己的一生，这一生是由热中绘画，学习先进流派，后来却又放弃绘画，甚至放弃艺术构成的。可是，当杜尚否定艺术，放弃艺术时，他却因此成为２０世纪最了不起的艺术家。在这里，他让我们第一次碰到了在艺术史中逻辑没法进入的部分：大相无形。

拍摄角度的技巧范文

拍摄角度的技巧范文导语：在摄影时，最怕站着不动，只用齐眼式的方式来观看世界，每个人都是这样看，当然拍出来的东西就不足为奇。想要拍出让人惊艳的作品，在拍摄时，应该要到处走走晃晃，四处观察，找出吸引你的拍摄视角。只要转个弯，就能遇见不同的风景。视点的方向拍摄前，摄影者应当绕被摄物件多走一走、看一看，寻找最理想的拍摄方向。在观察和比较的过程中你将发现，随着自己所处的位置不同，被摄物件的轮廓形状会有很大改变，画面结构会出现明显的差异，被摄主体与前景、背景的关系也会发生显著的变化。虽然是同一被摄物件，但由于拍摄方向不同，画面也会展现出各种不同的构图效果。 ▲光圈： F8 曝光时间： 1/1000s ISO ：200 焦距： 200mm。通常遇到一个具有明确兴趣点的物件，可以透过不同角度来进行塑造。 ▲光圈： F8 曝光时间： 1/1000s ISO ：200 焦距： 200mm。 ▲光圈： F11 曝光时间： 1/1000s ISO：200 焦距： 16mm。 ▲光圈： F11 曝光时间： 1/1000s ISO：200 焦距： 16mm。俯拍或仰拍可以拍摄出完全不同感觉的画面，前者展现出地面空间的广博，后者则表现了天空云彩的韵律。视点的高度在确定画面范围和拍摄方向的时候，还应当缜密思考一下，根据被摄物件的特点，应适合从多高的角度去拍摄。如果拍摄现场能让

你登高探查，不妨在被摄物件前从低到高的位置多加观察，仔细分析眼前的景色的变化，再选取一个最理想的拍摄高度。如下图所示，这张表现普通面包的照片，便是选择视点的典型范例。一般的摄影者往往从俯视角度进行拍摄，或者由上而下进行特写，而这张照片的拍摄者却选择了与面包近乎平行的角度进行拍摄，进而得到一幅亲和力强的静物画面，并具有趣味性。 ▲光圈：F5.6 曝光时间：1/1000s ISO：200 焦距：50mm。从与面包近乎平行的视角来拍摄，画面充满了趣味性。如下图所示，这也是一张低视角的构图画面。这样的画面让红色的人物完全映衬在蓝色的天空中，使色彩更加鲜明，而够低的视角也让物件前方不必要的杂物被排除在画面之外，使得整个画面更加简洁。 ▲光圈：F5.6 曝光时间：1/200s ISO：400 焦距：35mm。利用低视角让红衣人物处于黄金分割线上成为视觉中心。以上几张图片仅仅是在拍摄高度上有一点变化，就给摄影构图带来如此明显的影响。它改变着画面的结构，使画面表现出不同的艺术形式，产生不同的视觉效果。如果再加上拍摄距离和拍摄方向的变化，对于摄影构图将会有更大的影响。由此可以看出，视点的选择是何等重要! ▲光圈： F5.6 曝光时间： 1/200s ISO：800 焦距： 16mm。低视点和高视点拍摄所展示出的不同兴趣点。 ▲光圈：F5.6 曝光时间： 1/100s ISO：800 焦距： 16mm。

浅析变形监测中的地面摄影测量

浅析变形监测中的地面摄影测量随着摄影测量技术的飞速发展，它逐渐被应用到越来越多的项目上来，其中随着地面摄影测量技术的逐渐发展成熟，它也更多地应用到变形监测方面。文章主要就地面摄影测量用于变形监测的原理、设备及工序以及影响地面摄影测量精度的主要因素及解决措施进行了分析，指出地面摄影测量在工程的变形监测中已经发挥了很大的作用，但也存在着不足，精度和作业距离受限。因此，很好地结合地面摄影测量的各种方法对于变形监测来说非常重要。标签：变形监测；地面摄影测量；分析近年来，计算机技术在不断飞速发展中，摄影测量技术已经迈进了数字摄影测量的时代。“计算机视觉”的工作原理是把摄影像片转换成数字，或使用CCD 相机等具有特殊用途的摄影机直接拍摄物体的“数字影像”，再通过数字影像匹配技术以及数字摄像处理技术取得同名像点的坐标，并获取对应物点的空间坐标。 1 地面摄影测量用于变形监测的主要方式及其原理 1.1 时间基线法时间基线法又称为伪视差法，是指将不同时刻拍的两个像片作为立体像对，对固定设站的同一目标像点的上下以及左右视差进行量测，所得视差与像片比例尺的积就是目标像点的位移。时间基线法只能对变形体的二维变形进行监测，无法监测目标像点随着摄影机主光轴方向的位移。如图1所示。 S为摄影中心，S-XYZ为物方坐标系，第一期观测时，目标点A成像于a，设x，z为像点a在像片坐标系中的坐标，f为摄影机焦距。利用简单的几何关系可得出目标点A的坐标为： 1.2 地面立体摄影测量法如果地面觀测需要3个空间坐标轴上的位移值，就需要使用地面立体摄影测量法。该测量法按照不同的摄影基线与光轴的相对位置，分为正直摄影方式、等偏摄影方式、交向摄影方式以及等倾摄影方式四种。正直摄影与等偏摄影都是像片所对的摄影光轴水平相互之间保持平行，不同的是正直摄影与摄影基线方向垂直，而等偏摄影与摄影基线垂直方向偏开了一定的角度。交向摄影是指像片所对的两个摄影光轴水平相交并形成一定的角度。等倾摄影是指像片所对的两个摄影光轴水平相对倾斜并形成一个相同的倾角。在变形监测应用中，最常用的是交向摄影。根据摄影时摄影机内外方位元素是否已知，处理摄影测量数据的方式分为空间前方交会法，空间后交-前交法，严密解法以及直接线性变换法。下面以直接线性变换法为例给出数学模型。

达达主义总体分析

达达主义艺术背景达达派即达达主义。是二十世纪初在欧洲产生的一种资产阶级的文艺流派。第一次世界大战时，它首先产生在瑞士。1915年秋季，几个流亡在瑞士苏黎世的文学青年，包括罗马尼亚人特里斯唐．查拉、法国人汉斯．阿尔普以及另外两个德国人，他们在伏尔泰酒店组织了一个名为“达达”的文学团体；1919年，又在法国的巴黎组织了“达达”集团，从而形成了达达主义流派。艺术特点达达主义者对一切事物采取虚无主义的态度。达达主义者的行动准则是破坏一切。他们宣称：艺术伤口应象炮弹一样，将人打死之后，还得焚尸、销魂灭迹才好；人类不应该在地球上留下任何痕迹。他们主张否定一切，破坏一切，打倒一切。因此，达达主义是虚无主义在文学上的具体表现。它反映了第一次世界大战期间西方某些青年的苦闷心理和空虚的精神状态。达达主义的主要特征包括：追求清醒的非理性状态、拒绝约定俗成的艺术标准、幻灭感、愤世嫉俗、追求无意、偶然和随兴而做的境界等等。这场运动的诞生是对野蛮的第一次世界大战的一种抗议。达达主义者们坚信是中产阶级的价值观催生了第一次世界大战，而这种价值观是一种僵化、呆板的压抑性力量，不仅仅体现在艺术上，还遍及日常生活的方方面面。达达主义运动影响了后来的一些文艺流派，包括超现实主义和激浪派。代表人物及作品杜尚: 马塞尔·杜尚（法语：Marcel Duchamp，台译杜象，1887年7月28日－1968年10月2日）二十世纪实验艺术的先验，被誉为“现代艺术的守护神”。是一位法国艺术家，1955年成为美国公民，在绘画、雕塑、电影领域内都有建树，对于第二次世界大战前的西方艺术有着重要的影响，达达主义及超现实主义的代表人物之一。

达达主义和超现实主义

浅析达达主义和超现实主义在快速发展的现代生活下，我认为鲜明具有活力的流派艺术还属同样发展迅速并容易被接受认可的达达主义和超现实主义。达达主义是一场兴起于一战时期的苏黎世，波及视觉艺术、文学（主要是诗歌）、戏剧和美术设计等领域的文艺运动。达达主义是20世纪西方文艺发展历程中的一个重要流派，是第一次世界大战颠覆、摧毁旧有欧洲社会和文化秩序的产物。达达主义作为一场文艺运动持续的时间并不长，波及范围却很广，对20世纪的一切现代主义文艺流派都产生了影响。这两个流派可谓是及其相似，又有极大不同。达达主义者的行动准则是破坏一切。他们宣称：艺术伤口应象炮弹一样，将人打死之后，还得焚尸、销魂灭迹才好；人类不应该在地球上留下任何痕迹。他们主张否定一切，破坏一切，打倒一切。因此，达达主义是虚无主义在文学上的具体表现。它反映了第一次世界大战期间西方某些青年的苦闷心理和空虚的精神状态。达达分子是无政府主义者，而不是社会主义者。在某些情况下是原始法西斯分子，他们采用了巴枯宁的口号：破坏就是创造。达达派之后，法国产生了一个近代艺术史上影响力最大的画派——超现实派，事实上要对此两流派的时代作明确区分，则相当困难。因其演变过程并没有明确的在造型艺术上出现。不过，如果因此所把达达派精神与超现实派的本质视为同一，则是一大谬误。达达派虽成为超现实派诞生的温床，但超现实派多少还是承受了19世纪的浪漫主义及象征主义的遗产，另外还吸收了新的要素。这两个流派在文化思想碰撞最激烈的时候以非常理性且具有组织性的诞生，荒诞不羁和天马行空表现了当时或现代政治背景、思想冲突、社会问题，这些天马行空带来了一批又一批的创新表现，影响了各个领域的创作和表现。无论是当时或者当下我们不止在绘画作品中找到他们的影子，在文学、电影、服装、摄影、色彩等等，我们都可以看到大家对他们的认可和推崇。这两个流派就像青春期一样，叛逆、富于激情，但是一去不复返，令人回味。

达达主义与超现实主义风格分析

达达主义与超现实主义风格分析达达主义和超现实主义都是有其产生的必然性，且相似之处颇多。达达主义作为一个流派只存在了短短七年，而超现实主义作为一个文学流派从1924年正式诞生起，形式上从未消亡，至今仍然颇有生命力，不少现代主义流派均受其影响看似有异曲同工之妙的达达主义流派和超现实主义流派的寿命会有如此天壤之别并非偶然。一、达达主义与超现实主义的异曲同工超现实主义是始于法国的文学艺术思潮，于1920年至1930年间盛行于欧洲文学及艺术界中，并且对于视觉艺术的影响力深远。此派别的理论根据是受到弗洛伊德的精神分析理论影响深远，致力于发现人类的潜意识心理。因此主张放弃逻辑、有序的经验记忆为基础的现实形象，而呈现人的深层心理中的形象世界，尝试将现实观念与本能、潜意识与梦的经验相融合。它的主要特征，是以所谓“超现实”“超理智”的梦境、幻觉等作为艺术创作的源泉，认为只有这种超越现实的“无意识”世界，才能摆脱一切束缚，最真实地显示客观事实的真面目。超现实主义对艺术产生了巨大的影响。在超现实主义正式以一个流派出现之前，文艺界中出现了达达主义短暂的昙花一现。其所包含的深层次哲学意义却与超现实主义有异曲同工之妙。因此多有超现实主义就是直接来源于达达主义的说法，也有说达达主义本身就是整个广义的超现实主义运动的一部分。但不管如何界定，至少有一点是肯定的：达达主义与超现实主义有着千丝万缕的联系。二、达达主义与超现实主义的同途殊归（1）达达主义者对一切事物采取虚无主义的态度。对达达主义者来说，虚无主义成为了其行为原则，为虚无而虚无。他们常常用帕斯卡尔的一句名言来表白自己：“我甚至不愿知道在我以前还有别的人。”不管帕斯卡尔说这句话是何时何地何种背景何种目的，也许他想表达的不是我们所理解的意思，但是断章取义地看，这句话充满了对历史、对世界、对他人的无视。（2）超现实主义者的虚无主义态度则不同，不再是为虚无而虚无。虽然本身为一场对传统文化思想的反叛运动，但在这场反叛中，超现实主义者们提出了创作源泉、创作方法、创作目的等问题，更是涉及到了对人类本身意义的探寻之类的哲学问题，即是说在认识到原有的无意义基础上，自觉或不自觉地开始了对新意义的探索。他们也自称他们进行的是一场“精神革命”。革命显然要破坏，而破坏之后还有重建。旧的信念失去了魅力，需要有一种新的理想来代替。超现实主义就是他们在探索道路上的尝试。（3）达达主义者的行动准则是破坏一切。他们宣称：艺术伤口应像炮弹一样，将人打死之后，还得焚尸、销魂灭迹才好；人类不应该在地球上留下任何痕迹。他们主张否定一切，破坏一切，打倒一切。因此，达达主义是虚无主义在文学上的具体表现。这样的愤世嫉俗在最初阶段，即欧洲备受战火煎熬的时候很容易受到救世主一般的热烈追捧。每天都有人无奈地被毁灭，也许连墓碑都不能留下。人们在这种情况下发现达达主义者的作品很贴切地表达了自己歇斯底里的无奈感。这在特定时期很能满足人们的胃口，但伴随着战争结束，人类的疯狂行为也暂告一段落，随之人们开始寻求新的思想以取代已经被摧毁的旧信念。这样“破坏一切”的行为准则开始慢慢失去市场。达达主义本身的“破坏”也开始破坏到无法破坏，为破坏而破坏。传统艺术品通常要传递一些必要的、暗示性的、潜在的信息，而达达者的创作则追求“无意义”的境界。达达主义成功地摧毁了理性主义，对于达达主义作品的解读完全取决于读者自己的品味，不负责任地拒绝告知接下来该如何。

各种摄影滤镜及其作用的详细介绍(很全哦!)~~~

一、UV(紫外)镜：该镜能基本消除紫外线及杂光对胶片感光的影响，同时对镜头起保护作用。在高原地区摄影更是必需。二、天光镜：吸收紫外线，全天候适用。室外摄影时可减少日光下由散射光引起的阴影部分偏蓝现象，保持自然色彩。同时作为保护镜头之用。三、红镜(R)：吸收蓝光，可产生浪漫的天空效果或白天拍摄类似月夜的效果，并有吸收紫外线的功能。拍摄时一般需增加曝光三级，具体需根据拍摄要求及滤镜深浅程度灵活掌握。此镜一般用于黑白照片，也可用于彩色摄影。四、橙镜：吸收蓝、绿光，通过黄、橙、红，即波长大约在560-700nm区间可以通过。可加深蓝色影调，增强景物反差效果。五、黄镜(Y)：用于所有黑白片。能准确地校正全色片在室外摄影中的影调，使蓝天或树木与白云间产生更大的反差。在彩色摄影中可作为特殊效果滤光镜。六、绿镜（G）：通过黄、绿光，吸收红光及蓝、紫光，波长约在500-600nm区间可以通过。常用于压暗天空及表现肌肤影调等。需增加曝光3级左右。一般只用于全色片。七、蓝镜（B）：用于黑、白摄影。该镜通过青、蓝、紫光，吸收红、橙、黄等色。波长约在400-500nm 区间通过，需增加曝光2级左右（根据色镜深浅程度灵活掌握）。八、灰镜（ND）：在可见光范围内有一致的吸收特性。起阻光作用，没有任何色彩改变。是一种常用的调节光亮的滤光镜。九、雷登80：该镜系色温转换滤光镜，分A、B、C，雷登80A可将色温由3200K升至5500K，使用该镜可将日光型胶片适用于人工光源。十、雷登81：雷登81系暖调光平衡滤光镜，分A、B、C，其颜色为浅淡的琥珀色，可以轻微调正所摄画面中的偏蓝倾向，以求真实的色彩还原。在实际使用中，以雷登81C为多。十一、雷登82：该镜系色彩平衡滤光镜。淡蓝色，分A、B、C，这类滤镜特点是对色温改变幅度较小，多用于光源色温与胶片平衡色温大体一致的前提下的细微调整。十二、雷登85：85系列分A、B、C，属色温转换类滤镜。85B可将色温由5500K降至3200K。该镜为琥珀色，适合在日光下使用灯光型胶片。十三、萤光镜：萤光镜为特殊彩色补偿滤镜。使用日光型彩色胶片在萤光灯照明下拍摄时，所摄画面会产生偏蓝、绿色调，若加用萤光镜拍摄，则可校正上述偏色现象，从而使画面色彩还原真实。十四、减光夜景镜：系灰镜类。由较强的阻光作用。在曝光量选择适当的前提下，在日光下可拍摄到极佳的夜景效果。十五、红色增强镜：该镜为一种高档滤镜，由溶入昂贵的稀土元素制成的进口光学材料制造。它能使光谱中570-600nm之间浑浊的黄光和橙色光完全吸收，同时使红光顺利通过。因此它可以显著提高景物中红色、浅红、棕红物体的色彩饱和度，使之更加鲜明、艳丽、浓烈。例如使秋天的枫叶更红，草莓和西红柿更加诱人垂诞；日落的气氛更为浓郁；婚礼或圣诞更添喜庆……。该镜与偏振镜合用时可使蓝天色彩更浓、更美丽。使用该镜需增大1/2-1级曝光量。十六、渐变镜：渐变镜是摄影艺术创作极为重要的滤镜之一，它可以分为渐变色镜及渐变漫射镜，从渐变形式讲又可分为软渐变和硬渐变，“软”即过渡范围较大，反之，即过渡范围较小，均需依据创作特点选用。) 十七、偏光（振）镜：起削弱物体表面反射光的作用。外景摄影时可使蓝天更蓝，对比鲜明，色彩饱和。黑白，彩色摄影均可使用。拍摄时需增加曝光2级，是摄影者必备的滤镜。十八、柔焦镜：又称柔光镜，分1#、2#、3#，使用此镜可以制造出一种既柔又清的效果。拍摄人像可柔化人体肌肤的皱纹、斑点、毛孔等，制造细腻丰润，年轻迷人的效果。此镜在各种摄影及后期制作方面广泛应用。十九、雾化镜：此镜是自然风光摄影创作的常用滤镜，也广泛用于广告摄影及人像拍摄方面，它能使作品产生雾天效果，增加大气透视感。按镜片漫射作用的强弱分不同的型号，作用强的能产生浓雾效果，作用

摄影1

一.建筑的8要素一、角度拍摄建筑物时，作为摄影者必须自觉养成从各种角度和方位观察景物的习惯，这样才可能发现被摄体新的、。看上去很平淡无奇的建筑物，在改变角度和方位拍摄后，建筑物就会以新的面貌展现出来。实拍时如果只是为了显示建筑物的高大、雄伟与壮观，可采用低角度仰拍；反之，如果主要是为了显示建筑物的场面规模，可采用高角度拍摄。二、光线在拍摄大场景的建筑物群体时，最好采用夏季清晨和傍晚低色温进行拍摄。便于很好地表现建筑物整体的面貌和局部细节，可使拍出的建筑物在初升或落日的阳光照耀下，画面呈暖红色基调。在其它时间段要采用侧光拍摄建筑物，避免在中午阳光直射的情况下拍摄，画面会显得平淡。根据需要来灵活运用。三、线条避免建筑物出现变形和倾斜的现象，尽量让建筑物的线条做到垂直。否则,会出现倾斜不稳定的感觉。若使用广角镜头拍摄时，如果出现所拍建筑物倾斜和变形，就应更换标准镜头或中长焦距镜头，以此来纠正所拍建筑物出现的线条倾斜。当受到场地限制，无法移动机位时，只能使用广角镜头拍摄的情况下，也一定要注意尽量让相机的角度与地平线保持垂直，这样拍出的建筑物就可以减小畸变。如果使用移轴镜头，能调整焦平面与建筑物的透视关系，效果会更佳.

四、云彩五、框架的运用摄影者要灵活采用新颖的视角，将完整建筑物结构的一部分从与之相连的其它部分中分离出来，使其自然形成框架作为前景合理加以运用，以创造出一种抽象、简洁的画面，让原本平淡的建筑物，通过精确的取舍之后，让画面萤新注入新的活力。六、影子当所拍建筑物的一些外型结构，在光线照射的情况下，往往会落下很有趣的影子，如果能充分利用因光影变化而产生的投影，捕捉影子与主体之间的关系，效果会更好! 七、景观取景单调时，将旁边的美景放在前面,增加层次感,很好八、人物摄影者如果能结合社区的特点，将群众组织的文娱活动拍下来，将会使画面耳目一新。通常，在城市建筑群中都会有空旷的广场，社区街道和民间组织经常会开展一些丰富多彩的文体活动，在拍摄时可采用竖幅画面构图形式，重点突出表演中的人物和围观的群众，同时还应尽量将高楼大厦拍完整，使画面中的人物与现代建筑物融为一体，更好地表现当代社区的和谐和建筑事业的发展．二部分:建筑摄影的构图 1.建筑摄影的构图 2.一、选择拍摄点

达达艺术的鉴赏

达达艺术的鉴赏今天去上了一节艺术欣赏的课，课上特别对达达主义的作品比较感兴趣。虽说不怎么会赏欣，但是还想说下关于达达的事。达达主义是第一次世界大战期间最初出现在瑞士的苏黎世。瑞士是当时战争的中立国家，一群交战国的青年因躲避战乱而云集苏黎世从事艺术活动，借以发泄和抚慰紧张不安的心灵，其中有德国的雨果·巴尔（1871-1958年）、汉斯·里赫特尔（1888-1976年）和理查德·胡森贝克（1890-1963年）；有法国人汉斯·阿尔浦（1887-1966年）；还有罗马尼亚人特里斯坦·扎拉和马塞尔·扬科以及一些其他国籍的艺术家。这些流亡的艺术家们有着强烈的反战情绪，他们看到人类文明惨遭践踏，深感前途渺茫，于是在他们中间滋长了无政府主义和虚无主义，他们要组织起一个国际性的文艺团体，创造出符合他们新的理想的文学和艺术作品。于1916年2月举行成立大会时，歌唱家罗瓦夫人随意在法文字典中发现“达达”一词，意即孩子不明确的呀语，没有什么意义，人们认为这个名称很怪诞有趣，用着他们团体名称很好，不久他们发表了达达宣言，大意是： “达达--意思就是无所畏，我们需要的著作是勇往直前的、勇敢的，切实的，而且是永远不能懂的，逻辑是错误的，道德永远是罪恶的，我们所视为神圣的，是非人的动作的觉醒......” “达达什么都不相信，恋爱、工作。” “达达不求什么，达达就是达达。” “达达的反感，消灭记忆：达达消灭考古：达达消灭未来：达达绝对的，无可争辩的一切，上帝，立刻的，自然性的产品。” 达达主义信奉的是流行的巴枯宁哲学，打倒一切，排斥一切。从中我们可以看出达达主义艺术思想的狂热和对传统的决裂。在当时达达主义影响很大，扩及到德国、西班牙、法国、甚至远到美国，似乎形成了一个国际性的文艺团体，达达之所以造成如此强烈反响，其原因如里德所说：“达达主义开始时，实际上的意思是企图摆脱一切古代传说的重荷，无论是社会的还是艺术的，而不是要创造一种新的艺术风格。这种运动的背景，是普遍的社会的不安，战争狂热和战争本身，以及俄国革命，达达主义分子是无政府主义者，在某些情况下是原始法西斯分子，他们采用巴枯宁的口号：破坏就是创造！他们全力摇撼资产阶级（他们认为资产阶级应付战争责任），而且他们准备在恐怖的想象范围内运用任何手段——用垃圾制造绘画（拼贴画），或者把酒瓶架或小便盆之类的东西抬到艺术的高贵地位。” 达达主义的代表人物，著名的有马克斯·杜桑（1887-1968年）和马克斯·恩斯特。 1917年2月纽约独立美展展出杜桑送展的一件尿斗，题名《泉》，引起轰动。当它展出时，有些评论家指出这件作品是剽窃，因为它是工厂生产的现成工业品。杜桑书面答辩说：“这件《泉》是否我亲手制成，那无关紧要。是我选择了它，选择了一件普通生活用具，予它以新的标题，使人们从新的角度去看它，这样它原有的实用意义就丧失殆尽，却获得了一个新的内容”。罗马尼亚籍理论家布雷东为杜桑的《泉》辩解道：“作为《泉》的尿斗是工业品，这是事实，但它经过艺术家杜桑的选择，它就从工业转化为艺术品，因此关键在大艺术家的选择”。

浅析波普艺术与大众文化生活

浅析波普艺术与大众文化生活摘要：20世纪50年代波普艺术诞生在英国，60年代在美国发展到了高潮，虽然存在时间短暂，但其影响却是从观念上改变了大众对艺术欣赏和承受的能力。关键词：波普艺术；大众文化；后现代艺术正文：第二次世界大战结束以后，西方社会发生了一系列引人注目的变化。科学技术与物质生产的发展促使了西方的物质生活水平大大提高，为现代西方文学艺术的发展提供了新的基础、内容和土壤。特别是第二次世界大战给人们心灵造成的创伤和随科技革命与经济发展后物对人的精神压抑的加剧，以及生态危机、自然资源危机、社会心理危机等社会危机的日益加深，使得西方社会在20世纪上半叶滥殇的非理性主义思潮逐渐让位于加强对人的关注与研究的人本主义思潮。受其影响，于是现代派文学艺术开始出现了在思想主题、表现形式和创作手法等方面的变化，从而形成了文学艺术的新视点，于是出现了“后现代主义”艺术形态。后现代艺术的形态出现是对第二次世界大战之后晚期现代主义艺术实践的反驳。这无疑是从达达主义开始，波普艺术在创作方法上虽然受到达达主义的影响，但从某种意义来说是一个全新的流派。在整个英国的波普艺术圈中，英国的艺术家的作品与美国艺术家的作品相比，在体现波普艺术的特征方面显得比较逊色，这也不足为奇，因为英国波普艺术原本就是产生于对美国文化的憧憬中，波普艺

术真正的土壤是在美国。二十世纪六十年代，随着人口结构的变化，艺术的根基也发生了改变：中产阶级人数的增长，大学教育的日益普及，生活水平大幅度提高，花色齐全、品种繁多的生活用品，从大汽车到厨房用具，成倍地增长，在这高消费的社会中充斥着空调、汽车、广告、电视、可口可乐瓶子等。这琳琅瞒目的物质世界，极大地影响了美国人的思维方式和艺术表现形式。波普艺术，当时对美国的艺术家们来说无非是一种天然的需要。在20世纪50年代后期，许多英国的波普艺术家，采用了许多得来自美国影片中大众崇拜的形象，连环画、或者标志牌的形象。美国的艺术家们在某种程度上观察到了这些东西，尽管美国波普艺术发展晚了一步，但当新一代的美国波普艺术家们一旦了解了他们的日常生活环境和在新主题创作中的巨大可能性，结果他们比起任何做同样事情的欧洲人显得更大胆、更热情，甚至压倒一切。波普艺术在美国所取得的成功，除了与美国经济的繁荣，大众文化的兴盛以及高消费社会为波普艺术提供了源源不断的视觉资源有关之外，它还与公众和收藏家对这一流派的支持有关。因为在第二次世界大战之后，抽象表现主义虽然一度被美国政府作为宣扬美国自由文化政策的榜样推销到全世界，但是它面对现实生活的时候表现出的态度却是排斥和冷漠的。过分地远离生活实际，形式上极度简单化，纯粹追求画面的效果，在唯美的形式上已经走得很远。它不仅缺少了美国本土化、本民族精神的现实与直率的特征，而且没有表现出现代美国生活方式。虽然它使得美国艺术家摆脱欧洲文化殖民的梦想得以

从摄影角度分析照片修订稿

从摄影角度分析照片集团文件发布号：（9816-UATWW-MWUB-WUNN-INNUL-DQQTY-

从摄影角度分析照片：一组完美照片的拍摄不仅仅需要完美的相机，还需要完美的照相技术。什么样的技术才会拍出更好的照片，才能让大家喜欢从中学到很多东西呢？因此一副好的照片，需要了解更多的拍摄技巧及处理方法。《放飞时刻》，摄于浙江前童古镇。从照片中可以看出胡，两个夕阳下归家的孩童，雀跃神情，飞奔的脚步，刹那间喷射出欢快、纯真的童趣，反映出作者心中对乡间生活的体悟。孩子的童真往往只是一瞬，但这些瞬间记忆却通过相片被人们永远记住了。下面就这幅作品《放飞的时刻》从摄影的角度进行以下分析： 1.构图相比起你可以使用的其他任何手段，构图和框架能够突显你照片中人物的一些细小的方面，比如说美感或是某种个人性格。照片中的拍摄选择近照及瞬间扑捉孩子的面部表情。照片中的孩子眼睛的明亮度说明了孩子的内心世界是欢乐的，孩子跑步的姿势，肩上的背包，红领巾飘起的的瞬间，都体现了孩子的快乐。 2.坏境照片中，孩子在阳光下奔跑中，地面反射出来的阳光及孩子的影子充分反映了孩子的内心像阳关一样温暖。照片选取的是近景及瞬间扑捉，所以在孩子奔跑的一刻，让我们看到了孩子们的学校及墙壁上隐约的字眼。古老的建筑是一种文化的象征也是这些孩子们生活在古镇的一种写真。 3.布光

不论是在你自己创造出的拍摄背景还是在你周围找到的背景中，灯光、阴影能为你的拍摄对象制造出适当的情绪和存在感。同时也能将人们吸引到人物的身体特征上去。适宜的灯光会使胖人看起来瘦一点，而精心布置的阴影能够隐藏让拍摄对象感到不安的瑕疵。照片中的布光：（1）选择了大自然的光照，阳光的反衬显示了一种很自然的坏境，也使得孩子们的表情与之相称。（2）照片中没有任何灯光附加修饰，也没有任何颜色的光加以美化，大自然的灯光中又衬托出一种柔和美，在柔和美中又隐藏着古典美。（3）照片的整体光线给人以温暖美。 4.摄影方向拍摄方向是指以被摄对象为中心，在同一水平面上围绕被摄对象四周选择摄影点。在拍摄距离和拍摄高度不变的条件下，不同的拍摄方向可展现被摄对象不同的侧面形象，以及主体与陪体、主体与环境的不同组合关系变化。照片中方向背景主要是正面角度。正面角度，主要是表现对象多处在画面的幢中心分割线上，常是对称的结构形式，一般说来正面的构图形象比较端庄、稳重。因此照片中给人以古典之感。人物形象主要是斜侧角度，给人以一种放飞的感觉，更能凸显主题。 5．拍摄景别

人像摄影技巧之人像摄影拍摄角度

人像摄影技巧之人像摄影拍摄角度一、人像摄影镜头的选择与搭配需要用明确的焦距来拍摄的专项摄影并不多，而人像摄影就是其中之一。人像摄影中，不同镜头的选择与搭配所拍摄出的人像效果也是不同的。对于大多数摄影者来说，都比较喜欢用焦距为85～100mm的中长焦镜头来进行人像拍摄，这类镜头通常被人们称作是人像镜头。使用85～100mm的焦距拍摄，不仅可以让摄影者在一个很恰当的距离范围内进行拍摄（离被摄体3～4m，留给自己和被摄主体一定的空

间，但仍能使被摄体充满景框），而且使用这个焦段的镜头拍出来的人像效果比较自然、真实，既不会像广角镜头那样引起面部失真，也不会像较长的长焦镜头那样引起压缩。尼康24～120mm F/3.5～5.6变焦镜头在人像摄影镜头的选择过程当中，很多摄影者经常在最理想的镜头焦距是选择85mm还是100mm的问题上犹豫不决。其实，摄影者完全可以选择一款能够包含这两段焦距的变焦镜头，比如尼康的24～120mm变焦镜头，它可以完全满足摄影的不同需要。这样，摄影者就可以在85～100mm的范围内选择任意焦距来拍摄自己想要的照片。

光圈F5曝光时间1/250s 焦距85mm感光度100 利用85mm定焦镜头拍摄的人像照片虽然焦距在85～100mm的中长焦镜头比较适合拍摄人像，但在特定的情况下，同样可以利用长焦镜头进行拍摄。当摄影者选用较长的长焦镜头拍摄人像时，可以更好地虚化背景，使画面更加简洁、明了。但要注意的是，长焦镜头对背景的这种虚化，可能会有些过度，略显不自然。

光圈F2.5曝光时间1/200s 焦距135mm感光度100 长焦镜头具有虚化背景和突出人物主体的效果除了长焦镜头，广角镜头也得到了众多摄影者的青睐。使用广角镜头，可以比较好地收取更多的画面元素，从而来反映环境、烘托气氛。并且，对于人像拍摄，广角镜头打破了长焦镜头单一的表现形式，为摄影者提供了更多的创意发挥空间。需注意的是，要尽可能避免广角镜头给被摄体带来的过度透视变形。

摄影与遥感

测绘学习报告摄影测量与遥感概论学院：资源与土木工程学院专业:测绘工程2010-2 学号：120103705034 姓名：迟敬睿日期：2010-12-28

摘要：摄影测量学是利用对摄影像片和各种传感器从宇宙空间对地面进行遥感所得到的图像记录进行处理和分析，研究被摄物体的形状、大小、位置、属性等的一门科学和技术。研究利用摄影机或其他传感器采集被测物体的图像信息，经过加工处理和分析，以确定被测物体的形状、大小和位置，并判断其性质的理论和方法。引言：随着科技的进步与普及，摄影测量学正在不断变化，数字摄影测量成为发展的核心。数字地球正逐步推进，摄影测量学与其相关学科的联合应用必将扮演极其重要的角色，将为地理数据的精确获取提供依据。开拓摄影测量学广阔的发展空间和应用领域还需要摄影测量人才不断地专研与创新。摄影测量学是通过影像研究信息的获取、处理、提取和成果表达的一门信息科学。1988年ISPRS在日本京都第16届大会上对摄影测量与遥感的定义：摄影测量与遥感是对非接触传感器系统获得的影像及其数字表达进行记录、量测和解译，从而获得自然物体和环境的可靠信息的一门工艺、科学和技术。摄影测量学可从不同角度进行分类。按摄影距离的远近分，可分为航天摄影测量、航空摄影测量、地面摄影测量、近景摄影测量和显微摄影测量。按用途分类，有地形摄影测量和非地形摄影测量。按处理的技术手段分，有模拟摄影测量、解析摄影测量和数字摄影测量。 1.模拟法摄影测量（1851-1970）其基本原理是利用光学/机械投影方法实现摄影过程的反转，用两个/多个投影器，模拟摄影机摄影时的位置和姿态，构成与实际地形表面成比例的几何模型，通过对该模型的量测得到地形图和各种专题图。 2.解析法摄影测量(1950-1980)以电子计算机为主要手段，通过对摄影像片的量测和解析计算方法的交会方式，来研究和确定被摄物体的形状、大小、位置、性质及其相互关系，并提供各种摄影测量产品的一门科学。 3.数字摄影测量(1970-现在）基于摄影测量的基本原理，通过对所获取的数字/数字化影像进行处理，自动（半自动）提取被摄对象用数字方式表达的几何与物理信息，从而获得各种形式的数字产品和目视化产品。一.我国摄影测量的发展历史中国的摄影测量历史最早可追溯到1902年，当年的北洋大学曾

电影摄影的功能之表意功能

中国高端艺考培训教育品牌电影摄影的功能之表意功能人们的审美活动形成人们特定的审美意识，一定的审美意识又指导着人们的审美实践。任何艺术形式的演变，都离不开创作主体审美意识的发展。创作者的审美意识决定他以什么态度去观察生活，又以什么方式、用什么技巧、从什么角度去反映生活。在电影摄影的发展过程中逐渐形成三种造型形态：一是再现造型形态，一是表现造型形态，一是表意造型形态。最早人们对电影摄影认识到的就是再现形态，这是由纪录功能体现的，它决定了纪实风格的形成(也可称写实风格)。后来人们逐渐发现电影摄影的表现形态，这是在发现摄影的造型功能之后认识到的。电影摄影向绘画艺术学习，又产生出绘画风格(也可称写意风格。当然在纪实风格的影片中并不等于不运用造型功能)。经过电影的深入发展，摄影师又逐渐认识到摄影的表意功能，进而出现了表意造型形态。表意思维是审美主体意识强化的反映，表意造型形态是这一审美意识的具体体现。它有别于再现和表现的造型形态，是人们对电影摄影自身认识的深入，是一个新的视野，它也可以说是表现与再现造型形态在另一层次上的结合电影摄影的表意功能体现在两层意思上，一层意思是在具体造型形象中包含有比喻作用。如新浪潮的代表人物特吕弗拍摄的《四百下》，在造型上强调主观意念，放弃戏剧情节。小主人公安托万因得不到家庭的温暖，离家出走。影片以压抑、昏暗的家庭、少管所和明快宽阔的街道、大海构成两种截然不同的空间环境；又把他放在一个巨大的旋转物上旋转，以表示他面对现实无所适从的心态；摄影机跟随他跑出少管所，摇向大海，又转向他逃跑的方向，影片以这些表意性的影像，喻示安托万的主观

中国高端艺考培训教育品牌感受和对生活的渴望。这些表意性的镜头成为新浪潮对电影发展的一个贡献；再如《天云山传奇》中反复出现的水车，摄影师选择它一方面要为罗群创造一个工作、生活的古朴环境，以衬托他要在这古老沉睡的山河中为祖国发掘出宝藏的决心，同时也使观众联想到罗群奋斗不息的精神；《晴朗的天空》中出现冰河解冻的镜头，寓意着政治上的解冻。但它们有的是在蒙太奇连接中起隐喻作用，有的是在一个段落中起寓意作用。而表意的另一层意思则是从整体造型把握入手，追求其造型整体上的内涵，即表意形态。像日本影片《鬼婆》描写历史上一个战乱年代，民不聊生。摄影师从整体造型入手，利用逆光制造大面积的阴影，强反差的画面；摄影机反复表现荒野里狂风暴雨中摇曳的草丛、芦苇、树林，整体造型寓意着恐怖野蛮、饥饿和性饥渴等对人生理与心理的扭曲。这是表意形态的一个特点。表意造型形态的另一特点是不注重地理环境、生活背景的逼真、强调意念的真实体现。如《红色的沙漠》中女主人公因工伤神经受到刺激，影片为强调她的主观意识，把绿色的树、红色的苹果都拍成了灰黑色；为表现刺激性的色彩，不仅采用红色的壁板，连沙漠也被喷上一层红色，从整体造型入手，追求其内涵的体现。《去年在马里昂巴德》中为强调别人强加给女主人公的不存在的印象，造成她的幻觉，影片选择一座迷官似的豪华饭店作背景，院子里阳光下人有影，树没有影；演奏的是种乐器，发出的却是另一种乐器的声音；并常穿插一些高调摄影的画面，使影片表达一种含混的、矛盾的主观意念。受此影响，我国拍摄的《一个和八个》采用国画中的“似与不似”，“意足不求颜色似”的表意方法，在甘肃不毛之地拍摄了冀中平原发生的故事，以强调作者的意念。《黑炮事件》采取与生活拉开距离的造型形式，利用巨型机械与人物、巨型挂钟与室内空间超常规的比例，使观赏者产生视觉失常感；摄影师又运用红色制造一种烦躁、不安、危机感，以突出男主人

人像摄影实拍技巧——人像摄影的拍摄角度

人像摄影实拍技巧——人像摄影的拍摄角度一、人像摄影镜头的选择与搭配需要用明确的焦距来拍摄的专项摄影并不多，而人像摄影就是其中之一。人像摄影中，不同镜头的选择与搭配所拍摄出的人像效果也是不同的。对于大多数摄影者来说，都比较喜欢用焦距为85～100mm的中长焦镜头来进行人像拍摄，这类镜头通常被人们称作是人像镜头。使用85～100mm的焦距拍摄，不仅可以让摄影者在一个很恰当的距离范围内进行拍摄（离被摄体3～4m，留给自己和被摄主体一定的空

电影的拍摄角度

拍摄角度拍摄角度包括拍摄高度、拍摄方向和拍摄距离。拍摄高度分为平拍、俯拍和仰拍三种。拍摄方向分为正面角度、侧面角度、斜侧角度、背面角度等。拍摄距离是决定景别的元素之一。以上统称几何角度。还有心理角度，主观角度，客观角度和主客角度。在拍摄现场选择和确定拍摄角度是摄影师的重点工作，不同的角度可以得到不同的造型效果，具有有同的表现功能。角度可以纪实再现或夸张表现大俯大仰有特殊得表现意义。其中拍摄方向是指以被摄对象为中心，在同一水平面上围绕被摄对象四周选择摄影点。在拍摄距离和拍摄高度不变的条件下，不同的拍摄方向可展现被摄对象不同的侧面形象，以及主体与陪体、主体与环境的不同组合关系变化。拍摄方向通常分为：正面角度、斜侧角度、侧面角度。反侧角度、背面角度。 1. 正面角度. 是指与被摄对象正面成垂直角度的拍摄位置，主要表现某对象的正面具有典型性的形象。例如建筑，无论古今在设计上都注重正面的样式与装修，如北京的天安门以及各展览馆、博物馆等。正面角度能够表现对像的本色。人物相貌也是一个很好的例子，正面形象更具有人物相貌的特点。正面角度的构图，主要是表现对象多处在画面的垂直中心分割线上，常是对称的结构形式，一般说来正面的构图形象比较端庄、稳重。 2. 斜侧角度. 是指偏离正面角度，或左、或右环绕对象移动到侧面角度之间的拍摄位置。偏离正、侧面角度较小时，往往对正侧面的形象变化不大，可在正、侧角度范围内选择适当的拍摄位置，使之既能表现对象正或侧面的形象特征，且物体形象又有丰富多样的变化，往往能收到形象生动的效果。 3. 侧面角度。一般是指与被摄对象侧面成垂直角度的拍摄位置，主要表现某些对象的侧面具有典型的形象。例如在人像摄影中，侧面角度能看清人物相貌的外部轮廓特征，使人像形式多样变化。在客观对象中，有许多物体是只有从侧面才能看清它的相貌的，例如人走动时的身影，各种车辆的外贸以及某些用具都有这样的性质，在这种条件下侧面角度就能更好地表现对象的特色了。侧面角度较之正面角度有较大的灵活性，在侧面垂直角度左右可有一些变化，以获得最能表现好对象侧面形象的拍摄位置。 4. 反侧角度。是指由侧面角度环绕被摄对象向背面角度移动的拍摄位置。它有反常的意识。往往能将对象的一种特有精神表现出来，在与常用的正面、侧面、斜侧面角度的对比下，它有出其不意的效果，往往能获得很生动的形象。当然对于某些对象来说有如斜侧的形象相似。因此反侧角度对摄影对象是有要求的，或者说是只有适当的对象才可选择反侧的方向。 5. 背面角度。选择何种拍摄方向，不仅是主要被摄对象的形象有变化，构图的形式有变化，更主要是表现内容也可能有变化，因此考虑拍摄方向的选择，应根据具体的被摄对象和主题表现的要求而变化。至于正面角度、斜侧角度、侧面角度、反侧角度、背面角度，没优劣之分，运用得当，都会获得成功的构图。 1 / 2