复调音乐的简介
柴可夫斯基《第六“悲怆”交响曲——第二乐章》作曲技法浅析
柴可夫斯基《第六“悲怆”交响曲——第二乐章》作曲技法浅析摘要：《第六“悲怆”交响曲——第二乐章》是19世纪的俄罗斯作曲家柴可夫斯基临终前的最后一部交响乐作品，被称为是集他毕生的创作精华于一体的作品，一经演出，造成很大的轰动和反响，好评不断，迄今为止，被各国知名交响乐团多次演奏，经久不衰，可谓是一部经典佳作，这样的作品具有极高的研究价值，本文笔者将对该作品就作曲技法这个方面进行浅析。
关键词：和声；曲式结构；复调；配器；柴可夫斯基一、作者简介19世纪俄罗斯重要的音乐家之一，被誉为伟大的“俄罗斯音乐大师”和“旋律大师”他生于1840年，他的出生算不上贫穷，1861年开始正式学习音乐，在这之前，他毕业于一所法律院校，1863年，他完全地献身于他热爱的音乐事业。
二、《第六“悲怆”交响曲》的写作背景这部作品是柴可夫斯基的最后一部作品，也是他本人认为创作得最好的一部作品，这部作品凝聚了他一生的创作精粹，侧面也体现出他对自己人生的总结，“悲怆”为潜在标题，之所以为“悲怆”是因为柴可夫斯基在创作这部作品时，俄国正处于沙皇残暴统治的黑暗时期，同时，也是他人生的低潮期。
其中，第二乐章是四个乐章中最后一个完成的，作曲家将其赋予标题“青春”这一乐章曲风明亮轻快，总体积极向上，表达作曲家对自己青春年代的怀念和回忆，听觉上没有第一乐章和第四乐章那么沉重，也没有第三乐章矛盾冲突那么明显。
笔者将对第二乐章的作曲技法进行简单分析。
三、《第六“悲怆”交响曲——第二乐章》的曲式结构该乐章为复三部曲式的圆舞曲，打破传统三拍子的圆舞曲形式，使用了5/4拍，主调建立在D大调上。
呈示部（1-56小节），是一个再现三段式，主调建立在D大调上。
呈示段（1-16小节）由两句构成8小节为一句，句间关系平行，大提琴演奏的主导动机为第一小节至第二小节，三至四小节向上三度模进一组，以升F为轴，第五至六小节作一至二小节的倒影一组，并在节奏上作变化处理，第七至八小节向下二度模进一组，并以大提琴滑奏作为小连接进入第二句，主题交由木管组演奏，大提琴作旋律性衬托声部，方整型开放性乐段。
高中音乐幽蓝的天空教案
高中音乐幽蓝的天空教案教学目标1、知道歌曲的背景知识认识作曲家帕菜斯特里那、2、引导学生学会赏析《幽蓝的天空合唱》、3、能够根据训练提示完成发声练习、教学过程一、作品鉴赏1、作品简介：《幽蓝的天空》是意大利文艺复兴时期作曲家帕莱斯特里那创作的三声部合唱作品、2、知识拓展：帕菜斯特里那是意大利文艺复兴时期最重要的作曲家之一、帕菜斯特里那和与他同时代的作立索，一同代表着文艺复兴时期复调音乐的最高成就、拉索主要在世俗音乐方面，帕莱斯特里那主要在教堂音乐方面、根据一个不能被确认的传说，帕莱斯特里那“拯救”了复调音乐、他的作品节奏简洁，歌词清晰，注重感情表现，风格清新流畅、帕莱斯特里那创立了专业创作中的无伴奏合唱形式、在欧洲史上“伟大的17世纪”到来之前，在“伟大的巴赫”开创广阔的音乐新领域之前，帕莱斯特里那是欧洲乐坛上最响亮的名字、3、合作探究请学生说说自己听赏过《幽蓝的天空(合唱》的感受，并分析歌曲可以从哪几方面进行赏析、4、教师小结(1)复调音乐：歌曲典雅、清纯，含义深沉、隽永，篇幅虽短小，但其中运用的音乐创作手法却相对丰富，出交错频繁，穿插转换顺畅自然，复调手法运用自如，使各声部相得益彰、(2)情感表达帕菜斯特里那使合唱的声部进行平稳而流畅，形成纯净匀称、清新谐调的风格、旋律的连断始终契合音乐形象和情感表达的实际需要、训练提示：该练习由两个小分句组成，分句间安排换气气口，第二个分句的起始音为跨小节，注意时值不能出错、哼鸣既有助于练习声音的高位集中，又有助于分句的断句演唱、哼呜时，双唇轻闭，牙关应适度分开，舌尖后部轻抵上腾，以意念引导带声气流经鼻咽和鼻腔泄出、教师引导学生完成单声部歌唱发声练习，注意纠正学生的发声错误、学生展示训练结果、三、课堂小结通过赏析《幽蓝的天空(合唱)》，认识文艺复兴时期的音乐、帕莱斯特里那作有大量的多声部弥撒曲、经文歌、圣母颂歌、宗教牧歌和世俗牧歌，开创了庄严明净的无伴奏合唱风格，世称帕莱斯特里那风格、。
斯韦林克《回声幻想曲》复调技法研究
当代音乐２０２１年第５期ＭＯＤＥＲＮＭＵＳＩＣ斯韦林克«回声幻想曲»复调技法研究曹㊀军[摘㊀要]复调的初步形成主要在法国㊁意大利和德奥ꎬ但是让复调发展最完善ꎬ对后世技法影响最大的还是德奥ꎮ１６世纪末１７世纪初的北德管风琴宗师斯韦林克为管风琴创作了大量的托塔卡与复调曲ꎬ同时他也完美的继承了文艺复兴时期佛兰德乐派的复调技法ꎮ斯韦标克«回声幻想曲»的创作最先为管风琴引入了复调中的 利切卡尔 可谓是赋格曲的初探ꎬ对 赋格 体裁的发展具有里程碑式的意义ꎬ不仅如此ꎬ其复调技法的先进性也影响了后世一大批作曲家ꎮ其作品«回声幻想曲»中的复调技法是很多当代复调技法的雏形ꎬ对后世复调技法的发展具有标杆式意义ꎮ[关键词]复调ꎻ斯韦林克ꎻ«回声幻想曲»ꎻ赋格[中图分类号]Ｊ６１４㊀[文献标识码]Ａ㊀[文章编号]１００７－２２３３(２０２１)０５－００９９－０４[收稿日期]２０２０－１２－１９[基金项目]江苏省研究生科研与实践创新计划项目(２０２０ＸＫ￣Ｔ８２５)ꎮ[作者简介]曹㊀军(１９９６ ㊀)ꎬ男ꎬ江苏师范大学音乐学院硕士研究生ꎮ(徐州㊀２２１１１３)一㊁斯韦林克与复调音乐的简介扬 皮泰尔索恩 斯韦林克(ＪａｎＰｉｅｔｅｒｓｚｏｏｎＳｗｅｅｌｉｎｃｋꎬ１５６２ １６２１)出生于阿姆斯特丹ꎬ因其在荷兰做出的巨大贡献ꎬ而得到当地人民的强烈拥护ꎬ他的地位可与巴赫㊁贝多芬两位音乐大师相媲美ꎬ他们三个人的雕像并立在阿姆斯特丹皇家管弦乐厅的门口ꎮ文艺复兴时期ꎬ管风琴一般作为伴奏为宗教诗与众赞歌等体裁而存在ꎬ斯韦林克打破了这一局面ꎬ他为管风琴写作了丰富的㊁充满技巧性的托塔卡与幻想曲ꎬ并为管风琴这一乐器引入了复调中的 利切卡尔 技法ꎬ这一做法不仅提升了管风琴的地位ꎬ使得管风琴不再单单以伴奏乐器的形式而存在ꎬ而且也是最早 赋格 曲体裁的雏形ꎮ斯韦林克作为北德管风琴的宗师ꎬ影响了一大批管风琴家ꎬ之后所有北德管风琴家不是他的高足就是与他的高足颇有渊源ꎬ比如施赛因(ＳｃｈｅｉｎꎬＪｏｈａｎｎＨｅｒｍａｎｎ)㊁施赛特(ＳｃｈｅｉｎꎬＳａｍｕｅｌ)㊁舍德曼(ＳｃｈｅｉｄｅｍａｎｎꎬＨｅｉｎｒｉｃｈ)㊁雷因肯(ＲｅｉｎｋｅｎꎬＪｏｈａｎｎＡｄａｍ)㊁布克斯特胡德(ＢｕｘｔｅｈｕｄｅꎬＤｉｅｔｒｉｃｈ)㊁吕贝克(ＬｕｂｅｃｋꎬＶｉｎｃｅｎｔ)㊁伯姆(ＢｏｅｈｍꎬＧｅｏｒｇ)㊁弗罗贝格尔(ＪｏｈａｎｎＦｒｏｂｅｒｇｅｒ)㊁沙伊特(ＳｃｈｅｉｄｔꎬＳａｍｕｅｌ)都是他的得意门生和模仿者ꎮ复调音乐是指两个或者两个以上旋律严格按照对位法组成的多声部音乐ꎮ与复调音乐相反的范畴是主调音乐ꎬ这两者都是音乐的两种形式ꎮ复调同时也可以作为一种单独形式的乐曲而存在ꎬ例如 卡农 赋格 ꎬ都是复调音乐的重要体裁之一ꎮ复调音乐诞生于欧洲ꎬ辉煌于德奥ꎬ从 奥尔加农 至巴洛克时期的复调ꎬ是复调音乐发展最快的一个时期ꎮ二㊁«回声幻想曲»主题构建技法(一)圣咏主题改编在欧洲文艺复兴时期ꎬ人文主义的兴起带来了诸多影响ꎬ改变了刻板㊁严肃的宗教音乐的存在形式ꎬ使得宗教音乐不再是单一为宗教仪式或者活动而存在ꎬ逐渐地开始面向群众ꎬ面向人民阶层和宫廷阶级ꎮ比如宗教改革领袖马丁 路德(１４８３ １５４６)所创作的新教圣咏ꎬ使得宗教音乐越来越贴近人民的生活ꎬ反映着人民的情感ꎬ贴上了民族的标签ꎬ整体升华了宗教音乐的属性ꎬ为之后的音乐家或者作曲家如斯韦林克等拓展了创作空间ꎬ开辟了创作道路ꎮ斯韦林克的«回声幻想曲»２６１就是受到马丁 路德的影响ꎬ原始的旋律体裁虽然还是围绕圣咏来创作的ꎬ但是却有意无意地 隐藏 了圣咏声部ꎬ拓展了旋律的节奏[１]ꎬ例如谱例１ꎮ谱例１:«回声幻想曲»第５ ８小节９９０㊀㊀上方声部虽然不再是一个一个单独的圣咏旋律音ꎬ但是大体的结构还是没有完全脱离圣咏的旋律体裁ꎮ通过改变节奏的方式拓展了旋律声部ꎬ使得旋律声部不再那么单一ꎬ逐渐充满朝气ꎮ笔者模拟了斯韦林克本来存在的圣咏旋律ꎬ它大致是这个样子ꎬ见谱例２ꎮ谱例２:(二)个性主题１. 回声式 技法斯韦林克作为北德管风琴的宗师ꎬ在当时的时代背景下ꎬ其写作技法具有一定的创新性和突破性ꎬ因为笔者现在找到的谱子都是后人按照斯韦林克保存下来的手稿记谱的ꎬ在其原谱上ꎬ斯韦林克采用了一种类似短倚音的装饰音记号ꎬ但是又与真正短倚音的时长不符ꎬ因此笔者认为这是作者自己独特的一种装饰音技法ꎬ例如谱例３ꎮ谱例３:«回声幻想曲»第５５ ５８小节其 装饰音 记号的使用恰到好处ꎬ首先作者把 装饰音 贯穿四个声部ꎬ从旋律声部到两个中声部再到低音声部都使用了这种装饰音ꎻ从纵向来看ꎬ装饰音由高到低ꎬ旋律声部与低音声部的装饰音不变ꎬ始终是 ５ １ ꎬ并且是跨越三个八度的纯五度音程ꎬ形成一种回音的不间断的演奏效果ꎮ从横向来看ꎬ每一个声部都是在下行级进ꎬ包括中间两声部的装饰音也是一样ꎬ整体四个声部都在进行非严格模进ꎬ由高到低ꎬ由强到弱ꎬ形成一种渐行渐远的回声落差ꎮ当然ꎬ在为圣咏曲调伴奏的时候ꎬ通常也会为了营造一种对主和基督的感激和虔诚ꎬ在最后的时候会用模进技法来烘托ꎬ然后在最后一个主长音上结束ꎬ但是斯韦林克在前半段就使用模进技法ꎬ并且装饰音的模进会使得曲子整体风格变的稍跳跃与活泼ꎬ这体现了斯韦林克的管风琴作品已经逐渐脱离宗教而存在ꎮ２. 利切卡尔 的引入利切卡尔 ꎬ原意为 寻求 ꎮ１７世纪左右在音乐方面指赋格或卡农器乐曲ꎬ最大的一个特点是其一个主题通过模仿手法可以不断地进行发展ꎮ斯韦林克将复调中的 利切卡尔 引入了管风琴作品的创作之中ꎬ为之后赋格曲的辉煌发展埋下了垫脚石ꎮ但真正赋格的结构形式是在文艺复兴时期的声乐作品中形成的ꎬ在当时声乐作品中ꎬ不同的声部 调 是不相同的ꎮ它们有 正格 和 变格 之分ꎮ例如ꎬ第一调式为正格调式ꎬ第二调式为变格调式ꎬ他们的区别是音阶结构相同ꎬ但两个调式高低相差四度或五度ꎮ为了使声乐作品的演唱拥有更舒坦的音域ꎬ正格调式与变格调式的排列一般是交叉间错的ꎬ也就是说ꎬ四个声部间以四五度为间隔ꎮ这种正格与变格的间错排列就造成了同一旋律在不同声部陆续出现时ꎬ它们的间隔往往为四㊁五度ꎮ到了巴洛克时期形成的赋格曲中ꎬ这一传统继续延续ꎬ成为了主题与答题在各声部进入时所间隔的音程度数[２]ꎮ谱例４:«回声幻想曲»第１ ５主题小节谱例５:«回声幻想曲»９ １２小节谱例６:«回声幻想曲»第１６０ １６３小节谱例４为斯韦林克«回声幻想曲»的起始五小节ꎬ也就是主题小节ꎬ为了能更好地体现其中包含的 利切卡尔 ꎬ我们就锁定其中一个节奏型来进行分析ꎮ第２小节旋律声部后半拍第一次出现的大附点节奏型在第３小节中声００１当代音乐 ２０２１年第５期部又再一次发展ꎬ节奏还是附点节奏ꎬ却改变了音高的位置ꎬ变成了 ４５４ 的旋律主题ꎬ这里最主要的主题节奏型就是第２小节出现的大附点ꎬ最主要的旋律引子就是第３小节的 ４５４ ꎮ严格的来说ꎬ第３小节还不算是主题的发展ꎬ前五小节都应该是一整个主题框架ꎮ利切卡尔 的引入最明显的地方是第９ １２小节ꎬ例如谱例５ꎮ从第５小节到第９小节中间一直在发展ꎬ一直在变化ꎬ到９小节的时候ꎬ已经变成了规整的三声部对位ꎬ与起始主题看似没有一点联系ꎬ直至１０小节ꎬ高音谱号的中声部再次出现大附点节奏以及主题旋律引子 ４５４ ꎬ意味着从第１小节到１０小节ꎬ仍然围绕着主题旋律节奏在发展ꎬ这就是全曲引入 利切卡尔 最明显的地方之一ꎬ第１０小节可以看成主题的一次回归ꎬ１１小节继续开始发展ꎬ每一次发展都是建立在之前原有发展的基础之上ꎬ其发展形式有些类似于变奏曲ꎬ但是又不完全是ꎮ相对于变奏曲而言ꎬ 利切卡尔 式的发展与原主题之间联系更为紧密ꎮ直至１６０小节ꎬ如谱例６ꎮ这个时候已经由原来的三个声部延展到了四个声部ꎬ原来低音谱号的长低音现在时值快了一倍ꎬ衍化成了稍流动的旋律低声部和中低声部ꎬ原来的高音旋律声部则是拆分成了上方两个声部ꎮ到１６３小节为止ꎬ主题声部又再次出现在高音谱号的中声部中ꎬ只不过由原来的附点十六分音符变成了附点八分音符ꎬ由原来的 ４５４ 引子旋律变成了 ４５ ꎮ虽然主题稍做改变ꎬ但是主体还是再次回归到了原主题ꎬ紧跟其后又出现的前八后十六节奏意味着它回归主题之后又再去接着发展ꎬ可能之后会再次回归主题ꎬ再次发展ꎮ这就是 利切卡尔 的引入ꎬ通过分析ꎬ我们清楚的看见了主题在不断变化不断发展ꎬ不断回归再发展ꎮ这就是 赋格 的雏形ꎬ不过之后赋格形成了非常严格的创作规范ꎬ在写作的过程中要严格按照其格式来进行ꎬ包括赋格的答题与对题ꎬ呈式部㊁展开部㊁再现部这三个部分每一部分的调性安排ꎮ这一时期的利切卡尔还是经文歌的移植曲ꎬ从速度和发展程度上来说很慢ꎬ也缺乏个性[３]ꎮ斯韦林克为管风琴引入的 利切卡尔 虽然没有直接确立 赋格 的写作框架ꎬ但是为今后赋格曲的发展奠定了重要的基础ꎮ三㊁«回声幻想曲»中的复调技法尽管在斯韦林克时代的器乐曲仍然采用的是较为松散的复调织体ꎬ旋律出现在高声部ꎬ各声部以经文歌的形式作模仿性的处理ꎬ偶尔和声织体稍做变化ꎬ但至少是摆脱了固定低音的束缚㊁连续对位法等的历史了ꎮ斯韦林克受１６世纪德奥复调的影响ꎬ其技法也具有很大的先进性ꎮ(一)模仿与对比斯韦林克在写作过程中ꎬ使用了很多种模仿手法ꎮ１.连续模仿这里的连续模仿与卡农模仿不同ꎬ卡农模仿是复调中的模仿式二声部写作手法之一ꎬ模仿的对象是两个声部之间ꎬ即起句和应句ꎮ而在«回声幻想曲»第５５ ５８小节这里斯韦林克采用的是整个小节的模仿ꎬ节奏㊁织体㊁方向都没有改变ꎬ改变的是音高的位置ꎮ２.自由模仿谱例７:«回声幻想曲»第１５ １７小节斯韦林克在«回声幻想曲»中用到最多的就是自由模仿手法ꎬ例如谱例７«回声幻想曲»第１５小节至第１７小节这三个小节中ꎬ每一个小节的每一个声部基本做出了局部变形[４]ꎬ第１６小节的上方旋律声部模仿第１５小节的中声部ꎬ并且在旋律方向不变㊁织体节奏不变的情况下把音域往上提高了一个五度ꎮ同样ꎬ第１６小节的中声部亦是第１５小节的低声部的五度模仿ꎮ而第１６小节的低音声部则是第１５小节旋律声部的低八度模仿ꎮ第１７小节旋律声部则是把原来的两个四分音符合并成一个二分音符ꎬ并且在旋律的走向方面有了新的发展ꎬ这就是自由模仿中的局部变形ꎮ３.节奏的对比谱例８:«回声幻想曲»第１９ ２２小节在«回声幻想曲»中也有很多对比手法ꎬ例如谱例８«回声幻想曲»第１９ ２２小节ꎬ四个小节中每一个声部之间的节奏呈明显的繁简对比ꎮ第１９小节中低音声部采用简１０１曹㊀军:斯韦林克«回声幻想曲»复调技法研究单的二分音符做低音支撑ꎬ而旋律声部和中声部开始进行简单或复杂的变化ꎬ特别是中声部开始运用了一个大附点节奏ꎬ打破了平静的单一对位ꎮ第２０小节则是典型的 动静结合 ꎬ低音直接一个全音符做支撑ꎬ高音谱号的中声部开始流动ꎬ与上方的旋律声部和下方的低音声部形成一个对比ꎬ体现出复调声部 你停我走ꎬ你动我静 的本质规律ꎮ４.声部方向流动的对比从单小节横向来看ꎬ«回声幻想曲»声部之间还存在着声部方向流动的对比ꎬ如谱例６«回声幻想曲»第１６０ １６３小节ꎬ第１６０小节高音谱号的下方声部往下方进行发展ꎬ而同一小节中低音谱号的低音声部甚至旋律声部则是相反ꎬ往上进行流动ꎮ也可以看作是一次以 ４ 为轴的局部倒影ꎻ１６２小节高音谱号的中声部和低音谱号的旋律声部也是如此ꎬ只不过倒影轴变成了 ２ ꎻ第１６３小节倒影轴则是 ３ ꎻ第１６４小节在倒影轴 ３ 的基础上又进行了自由变化ꎬ通过这些声部反向的流动对比可以看出斯韦林克的复调作品«回声幻想曲»中有一些德奥系统复调技法的影子ꎬ但是也因为幻想曲体裁的即兴性ꎬ导致整首曲子复调技法的风格没有得到统一ꎬ展现更多的是曲子变化的多样性ꎮ即便如此ꎬ这些复调技法的使用也对后世的许多作曲家作出示范性的影响ꎬ巴洛克时期的约翰 塞巴斯蒂安 巴赫就是很大程度上受到斯韦林克的影响ꎬ形成了自己的复调技法系统ꎮ(二)严格对位与进入原则斯韦林克正好出生于近两百年的文艺复兴时期ꎬ而当时的对位以严格著称ꎬ声部之间只能使用协和音程ꎮ除了二度七度ꎬ平行五度和八度是被严格禁止的ꎬ最被广泛使用的是三度和六度ꎬ因此通常不协和音程基本是通过三度或者六度来解决ꎮ导音终止式 的前驱 最近点进入 原则ꎮ在创作技法中ꎬ把调式中的七级音进行到八级音的半音进行ꎬ就是著名的 导音 终止式进行ꎮ这种进行最早发展于文艺复兴时期ꎬ名为 最近点进入 原则ꎬ它规定完全协和音程中至少要有一个音符由半音进入ꎬ当时被广泛运用[５]ꎮ在斯韦林克的作品中也有体现ꎬ如谱例９«回声幻想曲»第７２ ７５小节ꎬ第７３小节高音谱号的中声部最后一排 ＃４ 所对应的和弦为 ２＃４６ ꎬ是一个完全协和音程ꎬ进行到７４小节高音谱号中声部第一拍的 ５ ꎬ即便前者 ２＃４６ 与后者 ５７２ 都是完全协和音程ꎬ但是根据 最近点进入 原则ꎬ把 ４ 升高半音ꎬ通过 ＃４ － ５ 来进行半音进入ꎮ谱例９:«回声幻想曲»第７２ ７５小节这种 最近点进入 原则有两大优势:一可以造成变化音的普遍使用ꎬ甚至在调性安排上可以直接通过半音所在的和弦进行转化ꎻ二在当时文艺复兴时期音乐技法严格㊁局限的条件下ꎬ这种原则可以让本来色彩单一的和弦进行变得更加富有色彩ꎬ没有 最近点对位 这一对位法则ꎬ就不会形成现在的 导音 终止式ꎮ结㊀语北德管风琴宗师斯韦林克吸收了文艺复兴时期的复调创作技法的精髓ꎬ并继承了文艺复兴时期佛兰德乐派的复调技法ꎮ其作品«回声幻想曲»中包含着很多现在复调技法的雏形和影子ꎬ对巴洛克时期复调技法的发展做出了巨大贡献ꎬ巴洛克时期是复调技法发展最快的一个时期ꎬ但是正是因为文艺复兴时期斯韦林克这些作曲家的探索和影响ꎬ巴洛克复调音乐才有如此繁荣之象ꎮ笔者本着对复调发展历史感兴趣的认真态度ꎬ溯其源ꎬ究其本ꎮ希望通过斯韦林克的复调作品分析来让更多对复调技法感兴趣的作曲家或音乐理论家了解斯韦林克ꎬ感受斯韦林克复调技法在当时时代的先进性ꎬ从而引发一些对当代复调技法的整理改革与思考ꎮ注释:[１]张㊀丽.浅谈中世纪㊁文艺复兴时期的音乐[Ｊ].音乐时空ꎬ２０１４(１０):１９１.[２]李天然.世俗旋律Ｌ'ｈｏｍｍｅａｒｍé(武装的人)作为定旋律对文艺复兴时期复调音乐中对位技法的影响[Ｊ].乐府新声(沈阳音乐学院学报)ꎬ２０１５(０１):１１６ １２３ꎬ６.[３]孙梦琪.德奥复调技法特色的形成初探[Ｊ].交响(西安音乐学院学报)ꎬ２０１９(０４):８０ ８８.[４]王安国.王安国教复调[Ｍ].长沙:湖南文艺出版社ꎬ２００２:４６. [５]裴㊀钰.西方早期对位技法[Ｄ].西安音乐学院ꎬ２０１７.(责任编辑:韩莹莹)２０１当代音乐 ２０２１年第５期。
巴赫复调音乐创作技法探析
对于复调的高级形式赋格来说，不仅包括主题还包括答题，主2、变奏手法作品的发展还包括变奏，通过对其时值、节拍、速度等的改变SONG OF YELLOW RIVER2020/ 21以下是三连音的快速变奏：除了以上手法，旋律的发展手法还包括逆行、扩充、紧缩、模进或者卡农式模进来进行模仿，这些手法让旋律更丰富，织体更高级，让主题不断发展发展在发展，却又从来没有脱离主题。
所有作品都是运用这些发展手法进行发展，这些手法是音乐作品创作的先驱。
（二）对位手法巴赫的写作用到的复对位技术，是巴赫每首曲子的点睛之笔，首先巴赫的对位处理是完全严格遵循音乐对位法则的，不仅如此，巴赫通过对音符音程上下关系的控制，使得曲子变得更生动，更多彩，更缤纷绚丽，体现了独特的艺术色彩。
1、二声部复对位以上为常见的八度二重原位对位和转位对位，我们可以看出音程还是严谨的以三度和六度为主处理，运用了延留音，当然延留音的使用是有道理的，延留之后必须下行进行级进解决，从而体现出从不协和到协和的处理，也给人一种满足的心理感受。
这种手法也一直沿用到现代作品之中，现在学习钢琴的孩子们练习的车尔尼599中好多曲子都是运用这种复对位处理来写作。
2、倒影对位以上为巴赫运用比较多的倒影对位，通过以第三级音为轴，从而使得乐曲中的主功能音和属功能音交换位置，这是一种对位手法，同时也是一种优秀的发展手法，可以在主题节奏不变的情况下，让听者聆听主题旋律上下声部互换，功能对置的不一样的艺术效果。
这种倒影对位也对现代作品做出了巨大的影响，这种手法可以广泛地运用在现代作品中，更加完美的实现功能转换和扩展。
（三）和声的运用巴赫的作品中经常出现一些七和弦、九和弦，并擅长运用离调和弦巧妙地进行离调或转调，巴赫在赋格曲的写作中，没有直接单单地运用主调思维，但是其中还是包括主调元素的。
[7]巴赫用的最多的就是留音技法了，体现了和声风格的大胆创新，甚至影响到了古典主义的几个音乐家。
其实现在好多作品的和声都非常的和谐，不敢采用一些复杂的和弦，巴赫的和声技法的运用真的需要我们好好借鉴，不仅是在钢琴曲领域，在艺术歌曲，流行歌曲的和声中也可以好好运用这些七和弦、九和弦和离调和弦，使得作品的和声变得更加的灵活和多彩。
宗教复调音乐的巅峰——巴赫
宗教复调音乐的巅峰——巴赫目标：欣赏《马太受难曲》的第1、72、78曲，感受欧洲宗教音乐的特点，通过欣赏了解巴赫，并总结出巴洛克时期的音乐特点；大概的了解复调音乐与主调音乐和十二平均律的知识；通过本节课的学习，知道巴洛克时期的音乐对欧洲后世音乐的影响。
重点难点：感受并体会《马太受难曲》的音乐风格；理解复调音乐与主调音乐和十二平均律；了解巴赫和巴洛克时期音乐的特点。
标签：巴赫巴洛克马太受难曲过程：一、导入师：（出示投影巴洛克时期的绘画、建筑、雕塑）请同学们看下面几幅画，思考这是什么地方的画？各有有什么特点？又有什么共同的点？生：举手回答。
师：这是欧洲巴洛克时期的艺术，今天老师将带你们走进欧洲巴洛克时期的宗教复调音乐。
师：首先请同学回答什么是巴洛克？生：（课下查的资料）“巴洛克”一词源于葡萄牙语指一种形状不规则的珍珠，后来引申为奇特怪异的事物。
17世纪的时候用来泛指意大利的建筑、绘画、雕刻艺术。
师：巴洛克时期指的是从1600到1750年这一个半世纪左右的时间，称做西方专业音乐发展史上的“巴洛克时期”为什么把这一时期称做巴洛克时期呢？生：思想奇怪、做事怪异———等等师：因为在这这一时期西方社会正由封建社会向资本主义社会发展，人们的启蒙思想开始发展，艺术上也开始有原来文艺复兴时期的庄重典雅向巴洛克时期的华丽，夸张，宏伟上发展。
二、新课学习巴洛克时期出现了很多音乐家，比如拉莫、维瓦尔第、斯卡拉蒂、亨德尔、巴赫等等。
但在这众多音乐家中要数巴赫最有名。
师：巴赫出生在德国的一个人丁兴旺的音乐世家，有着300多年的历史，家族共出现了52为音乐家。
其中巴赫是最为著名成就最高的一位。
（出示视频巴赫的简介）设问：听完巴赫的简介后，请问你们知道了巴赫多少，能简单的概括一下巴赫的创作时间吗？。
生：总结巴赫师：老师简单的把巴赫的创作分成三个时期。
1、魏玛时期是巴赫创作成熟期，也是酝酿阶段，这一时期重点是以管风琴为主。
2、柯登时期是巴赫创作的高峰期。
赋格曲（fugue）简介
赋格曲（fugue）简介赋格是盛⾏于巴洛克时期的⼀种复调⾳乐体裁，⼜称遁⾛曲，意为追逐、遁⾛。
赋格的结构与写法⽐较规范.乐曲开始时,以单声部形式贯穿全曲的主要⾳乐素材称为主题,与主题形成对位关系的称为对题.之后该主题及对题可以在不同声部中轮流出现,主题与主题之间也常有赋格是盛⾏于巴洛克时期的⼀种复调⾳乐体裁，⼜称“遁⾛曲”，意为追逐、遁⾛。
赋格的结构与写法⽐较规范.乐曲开始时,以单声部形式贯穿全曲的主要⾳乐素材称为"主题",与主题形成对位关系的称为"对题".之后该主题及对题可以在不同声部中轮流出现,主题与主题之间也常有过渡性的乐句作⾳乐的对⽐.赋格是复调⾳乐中最为复杂⽽严谨的曲体形式.其基本特点是运⽤模仿对位法，使⼀个简单的⽽富有特性的主题在乐曲的各声部轮流出现⼀次(呈⽰部);然后进⼊以主题中部分动机发展⽽成的插段，此后主题及插段⼜在各个不同的新调上⼀再出现(展开部);直⾄最后主题再度回到原调(再现部)，并常以尾声结束。
赋格是复⾳⾳乐的⼀种固定的创作形式，⽽不是⼀种曲式。
赋格的主要特点是相互模仿的声部在不同的⾳⾼和时间相继进⼊，按照对位法组织在⼀起。
历史赋格(英:fugue, 德:fuge, 法:fugue, 意:fuga)⼀词的来源有多种说法，⼀般认为是来⾃于拉丁语，原意是“追逐”和“飞翔”。
赋格经历了漫长的历史发展时期，从16世纪的宗教⾳乐就开始有这种作曲⽅法，⼀直到18世纪巴赫时代才达到顶峰。
乐曲结构赋格的主要结构是⾸先在⼀个声部上出现⼀个主题⽚断，然后在其他的声部上模仿这个⽚断，这时演奏主题的声部演奏与新的声部相对应的乐句，形成各个声部相互问答追逐的效果。
赋格通常没有引⼦。
赋格⼀般分为三个部分：呈现部，中间部和再现部。
各个声部在呈现部中⽤主调和属调将主题⼀⼀呈现⼀遍，然后各⾃展开成为不同的插部，最后在再现部⾥回到原来的主题上。
在赋格开始的地⽅，第⼀个声部进⼊时出现的短的旋律或乐句称为赋格主题，赋格主题不同于奏鸣曲式以及其他曲式的主题，赋格主题是短⼩的⼀句旋律，仅仅具有简单的线条，⽽不是像其他的主题那样可以有完整的和声。
欧洲中世纪复调音乐论文综述杨桔
欧洲中世纪复调音乐论文综述杨桔发布时间：2021-09-14T05:12:57.048Z 来源：《中国科技人才》2021年第18期作者：杨桔朱晨笛[导读] 欧洲中世纪音乐的最大特征之一，是多声部复调音乐的诞生，中世纪的欧洲是一个动荡的时代，是西方封建制度发展的整个阶段，教会在这个过程中起着重要的作用，后期逐渐趋于世俗化，产生了更多的音乐体裁，例如奥尔加农、华丽奥尔加农、经文歌、猎歌等。
其中复调音乐就是中世纪音乐世俗化的一个重要桥梁，复调音乐就像是中世纪的一面镜子，在音乐上反映出严实关闭的中世纪社会开始解体。
本文主要通过复调音乐的诞生、“古艺术”和“新艺术”三个方面的论文做一个论文综述。
云南艺术学院云南省昆明市 650000摘要：欧洲中世纪音乐的最大特征之一，是多声部复调音乐的诞生，中世纪的欧洲是一个动荡的时代，是西方封建制度发展的整个阶段，教会在这个过程中起着重要的作用，后期逐渐趋于世俗化，产生了更多的音乐体裁，例如奥尔加农、华丽奥尔加农、经文歌、猎歌等。
其中复调音乐就是中世纪音乐世俗化的一个重要桥梁，复调音乐就像是中世纪的一面镜子，在音乐上反映出严实关闭的中世纪社会开始解体。
本文主要通过复调音乐的诞生、“古艺术”和“新艺术”三个方面的论文做一个论文综述。
关键词：欧洲；中世纪；复调音乐；综述一、早期的复调音乐《从“为神”到“为人”――论欧洲中世纪复调音乐的发展》（范博；湖南师范大学；硕士论文）全文由两条线索构架而成：一、欧洲中司机复调音乐的诞生及其发展历程，二、欧洲中世纪复调音乐中音乐本质从“为神”到“为人”的转变。
《从“discant”的变迁窥探中世纪复调音乐的发展》（王宇翔）本文主要由两个线索：一、“discant”与复调音乐的发展。
二、“discant“的分析。
后作者得出了”discant“是建立在“和音陪衬理论”之上的一种音乐风格，新的理论的出现以及变迁导致了“discant”不断变化，这也使复调音乐在理性的指导下一步步趋于完善、成熟。
中西方音乐史考题2
西方音乐流派1．巴罗克时期（1）背景：1600～1750年称为西方专业音乐发展史的“巴罗克时期”，巴罗克一词的原意是形状不规则的珍珠，最初是流行于17世纪的新奇怪异的建筑，后来逐渐用来称呼西方艺术风格历史上的一个时期，巴罗克时期的音乐与当时的造型艺术有相似之处。
这个时期的代表人物有巴赫、亨德尔、D·斯卡拉蒂。
（2）巴赫：欧洲近代音乐之父、复调音乐大师、十二平均律之父。
代表作品《马太受难曲》被称为现代宗教音乐的顶峰。
（3）复调音乐：是指几条旋律线按一定的关系组合成多声音乐；主调音乐：是指几个行部纵向结合，只有一条是具有独立意义的旋律线。
（4）十二平均律：是将八度平均分成十二个相等音程的律制。
有人认为中国明代的律学家朱载堉由“新法密率”计算出的十二平均律比西方的十二平均律早出了100年。
2．维也纳古典主义的音乐（1）背景：1750～1820年，在西方音乐史上被称为“古典主义时期”，这时期的欧洲掀起了著名的“启蒙运动”。
提倡科学、反对封建、推崇理性、自由。
贝多芬的《第九交响曲》就是著名的典范。
（2）特点：崇尚理性、逻辑严密、内容充实、形式严谨、语言通俗。
（3）（4）贝多芬①维也纳古典乐派中最有代表性的一位人物，他既是古典主义的终结者，也是浪漫主义音乐的引路人。
（集古典主义之大成，开浪漫主义的先河）。
②他的作品我们比较熟悉的有钢琴曲《“热情”奏呜曲》。
③《第九交响曲》是贝多芬晚期的作品，把合唱植入《第九交响曲》中，也是他创作的高峰和总结，此时他已耳聋，作品中的《欢乐颂》采用德国诗人席勒的诗作。
乐曲的主题是赞颂欢乐，追求全人类的自由和解放，胜利和欢乐、团结和友爱。
④他的其他代表作品比较著名的还有《第三交响曲》——《英雄交响曲》、《第五交响曲》——《命运交响曲》、《第六交响曲》——《田园交响曲》。
3．浪漫主义时期的音乐（1）背景：大约1820年至1910年左右，是西方音乐史上的“浪漫主义时期”，这时期人们反对崇拜理性，歌颂本能和情感。
巴赫钢琴复调作品《平均律》教学研究
巴赫钢琴复调作品《平均律》教学研究巴赫钢琴复调作品《平均律》是世界著名的钢琴音乐作品之一，也是钢琴教学中不可或缺的经典教材。
巴赫的《平均律》以其丰富的音乐内涵和复杂的曲式结构成为钢琴教学研究的重要对象。
本文将对巴赫钢琴复调作品《平均律》进行教学研究，从内容结构、演奏技巧、教学方法等方面进行深入分析，希望能够为广大钢琴教师和学生提供一些参考和帮助。
一、曲目简介《平均律》是德国作曲家巴赫的代表作之一，是由二十四首前奏曲和赋格曲组成的作品集。
这二十四首曲子各有不同，却又在音乐结构上相互呼应，构成了一个完整的音乐世界。
每一首曲子都是一个小型的音乐杰作，无论是旋律、和声，还是节奏、结构都极其丰富，是钢琴学习和教学的重要素材。
二、内容结构《平均律》的内容结构可以分为前奏曲和赋格曲两部分。
前奏曲的旋律流畅优美，节奏灵活多变，让人感受到音乐的美妙和温柔；而赋格曲则是以丰富的对位法展示了巴赫对音乐的深刻理解和丰富的创作才华。
整个作品集涵盖了十二个不同调式的二十四首曲子，每一首曲子都体现了特定的音乐特点，教学时可以根据不同的曲子特点进行分析和讲解，让学生更好地理解和掌握曲子的演奏技巧和表现要领。
三、演奏技巧钢琴复调作品《平均律》的演奏技巧要求相当高，不仅需要钢琴演奏者具备扎实的钢琴基本功，还要对赋格、对位法和复调音乐有深刻的理解。
钢琴演奏者要有良好的手型和手指技巧，能够灵活地应对不同的音符组合和复杂的音乐结构，保证音乐的流畅和连贯。
钢琴演奏者还要具备对位法的理解和运用能力，能够清晰地表现出赋格曲中不同声部之间的对位关系，展现出音乐的立体感和层次感。
钢琴演奏者还要具备丰富的音乐表现力，能够将巴赫的音乐内涵和情感意蕴表现得淋漓尽致，让听众感受到巴赫音乐的魅力和美妙。
四、教学方法钢琴复调作品《平均律》的教学方法应该注重理论和实践相结合，帮助学生从理论知识的学习中逐渐掌握曲子的演奏技巧。
钢琴教师应该注重对学生的基本功训练，包括手型、手指技巧和音乐理论知识的学习，为后续学习打下坚实的基础。
卡农钢琴曲创作背景故事
卡农钢琴曲创作背景故事
【一、卡农简介】
卡农（Canon）是一种复调音乐，它的特点是各个声部依次出现相同的旋律，如同大自然的回声般此起彼伏。
这种曲式严格遵循特定的规则，各声部以不同的节奏、音高或音色呈现主题，营造出丰富多样的音乐效果。
【二、卡农的创作背景】
卡农钢琴曲的创作背景可以追溯到16世纪，起源于德国。
当时，德国的作曲家们致力于探索新的音乐形式，卡农便是其中之一。
这种音乐形式迅速传入欧洲各国，并在18世纪达到了繁荣时期。
著名作曲家如约翰·帕赫贝尔、约瑟夫·海顿等都曾创作过卡农作品，其中以约翰·帕赫贝尔的《D大调卡农》最为著名。
【三、卡农的旋律特点】
卡农的旋律具有以下特点：
1.各声部遵循严格的节奏和音高规律；
2.主题在各个声部之间轮流呈现，形成回声效果；
3.旋律优美、流畅，具有很高的艺术价值。
【四、卡农的广泛流传与影响】
卡农作品因其独特的旋律和严谨的结构，受到了广泛的喜爱。
从古典时期到现代，许多作曲家都曾创作过卡农作品，如帕赫贝尔的《D大调卡农》、约瑟夫·海顿的《创世纪》等。
此外，卡农的旋律也被应用于电影、广告等领域，成为了一种具有代表性的音乐符号。
【五、总结】
卡农作为一种复调音乐，具有独特的创作背景、旋律特点和广泛的影响力。
从德国的起源到欧洲的繁荣，卡农作品始终以其严谨的结构和优美的旋律脍炙人口。
钢琴教学中的复调作品训练探究--以巴赫复调作品为例
钢琴教学中的复调作品训练探究——以巴赫复调作品为例齐欢同济大学艺术与传媒学院摘要:钢琴是一件复调乐器,对于任何钢琴独奏作品而言,若想将其完美演绎,演奏者的复调意识和复调能力都是极其重要的。
复调作品是钢琴独奏学习者的必修课，其训练对于独立双手弹奏能力的促进，手指控制能力的发展,提高多声部音乐艺术的立体呈现思维,音乐织体的逻辑结构性、推理能力的锻炼,都具有巨大的直接推进作用。
关键词：钢琴巴赫复调多声部独立性中图分类号:J624.1文献标识码:A文章编号：1008-3359（2020）23-0102-05“要得出钢琴声音的结论，说明钢琴的特点是必要的”①。
复调特性成为钢琴有别于其他管弦乐独奏乐器的最显著特征之一,这是由它“打击乐属性”的发音机制以及乐器结构所决定的。
不论弦乐乐器、木管乐器、铜管乐器,包括人声都只能在同一时间演奏（或演唱）一个乐音音高,因此其他乐器或人声常常需要相互配合,组成相互间“地位对等的重奏”或“主奏与伴奏”的合作关系,才能演奏出复合的音乐内容,而钢琴可以独立将这一切完成。
在复调作品中,细致入微的音乐形态分析必不可少,横向分析独立声部的乐句结构,纵向分析每一拍甚至每个更小节拍单元的和声构成,每个声部都要独立展现,并相互交织为有机整体。
一、作品简介与学习案例（一）复调音乐简介“复调音乐的起源与宗教密不可分”②。
主、复调音 乐是相对应而存在的,由衬托性和声加主旋律（一条旋律）构成的织体为主调音乐,而由两条或两条以上具有一定独立性各自发展（或者相对比较独立）的旋律线构成的织体是复调音乐,即协调流动、展开,有机结合在一起构成的多声部音乐。
“复调音乐的主要体裁形式如创意曲、赋格曲等,其结构基本上是单一主题发展构成的”③。
职业复调音乐是在欧洲发展形成作者简介:齐欢（1981-）,同济大学艺术与传媒学院钢琴教研室主任、硕士生导师,长江钢琴艺术家,德布特艺术家,厦门爱乐、山东交响乐团客席演奏家，上海音乐学院“高峰高原”学科建设项目专家,上海音乐家协会钢琴专业委员会常务理事，《乐器》期刊编审委员，主要研究方向为：钢琴演奏与教学。
g小调赋格曲巴赫九级讲解
g小调赋格曲巴赫九级讲解摘要：1.巴赫的g 小调赋格曲简介2.九级讲解的目标和内容3.g 小调赋格曲的结构和特点4.演奏g 小调赋格曲的技巧和要点5.总结正文：巴赫的g 小调赋格曲是一首非常著名的钢琴曲，出自巴赫的《平均律钢琴曲集》。
赋格曲是一种复调音乐形式，它以一个主题为基础，通过各种方式进行变化和展开，最终形成一个复杂的音乐结构。
g 小调赋格曲是巴赫的代表作之一，以其严谨的结构和深刻的内涵而著称。
九级讲解的目标是帮助学生深入理解和演奏这首曲子。
讲解的内容包括曲子的结构、主题、变奏和演奏技巧等。
通过九级讲解，学生可以更好地理解这首曲子的音乐语言和表现手法，从而更好地演奏它。
g 小调赋格曲的结构是典型的赋格曲形式，它包括主题、变奏、再现和尾声四个部分。
主题部分是曲子的核心，它以g 小调为主调，以严谨的和对位的方式进行展开。
变奏部分是对主题的变形和展开，它通过各种方式，如增加音符、改变节奏、转调等，使音乐更加丰富多彩。
再现部分是对主题的恢复，它以原调的形式出现，使音乐回到了主题的初始状态。
尾声部分是对曲子的总结和结束，它以流畅的音符和和声结束了曲子。
演奏g 小调赋格曲的技巧和要点包括以下几点：首先，学生需要掌握曲子的结构和主题，了解各个部分的关系和作用。
其次，学生需要掌握演奏赋格曲的技巧，如对位、和声、节奏等。
最后，学生需要理解曲子的内涵和表现手法，通过音色、力度、速度等手段，表现出曲子的情感和意境。
总的来说，巴赫的g 小调赋格曲是一首非常优秀的钢琴曲，它以其严谨的结构和深刻的内涵而著称。
九级讲解是帮助学生深入理解和演奏这首曲子的有效手段。
西方音乐史——精选推荐
古希腊、古罗马时期（约公元前8世纪-公元4世纪）●希腊音乐是单声织体，没有和声或对位，即兴产生的支声复调，音乐的节奏与诗歌的节奏是一致的。
●音乐的体裁有短小的抒情诗、长大的史诗，以及演出规模宏大的悲剧和喜剧。
在后期出现了一些器乐独奏曲。
●古希腊的乐器主要有弦乐和管乐两类。
①弦乐的代表是里拉琴，里拉琴最初是在乌龟壳上支两只牛角和一根横木，再缠上4根弦，用手指拨弦发声，声音轻柔，多用于伴奏，后来又有很多变化样式，其中最重要的是基萨拉琴。
②管乐的代表是阿夫洛斯管，阿夫洛斯管是一种双簧乐器，有双管和单管两种类型，V字型的双管阿夫罗斯更为普遍，声音比较坚硬而有穿透力，具有狂放性。
两种乐器在使用上往往与不同神的崇拜相关，里拉琴常和有显赫地位的太阳神阿波罗相联系；阿夫罗斯管常被用作敬奉酒神狄俄尼索斯，是狂欢节常用的乐器。
●毕达哥拉斯（约公元前550年）的“和谐论”。
核心：（1）发音的两音弦长比例越简单，两音之间的音程关系则越和谐。
（2）通过计算得出，当弦长比为2：1时，两音的音程关系为八度；当弦长比为4：3时，两音为四度关系；当弦长比为3：2时，两音为五度关系。
（3）只有四、五、八度是和谐的音程，其余的音程都是不和谐音程（包括三、六度，皆是不协和音程）。
●四音音列是指由两个音构成四度框架，另两个音在这个框架内作不固定的灵活变动。
从而形成的三种不同形式的四音音列：自然音列、变化音列和微分音音列。
（多里亚，弗里几亚，利底亚，混合利底亚）中世纪时期（约公元5世纪-14世纪）●格里高利圣咏形成：公元6世纪末，各地教堂的圣咏凌乱不一，为了规范教堂中的圣歌，罗马教皇格里高利一世派人搜集整理各地的圣咏，还编成两本圣咏集。
这两本圣咏统一了罗马教会的仪式和圣咏。
格里高利圣歌也称为平歌或素歌。
风格特征：单音织体，拉丁文歌词。
节奏自由，有歌词的韵律决定。
音域较窄，旋律以级进为主，多呈拱形。
音乐结构由歌词段落的划分来决定。
音乐具有节制和超脱的表情特征。
复调在中国当代音乐创作中的应用
复调在中国当代音乐创作中的应用温冬薇摘 要：复调是一种多声部的音乐思维，是音乐发展的一种创作技法，也是多声部音乐中与主调相对应的一种音乐形式。
因而，在音乐作品中复调往往被视作智慧、科学与文明的象征。
其中，复调技法作为一种重要的音乐创作手法，成了多声部音乐表现中最基本的手段之一。
20世纪20年代初期复调技法传入我国，以萧友梅、赵元任、黄自、贺绿汀为代表的作曲家对这一技法进行展开教学，并在艺术歌曲、合唱曲、重奏曲、独奏曲等体裁上进行了大量的创作实践。
纵观整个中国当代音乐的发展史，从最早贺绿汀创作出第一部具有完全意义的中国风格复调钢琴作品《牧童短笛》到现如今多元化的艺术形式，可以看到在数代作曲家的不断探索中，作为一种“舶来”音乐艺术形式的复调技法，从最早学习借鉴的模式逐步发展成了具有“中国化”的复调音乐。
本文将以复调思维、传统复调技法、复调音乐结构与体裁为切入点，探寻我国当代音乐创作中复调形式的具体应用以及民族化复调的发展与成果。
关键词：复调思维；复调技法；复调体裁；民族化；创作中图分类号：J614.2 文献标识码：A作者简介：温冬薇（1986-），女，硕士研究生，黑龙江护理高等专科学校讲师。
基金项目：本文系2022年度黑龙江省艺术科学规划项目《中国当代复调曲集研究》阶段性研究成果（项目编号：2022B114）。
一、复调思维的发展西方复调音乐进入我国仅有百年的发展历史，从初步引入、模仿、借鉴到全面发展探索再到深度融合，其思维观念、技法形式、风格体裁等方面都发生了巨大的变化。
在朱世瑞的发表于音乐研究的《中国当代音乐创作中复调思维表现形态》文章中写道：“如果说，以前的复调音乐创作主要是以欧洲古典、浪漫乐派和俄罗斯民族乐派的创作实践作为学习借鉴的对象，那么，我国当代复调音乐创作大大拓宽了对传统进行继承的覆盖面”。
①二十世纪20-30年代是发展的初期阶段，我国当代音乐创作主要是对西方复调音乐技法和体裁的模仿与借鉴，是一种具有“格式化”特点的复调思维，并且在声乐作品、室内乐和管弦乐作品中初步呈现。
复调音乐基础课程教学大纲
《复调音乐基础》课程教学大纲课程编码：151100250学科专业必修课程课程性质：音乐学专业本科学生教学对象：48学时学分：学时 3学分音乐系编写单位：张蕾编人：写杨兆丰定人：审2012编写时年06月间：一、课程说明1、课程简介本课程是融复调音乐的写作理论与创作实践为一体的课程。
主要内容有二声部对比复调、二声部模仿复调、复对位、复调写作手法的应用以及对复调作品的理论分析，适用于高等师范院校音乐学专业的学生。
2、教学目的要求《复调音乐基础》是高等师范院校音乐学专业的一门理论必修课。
本课程融复调音乐的写作理论与创作实践为一体，旨在培养学生对于复调音乐作品的理论分析能力以及复调写作能力，使学生具有较全面的音乐素质，以便将来能够较好的分析中学课本上音乐作品的复调现象，同时也能胜任中小型歌曲、器乐曲的多声部编配。
3、教学重点难点本课程的教学重点部分在于理解复调的写作技法，掌握复调的创作手法。
难点部分在于培养学生对于复调音乐作品的理论分析能力，能够较好的分析中学课本上音乐作品的复调现象。
4、考核方式本课程是考试课，考试的形式是闭卷，考试方法是书面笔答形式。
成绩的合成及评分标准是：平时成绩占20%，期末成绩占80%。
5、学时分配表本课程的教学包括如下环节：课堂讲授、课堂欣赏课、辅导课、课外作业等。
通过各个教学环节的教学，重点培养学生的自学能力、创新能力、分析问题和解决问题的能力。
总学时48学时，具体分配如下：课程学时分配表理论课实验（实践）教学内容章次学时数课学时数复调音乐概论第一章210第二章二声部对比复调9第三章二声部模仿复调6第四章复对位创意曲第五章66第六章赋格曲（一）呈示部9再现部第七章中部赋格曲（二）间插段48总计二、各部分教学纲要第一章复调音乐概论（2学时）教学目标1、掌握复调的基本概念2、了解复调的历史及风格演变3、介绍复调的类型本章重点复调的基本概念以及复调的类型。
本章难点掌握复调的基本概念。
音乐基础知识(教师招聘考试!知识点全!!)
音乐的基本要素：音的高低（频率)、长短（振幅)、强弱(时间）、音色（发音体性质）音乐的形式要素:节奏、旋律、速度、力度、音色、和声、调式、曲式、织体等节奏:音乐运动中音的长短和强弱节拍：强拍与弱拍的均匀交替叫节拍常见的声乐演唱形式：合唱、齐唱、轮唱、重唱、对唱、独唱合唱：由多人演唱多声部歌曲的形式，按照声部组合的声区和音色的不同分为同声、混声两种齐唱：多人按照同度或八度的音程关系演唱同一个曲调（即多人演唱同一旋律的形式）轮唱：多个声部按一定的时距相互追逐，演唱同一旋律，交叠出现时构成良好的和声关系重唱：两个以上的少数人同时演唱的形式，每人唱一个声部，各自独立而又相辅相成对唱:两个人对答式的演唱单声部歌曲独唱：由一个人独立演唱的形式常见的器乐演奏形式：独奏、重奏、合奏、协奏独奏:由一个人演奏一件乐器的表演形式重奏:每个声部均由一个人演奏的多声部器乐曲或演奏形式合奏：按乐器种类不同进行分组,各组分别担任某一声部，共同演奏同一首乐曲;同类乐器分组共同演奏同一首乐曲也叫做合协奏：一件或几件独奏乐器与管弦乐队竞奏主调音乐：是以一个曲调为主，其余声部作为伴奏以陪衬或加强这一曲调的作品复调音乐：由两个或两个以上的曲调以对位法的法则结合在一起的多声部音乐奏鸣曲：是一种由三个或四个相互对比的乐章组成的器乐套曲交响曲:按照奏鸣曲的曲式原则作成的一种管弦乐套曲奏鸣曲式：是乐曲的结构形式之一，分为呈示部、展开部、再现部三大部分艺术歌曲：是由作曲家为某种艺术表现的目的，根据文学家诗作而创作的歌曲.声乐套曲：由若干首内容上有些关联的声乐曲组成的套曲练习曲:是为练习某种乐器演奏和嗓音演唱技术而创作的乐曲音乐会练习曲：技术练习与艺术创作的结合,将技术练习融合于艺术构思中,成为音乐会上常见曲目的乐曲标题音乐:是浪漫主义作曲家将音乐与文学、戏剧、绘画等其他姊妹艺术相结合而产生的综合性音乐形式.是一种用文字来说明作曲家创作意图和作品思想内容的器乐曲交响诗：按照文学、绘画、历史故事和民间传说等构思创作成的大型管弦乐曲印象主义音乐：19C末20C初由法国作曲家德彪西首创的一种音乐风格.作品多以自然景物或诗歌绘画为题材，突出瞬间的主观感受，音乐语言上突破大小调体系，重视和声、织体和配器的色彩，擅长表现幽静朦胧、飘忽空幻的意境。
复调音乐与主调音乐简介范文一份
复调音乐与主调音乐简介范文一份复调音乐与主调音乐简介 1复调音乐与主调音乐概括地说，复调音乐是两个或两个以上各具相对__意义旋律的同时进行。
换句话说，是由不同的旋律线编制成的一个纵向、立体结构的横向运动。
由于纵向结合的不同方式，形成不同类型的复调乐曲，如对比式复调、模仿式复调、补腔式复调，以及二声部、三声部、四声部，还有更多声部的复调。
在巴洛克时代，复调音乐是主要的音乐思维形式。
那时代的巴赫是最伟大的复调音乐作曲家，直到今天仍被公认是最高典范。
主调音乐，是以一条旋律为主要乐思，而其他部分通常作风为和声因素处于服从、陪衬、协作的地位。
大致与欧洲音乐进入古典时期的同时，主调音乐也取代了巴洛克音乐中复调音乐的主要地位，成为主要的音乐思维形式。
海顿、莫扎特、贝多芬以及所有浪漫派作曲家，总体倾向上是主调音乐。
但复调音乐在他们的作品中仍然占有重要地位。
可以说，没有任何业一位大作曲家是不掌握复调技术的。
直到今天，依然如此。
复调音乐和主调音乐经常结合起来运用。
复调音乐和主调音乐都是多上音乐。
在__各民族的传统、民间音乐中，都有复调音乐的因素。
现代__作曲家接见欧洲复调音乐技术，也创作了一些__风格的现代复调音乐。
贺绿汀1934年创作的钢琴曲《牧童短笛》，就是__最早、最成功地运用了复调技法的作品。
初学钢琴弹奏的“小巴赫”，稍后的《小前奏曲与赋格》、《创意曲》都是复调音乐。
“拜厄”多数是主调夤夜，有少量是复调作品。
“车尔尼599”只有最前面的七条是复调，其余都是典型的主调音乐。
《小奏鸣曲》也是主调音乐，只有少数几首的第二乐章是复调。
词语含义复调音乐(polyphony)是与主调音乐(homophony)相对应的概念。
主调音乐织体是由一条旋律线（主旋律）加和声衬托性声部构成的。
复调音乐是由若干（两条或两条以上）各自具有__性（或相对__）的'旋律线，有机的结合在一起（同时结合或相继结合）出现，协调地流动，展开所构成的多声部音乐。
走进复调世界：六年级音乐教案六
走进复调世界：六年级音乐教案六六年级音乐教案六在六年级音乐教材中，我们将会学习复调音乐。
复调音乐是指多声部同时进行的音乐，早在文艺复兴时期，就已经被广泛应用于教堂音乐和器乐曲，如巴洛克音乐。
今天，我们将带着好奇心和学习的心态走进复调世界。
第一课：什么是复调音乐在本节课中，我们将了解什么是复调音乐，掌握复调音乐的概念和特点。
复调音乐是指两个或两个以上的具有独立旋律，同时进行的音乐，拥有多声部的歌曲。
它与单声部音乐相比，具有更丰富的音效和更深厚的情感表现能力。
在复调音乐中，每个声部都拥有独立的旋律和和声，但是它们共同构成了一个和谐的整体。
第二课：复调音乐的构成要素在本节课中，我们将学习复调音乐的构成要素，掌握复调音乐的基本结构。
复调音乐由三个基本要素构成：旋律、和声和节奏。
旋律是音乐的灵魂，是复调音乐中各声部之间最为重要的联系。
和声是两个或两个以上的声部同时演唱时，所产生的音响效果。
节奏是复调音乐中不可或缺的元素，是指规则的重复性的时间单位。
第三课：对位法在本节课中，我们将学习复调音乐中的经典技巧-对位法。
对位法是复调音乐的基本技巧之一，是指多声部之间的相互作用和对位关系。
在对位法中，各声部必须作出相互配合、相互呼应的动作，才能够达到和谐的旋律。
在练习对位法的时候，我们需要注重声部之间的平衡和协调，充分调动身体和声音的协调性。
第四课：复调歌曲在不久的将来，我们将学习复调歌曲，对复调音乐进行实践运用。
复调歌曲是指有两个或两个以上的歌唱声部、并且各声部都拥有主旋律的歌曲。
在学习复调歌曲的时候，我们需要注重对节奏、和声和旋律的掌握，同时要注重声部之间的协调和配合，让歌曲更加优美和动听。
看到这里，相信每个人都已经迫不及待的想要尝试和体验复调音乐的魅力了吧！请将心中的音乐热情与身体和声音一起投入到我们的学习中来吧！。
卡农简介
卡农Canon简介卡农Canon——复调音乐的一种，原意为“规律”一个声部的曲调自始至终追逐着另一声部，直到最后……最后的一个小结，最后的一个和弦，它们会融合在一起，永不分离。
缠绵极至的音乐，就像两个人生死追随。
卡农Canon是一种曲式的名称,这种曲式的特征是间隔数音节不停重复同一段乐曲。
一般的演奏法是以大提琴启奏，三把小提琴间隔八拍先后加入，小提琴全部拉奏完全相同旋律，前后也只有三段不同的旋律，每段更是仅有两小节的旋律供重复拉大提琴的调子从头到尾只有两小节，重复达廿八次之多，可是听者却陶醉在这旋律之中，丝毫不会感到单调。
能御简如繁，作者可说已臻化境。
作者是德国人Johann Pachelbel (1653 ~ 1706)，曾是巴哈的老师。
不过有人说是当时某位不知名的作曲家,为了售出此曲而冒称是当时享有盛名的帕卡贝尔的作品。
最出名的卡农是十七世纪德国作曲家Johann Pachelbel （帕海贝尔, 1653－1706）的卡农，全名是《Canon and Gigue in D》（D大调卡农）。
因为有一部被提名为奥斯卡最佳影片奖的电影《凡夫俗子》采用它作为电影配乐，这首曲子便广为人知，《我的野蛮女友》同样也在场景中运用了这首作品。
这是个德国作曲家，但德国实在很难让他产生如此美丽的灵感。
这是作者在意大利威尼斯时写的音乐，用了回旋曲曲式，有无穷动音乐的元素在里面。
而这个音乐之所以在所有卡侬里面特别有名,因为它带着一丝意大利式的忧伤，甜蜜宁静的忧伤。
从来没有哪一首音乐能象卡农，准确地说，是帕赫贝尔的卡农（Pachelbel's Canon），让我如此疯狂地迷恋，伴随我生命过程中的所有快乐与忧伤有个同样热爱卡农的国外朋友，在他专门为这首音乐制作的网站上写道：“它能让我感受到一种穿透脊骨的颤抖，直达灵魂”------对我来说，每次聆听卡农，感受是同样地刻骨铭心，尽管我已经听了它不下数千遍，尽管我有近40个不同的演奏版本；而每次我都会按照不同版本，一遍又一遍地听，让自己沉醉，然后莫名感伤，接着沉默，思绪开始发呆，沉溺在感动之中。
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复调音乐的简介
复调音乐拥有漫长的历史，在中世纪的教会圣咏中，就有了最早的复音音乐，僧侣们在唱颂歌的时候各自在不同的声部上吟唱不同
的旋律。
其后尼德兰的荷兰乐派进一步发展出复音的理论和写作技术。
当中的作曲家杜飞(GuillaumeDufay，1400-1474)在创立了“四
部和声”的写作技巧。
为后来的对位法理论开辟出完善的道路。
一、复调音乐(polyphonymusic)简介：
“主调音乐”的对称。
多声部音乐的一种，旧称对位。
它是以两个、三个或四个在艺术上有同等意义的各自独立的曲调，前后叠置起来，同时协调地进行为基础。
在横的关系上，各声部的
节奏、力度、强音、高潮、终止、起迄以及旋律线的起伏等，不尽
相同而且各自有其独立性;在纵的关系上，各声部又彼此形成良好的
和声关系。
复调音乐分为：
⑴用对比方法所写的复调音乐成《对位音乐》，简称《对位》，即对位式的复调音乐。
如中国钢琴独奏曲《牧童短笛》;
⑵以模仿的方式为基础所写的《复调音乐》，通称《卡农》，即二部、三部、四部的轮唱或轮奏。
如《黄河大合唱》中的四部轮唱
曲《保卫黄河》;
⑶用衬托的方法所写的复调音乐，成《支声复调》或《衬腔式复调》。
在民族民间音乐中，常用衬托、填充、呼应、加花等手法，
使音乐更为丰富多彩。
如侗族民歌《向阳花开朵朵红》，女声二重
唱《遵义会议放光辉》等。
二、复调音乐的内容：
原指由几个声部构成的多声部音乐，相对于单声部音乐而言;后
指按照对位法则结合在一起的多个旋律性声部的音乐，相对于主调
音乐而言。
复调音乐注重每个声部的旋律性，声部间形成对比或相
互补充，没有主次之分。
复调音乐最早产生于9世纪的西欧，奥尔
加农为其最早形式，发展至15世纪后半期～16世纪达到高峰，可
谓其黄金时代，杰出代表为帕莱斯特里纳的无伴奏合唱;到18世纪，在复调音乐创作在结构、技法上趋于完善的情况下，J.S巴赫将器
乐赋格曲形式发展至极，树立了器乐复调音乐技术的典范;进入18
世纪后半叶，复调音乐的主导地位开始逐渐被主调音乐代替。
重要
的复调音乐体裁有经文歌、轮唱曲、复调弥撒曲、卡农、复调尚松、坎佐纳、赋格曲等
三、复调音乐主要的三种形式：
对位：即按照严格的对位法来写作的一种音乐形式。
卡农：以模仿的手法来处理不同的声部旋律，形成一种连绵不断的感觉。
著名的作品有德国作曲家，管风琴大师帕赫贝尔(JohannPachelbel，1653-1706)脍炙人口的《D大调卡农》。
赋格：一种用多声部相互应答陪衬的方式所写成的复音音乐。
当时流传下来的作品中，最著名的作品集是巴赫的《赋格的艺术》，
这套作品可以称为赋格曲的圣经。
四、复调音乐发展简史：
复调音乐约在9世纪左右产生于西欧，其发展情况大致如下：
9～13世纪的复调音乐
这个时期的复调音乐历经了3个阶段：
①奥加农产生于9世纪，它是以格列高利圣咏为固定歌调，于其下方如上新的声部，两者形成平行四度或五度的进行;也可从同度开始，逐渐分离至四度，最后复归同度。
这是最古老的复调音乐形式。
②迪斯坎图斯产生于12世纪，仍以格列高利圣咏为固定歌调，
于其上方添加新的声部，两者的距离为八度或五度，声部间出现反
向进行。
③福布尔东产生于13世纪，意为假低音，因低声部演唱时实际
为高八度。
它仍然以格列高利圣咏为固定歌调，新加的声部通常为
两个。
开始与结尾处采用五度、八度，中间用三度、六度，音响效
果较前两种丰富，为复调写作中极有价值的进步。
以上3种形式，
并无专用乐谱,演唱者只需将格列高利圣咏记熟,按规定的要求加上
新的声部即可。
14～15世纪的复调音乐
14世纪，人们对早期的复调音乐形式已不满足，新的发展是在
格列高利圣咏上添加曲调时采取自由处理，或固定歌调与新调均为
自由创作，从而打破过去的刻板作法。
为使歌者能准确演唱新的曲调，就需专用乐谱。
该时期出现对位一词，用以称呼复调音乐的写
作技法。
对位原意为音对音，亦即几个曲调的结合。
在这些结合中，协和音为主，对不协和音开始时予以否定，直至15世纪才逐步认识
到不协和音的价值，并认为对位就是艺术化的音乐组合，在写作上
应力求富有变化;如节奏的变化、切分音的处理以及模仿的运用等，
从而将复调艺术发展到一个新的阶段。
15～16世纪的复调音乐
15世纪后半期～16世纪是复调音乐的黄金时代，特别以G.P.da
帕莱斯特里纳为代表的无伴奏合唱，达到这一时期复调音乐的高峰。
在这时期中，人们对歌词的重视，在很大程度上奠定了音乐的节奏
基础;同时运用许多丰富变化的音调组合，在声部进行中力求避免五度、八度的空洞效果;确定了不协和音的使用原则。
总的来说，声部
进行上的平衡与相互关系间的协和，是当时复调音乐风格的特点。
17～18世纪前半叶的复调音乐
16世纪以后，复调音乐无论在结构方面或技术手法方面都已日
趋完善，为器乐复调的兴起与发展创造了条件。
到18世纪，在J.S.巴赫作品中，采取以和声为基础的创作方法，即不仅要求横的线条
独立，同时还注意到纵的和声关系。
巴赫非常重视和弦外音的处理，
从此造成曲调节奏与和声节奏的不一致，增强了对位的效果。
在发
展赋格曲的形式方面，巴赫的贡献更为卓越，后世的作曲家们都把
他的作品视为复调音乐技术的楷模。
18世纪后半叶～19世纪的复调音乐
18世纪后半叶起，主调音乐占优势,对位受到和声的制约,写法
上从自由节奏的线条织体转变为动机式的旋律短句与和声结合。
复
调技术与主调音乐的形式特别在奏鸣曲式的乐曲中紧密地融合在一起，赋格与赋格段在古典派与浪漫派作曲家的创作中成为发展主题
展开乐思的有效手段。
尤其在F.门德尔松复活了巴赫的《马太受难曲》后，不少杰出的浪漫派作曲家也努力仿效巴赫的复调创作手法。
J.勃拉姆斯在创作中有意识地采用巴赫式的对位写作，而且企望能
返回到16、17世纪的音乐中去，这表现在他的后期作品中，对卡农
的喜爱甚至超过了赋格。
到浪漫派后期,由于分解和弦的大量使用，
旋律线条变为和声性,致使对位愈来愈和声化，甚至成为分解和声的
一种装饰。
R.瓦格纳在对位的运用中一方面更强调不协和和弦的各
种手法与半音的变化，另方面也像W.A.莫扎特那样运用几个主题的
同时结合，如《纽伦堡的歌唱师傅》序曲的再现部。
总之，在浪漫
派后期，复调音乐虽居于次要地位，但仍是创作中不可缺少的一种
表现手段。
20世纪的复调音乐
20世纪作曲家的作品风格，比之上一世纪来有巨大改变，调性、调式与和弦结构的复杂化取代了已往的基本自然音体系的技法。
自1910年后，许多作曲家都热衷于完全自由地使用半音音阶的全部12
个音，有的具有调性中心，如P.欣德米特;有的否定调性中心，如A.勋伯格;有的采取双调性、多调性的结合，如D.米约。
双调性或多
调性,由于几个曲调调性不同,有着相当程度的独立性，从而加强了
对位的效果。
无调性音乐的效果主要取决于动机的组织，它将旋律
线条置于显著地位,而使和声退居其次。
近代的线条对位一词,原是
形容早期复调音乐形式的，现在则常用来形容一个与和声无关，纯
由旋律线的交织而形成的结构。
比起19世纪来，20世纪中复调音
乐又居优势，但不是帕莱斯特里纳或巴赫时代的意义，写作技法上，
旋律多采取自由的与有伸缩性的发展;主题常作倒影或逆行的处理;在组成对位时，更多地使用复杂的节奏组合，这是现代复调音乐的主要特征。
复调音乐作为一门课程包括对位、卡农、赋格等。
它的写作方法可分为对比复调(见对位法)与模仿复调(
见模仿)两类。
用复调音乐形式创作的乐曲有创意曲、轮唱曲、卡农曲及赋格曲等。