绘画与审美问题 [绘画与审美]

绘画是视觉审美的再创造，是人的思想感情充分体现的一种语言。

一幅好的绘画作品中寄载着作画人的全部情感因素，而劣质的绘画作品则不能够很好的表达画者的审美情感，所以古代就有画品的说法。

那么，画品的高低则直接取决于人的审美的健全程度与审美水平。

可见，审美在绘画过程中的作用之巨大。

审美感觉贯穿于绘画的全过程，可以说没有审美就没有绘画，没有审美的绘画也许就是简单的复制过程，毫无生气可言。

视觉形象永远不是对于感性材料的机械复制，而是对现实的一种创造性把握，它把握到的形象是含有丰富的想象性、创造性、敏锐性的美的形象。

培养学生的观察力，学习、尝试去“发现”美的事物，是非常重要的。

我们忽视了通过感觉到的经验去理解事物的天赋。

当具有一定的素描能力并了解一些基本概念后，有些人却忽视了艺术中最重要的东西――知觉，我们的眼睛正在退化为纯粹是量度和辨别的工具。

结果，可以用形象来表达的观念就大大减少了，从所见的事物外观中发现意义的能力也丧失了。

在那些一眼便看出其意义的事物面前，我们倒显得退钝了，他们天生具有的通过眼睛来理解艺术的能力沉睡了。

很多学习美术的人，特别是一些正准备考学的学生，虽然懂得“看”或称“观察”的重要性，但往往习惯于被动、麻木地在画面上机械地照搬静物或模特儿，全然没有想要去发现并且去表现“美”的欲望，更谈不上表达心灵和思想了，将绘画写生的过程变成了一种机械复制的活动，将艺术创造的过程等同于一个熟练工种的制作过程。

这样的绘画过程是麻木的、没有情感的。

在整个绘画过程中应发挥人的主观审美的作用，即绘画的情感性。

没有艺术感觉的作品，往往伴随着僵硬、死板，我们常常见到这样的作品能按照正确的步骤进行，掌握一定的技法，画面也较充分、完整，然而毫无生气，缺少生命力。

美的特点往往表现在“形式”上，如数量的比例、形线的排列、色调的和谐、黑白、构图、运动、线条的节奏等，由抽象的点、线、面、体组织成画面结构，它所形成的抽象或具象的内容与形象，表现的是艺术中具有生命力的深层内涵。

正是由于艺术形式的无穷变化与它所具有的魅力，使艺术家们不断地寻找适合的艺术表现语言。

在选择和运用艺术表现语言时，艺术观念与审美取向自然也体现在其中，同时现代人的品鉴标准又介入了现代的审美意识。

寻找一种适合自己的绘画语言，进行艺术探索、艺术实践是重要的。

对于在这方面天赋不一、起点不同的学生来说，必须通过不断地实践，才能探索出不同的表现形式来。

久而久之，这种实践将引导发挥出崭新的想法和艺术概念。

在考虑新的概念、表达某种意识或思相的同时，必须需要经常注意表现方法及提高绘画的美学价值。

对于一些绘画的表现形式的需要来说，体积感、重量感是决定着画面的形式、风格、内容、情调等等一系列的重要绘画表现元素。

利用光影、明暗、笔触形成的肌理与质感效果，不仅表现体积和重量，更表现了作者的审美情趣。

审美格调的高低，没有一个绝对的标准，通俗地讲，正像俗语所谓“穿衣戴帽各有所好”，深究的话，却又太复杂，它涉及并且又相互影响着时代的、社会的、文化的、民族的、心理的、生理的、经济的等等人类的一切活动。

有时艺术作品宁愿“拙”一些，比“油”、比表面上的“帅”而实际空洞无物要好得多。

无论是有意还是无意，艺术创作中必然存在着非常的主观因素，所反映的是人的心理。

美学家宗白华先生在《美学漫步》中这样写道“-------但也还有那在实践生活中体味万物的形象，天机活泼，深入生命节奏的核心，以自由和谐的形式，表达出人生最深的意趣，这就是美与美术------”
艺术家对视觉世界不仅具有极其敏锐的感觉，同时又具有高度的意识。

这种意识既是主观的、又是客观的。

当作者试图通过艺术这种方式来表达自己的思想进行艺术创作或设计时，在很大程度上基于作者对事物的一种感觉以及由此而产生的感受。

这就需要去理解事物自身的特性。

因此，这一过程是一种以感官通过直觉、洞察以及理解来进行的艺术创造，这一创造过程不仅受客观世界的影响，也受主观意识的限制。

对任何艺术家而言，风格与特点显然意味着强烈的主观色彩，并赋予作品重要性和特殊意义。

在绘画中的多种表现手法、方式都可用来突出某些方面。

突出某些成分或思想，不但能表达个人的感情，并且可以使得作者的绘画语言更为明确。

一旦不断地突出某些方面，就将成为作品的特色，而作者的个人风格也就随之产生了。

绘画大师们正是通过这样的突出方式发展自己的风格，并且都因为独到地突出某些方面而自成一家。

比如当代画家弗洛伊德的艺术有种清晰纯净的，剔去种种杂质的艺术品格。

他的笔触干净利落，楔状笔触不拖泥带水，像一束束肌肉一样有力。

人物是弗洛伊德的主要表现对象。

笔触显露，有时呈现出无序、粗鄙的状态。

在这点上他的一些作品具有某种表现性的效果。

他的用笔是强有力的，交错相叠的笔触形成浮雕般的肌理，陡增了画面的神秘意味。

他非常客观地表现了对象，但同时又带有强烈的主观色彩，他用客观素描的技巧表现出的是一种主观意识，他对于人物神情敏感的观察与刻画，使人们从中感受到的不仅是形体方面的表现力，还传达出作者本人的思想。

自从20世纪60、70年代兴起于美国的照相写实主义流行以来，不少艺术家模仿摄影技术，利用摄影成果做客观逼真的描绘，试图把物体的照片影像很客观地在画面上呈现出来。

这种严峻、冷漠的形象，传达出当代社会人与人之间的疏远冷漠和无人情味，造成一种异乎寻常的美学和心理效果。

并且为商业广告开辟出一条新的途径。

照相写实主义认为传统的写实主义是注入了作者的主观激情的，是一种主观的写实或人文的现实，不易为广大的观众所了解，而不含主观感情，用大家共同的眼睛（照相机）来观察和反映，传达的范围更普遍。

照相写实主义的作品往往使人感到自然主义的味道，他们主张艺术的要素是“逼真”和“酷似”，必须做到纯客观地、真实地再现现实。

从某些角度看，这类艺术当然是很客观的，然而不管是精确的还是变形的，强烈的主观因素往往通过照相机的角度和所选取的题材显示出来，以便更好地突出主观意旨。

这些艺术家的作品在主观和客观的艺术之间搭起了一座桥梁，因为即使是在极端的照相现实主义素描和绘画中，艺术家的个人风格也充分体现出来。

在艺术学习中，有必要了解艺术风格、艺术语言与套路的区别。

套路是什么，是前人总结的经验被歪曲地运用，或某一些艺术家的个人风格被无限地复制，实际上，只要将某些规律性的东西总结出来，并“去其精华”，丢弃艺术的灵魂，进行表面的不问其所以的模仿，任
何伟大的艺术都可以被变成套路。

对于一个成熟的艺术家来说，一种固有的模式，也许是某种符号化的东西，往往可以使人很容易辩认作者的风格，是区别于其他艺术家的极好方式。

但如果所有人都按照这一模子去表现对象，那么，这一表现形式就失去了它原本的意义，被抛弃的、丢失的则是艺术的本质。

因此，在绘画中注入审美情感，可以充分提升绘画的品味和质量，而且对学生艺术感觉和技能训练有至关重要的意义，切不可忽视艺术的审美情感。