文艺复兴时期的雕塑

文艺复兴时期的雕塑
哀悼基督
云石雕像，高175厘米，米开朗基罗创作于公元1498年，现收藏于梵蒂冈的圣彼得大教堂。

这件作品是米开朗基罗为圣彼得大教堂所作，也是他早期最著名的作品。

雕像的题材取自圣经故事中耶稣基督被钉死在十字架上后，圣母玛丽亚抱着基督身体痛哭的情景。

雕像中死去的基督肋下有一道伤痕，脸上没有任何痛苦表情，横躺在圣母玛丽亚的两膝之间，右手下垂，头向后仰，身体如体操运动员一般细长，腰部弯曲，表现出死亡的虚弱和无力。

圣母年轻而美丽，形象温文尔雅，身着宽大的斗篷和长袍，右手托住基督的身体，左手略向后伸开，表示出无奈的痛苦；头向下俯视着爱子的身体，似乎正陷入深深的悲伤之中；细密的衣褶遮住了厚实的双肩，面罩衬托出姣美的容貌。

圣母的表情是静默而复杂的，不只倾泻了无声的哀痛，也不只充满了哀思和祈祷，它已经大大超出了基督教信仰所包含的内容，是一种洋溢着人类最伟大最崇高的母爱的感情。

米开朗基罗曾经说过，圣母玛丽亚是纯洁、崇高的化身和神圣事物的象征，所以必能永远保持青春。

所以在这里，他突破了以往宗教作品中苍白衰老的模式，把圣母刻画成一个容貌端庄美丽的少女，却并未因此而影响到表现她对基督之死的
悲痛。

圣母的美是直观的，但她的悲哀却是深沉的。

她所体现出的青春、永恒和不朽的美，正是人类对美的追求的最高理想。

作品采用了稳重的金字塔式构图，圣母宽大的衣袍既显示出她四肢的形状，又巧妙地掩盖了身体的实际比例，解决了构图美与人体实际比例之间的矛盾问题。

基督那脆弱而裸露的身体与圣母衣褶的厚重感以及清晰的面孔形成了鲜明
的对比，统一而富有变化。

雕像的制作具有强烈的写实技巧，作者没有忽略任何一个细节，并对雕像进行了极其细致入微的打磨工作，甚至使用了天鹅绒进行摩擦，直到石像表面完全平滑光亮为止。

这一切都赋予云头以生命力，使作品显得异常的光彩夺目。

而且，米开朗基罗还将自己的名字第一次刻在了雕像中圣母胸前的衣带上。

作品一经展出，立即轰动了整个罗马城。

从此，它便与作者米开朗基罗的名字一起成为了艺术史册中光辉
的一页。

布鲁特斯胸像
大理石雕像，高74厘米，米开朗基罗创作于公元
1537-1538年，现收藏于意大利佛罗伦萨国立美术馆。

米开朗基罗生活的年代，正是意大利社会动荡的时期，
他始终在为教会和佛罗伦萨的执政者美第奇家族服务。

他们令人窒息的统治使艺术家深感苦闷，因此，米开朗基罗一直向往着有一位伟大的英雄来铲除暴君。

这尊《布鲁特斯胸像》就是这一思想的反映。

布鲁特斯（公元前85-前42年）是罗马共和时期的第一任行政长官，早期曾参加过刺杀罗马独裁者凯撒的行动，有着光明磊落的性格，在历史上是一个维护民主，不徇私情，大公无私的执政官形象。

米开朗基罗选择他为刻画对象，具有深刻的现实意义。

雕像中，布鲁特斯身披古罗马长袍，脸向左侧有力地转动着，嘴角紧闭，专注的眼神凝视着前方，面部神情表现出勇敢、公正、机智、坚定和决不妥协的英雄气概，显示了面对严酷现实所具有的大无畏精神。

如果说米开朗基罗的《大卫》和《摩西》都是完美的、理想化英雄的化身，那么这尊《布鲁特斯胸像》则可认为是现实中实实在在、具有鲜明个性特征的英雄形象，具有一种行动的意志力和内在的精神力量。

雕像的头部并没有象作者的其他作品一样经过细致的打磨，反而更赋予英雄人物以粗犷的性格，增加了雕像的现实感。

这件作品是米开朗基罗晚期的代表作品之一，体现了他对现实中能够拯救祖国的英雄的渴望，也寄托着他对破除黑暗统治的美好愿望。

大卫
云石雕像，像高2.5米，连基座高5.5米，米开朗基罗创作于公元1501-1504年，现收藏于意大利佛罗伦萨美术学院。

米开朗基罗生活在意大利社会动荡的年代，颠沛流离的生活使他对所生活的时代产生了怀疑。

痛苦失望之余，他在艺术创作中倾注了自己的思想，同时寻找着自己的理想，并创造了一系列如巨人般体格雄伟、坚强勇猛的英雄形象。

《大卫》就是这些作品中最杰出的代表。

大卫是圣经中的少年英雄，曾经杀死侵略犹太人的非利士巨人哥利亚，保卫了祖国的城市和人民。

米开朗基罗没有沿用前人表现大卫战胜敌人后将敌人头颅踩在脚下的场景，而是选择了大卫迎接战斗时的状态。

在这件作品中，大卫是一个肌肉发达，体格匀称的青年壮士的形象。

他充满自信地站立着，英姿飒爽，左手拿石块，右手下垂，头向左侧转动，面容英俊，炯炯有神的双眼凝视着远方，仿佛正在向地平线远处搜索着敌人，随时准备投入一场新的战斗。

大卫体格雄伟健美，神态勇敢坚强，身体和脸部的肌肉紧张而饱满，体现着外在和内在的全部理想化的男性美。

这位少年英雄怒目直视着前方，表情中充满了全神贯注的紧张情绪和坚强的意志，身体中积蓄的伟大力量似乎随时可以爆发出来。

与前人
表现战斗结束后情景的习惯不同，米开朗基罗在这里塑造的是人物产生激情之前的瞬间，使作品在艺术上显得更加具有感染力。

他的姿态似乎有些象是在休息，但躯体的姿态表现出某种紧张的情绪，具有强烈的“静中有动”的感觉。

雕像用整块的石料雕刻而成，为了使其在基座上显得更加雄伟壮观，艺术家有意放大了人物的头部和两个胳膊，使得大卫在观众的视角中显得愈加挺拔有力，充满了巨人感。

这尊雕像被认为是西方美术史上最值得夸耀的男性人体雕像之一。

不仅如此，《大卫》还是文艺复兴时期人文主义思想的具体体现。

它对人体的赞美，表面上看是对古希腊艺术的“复兴”，实质上表示着人们已从黑暗的中世纪桎梏中解脱出来，充分认识到了人在改造世界中的巨大力量。

米开朗基罗在雕刻过程中注入了巨大的热情，塑造出来的不仅仅是一尊雕像，而且象征了思想解放运动在艺术上取得的伟大胜利。

作为一个时代雕塑艺术作品的最高境界，《大卫》将永远在艺术史中放射着无尽的光辉。

为了保护艺术品，《大卫》原作被放在佛罗伦萨美术学院中，并同时在市政厅复制了一件作品供来自世界各地的游人欣赏。

墨丘利
青铜雕像，高187厘米，波洛尼亚创作于公元1580 年，现收藏于意大利的佛罗伦萨国立美术馆。

波洛尼亚是意大利十六世纪末最著名的风格主义雕塑家，曾是佛罗伦萨美第奇家族艺术殿堂的座上宾，并在那里完成了许多优秀的艺术作品，这件《墨丘利》就是其中最精美的青铜雕像之一。

墨丘利，在希腊神话中被称为赫耳墨斯，是主神宙斯的儿子，也是希腊奥林匹斯山上诸神的使者，主管商业、交通等，被尊奉为商业的保护神。

他多才多艺，行走如飞，是一个俊美的青年使者。

在这尊雕像中，墨丘利头戴插翅的飞行帽，左手拿着代表商业的盘蛇神杖，右手指向天空，一只脚站在一个人的嘴上，另一只脚向后弯曲着，似乎正在跳跃。

他的整个体态向上飞腾，动作舒展、灵活而优美。

青铜雕像的表面被处理得十分光洁圆润，在阳光照射下，墨丘利全身显得流畅、轻巧、悦目，充满了旺盛的青春活力和强烈的装饰美。

这座雕像原本是喷泉的装饰部分，体现了风格主义雕塑的典型特色，华丽而富有表现性。

同时，它又具有文艺复兴时期特有的精神面貌，是文艺复兴后期最重要的雕塑作品之一。

战胜比萨的佛罗伦萨
大理石雕像，高282厘米，波洛尼亚创作于1565-1570 年，现收藏于意大利佛罗伦萨的国立巴哲罗美术馆。

1406年，意大利名城比萨被佛罗伦萨征服，并很快成为贸易和航运中心。

后来，比萨再次宣告独立，1509年，又一次被佛罗伦萨征服。

这个历史事件在基督教的宣传中，被赋予“灵魂之战”的含义，并被称为“美德与邪恶之战”。

这件作品就是此历史事件的象征性雕塑。

这尊雕塑是波洛尼亚奉佛罗伦萨的托斯坎尼大公之命，为其子弗朗西斯科的婚礼而作的，是装饰宴会厅的两尊雕塑之一（另一件是《参孙杀死非利士人》），也是波洛尼亚的代表作之一。

这件作品不是波洛尼亚本人亲手雕刻而成的，由其助手根据他所创作的泥雕小样用大理石雕刻而成，并在维琦奥宫的大厅中展出。

作品中的女性人体代表了取得胜利的佛罗伦萨，形象丰满优美，造型上则沿袭了传统的表现形式；跪在下面的被绑缚着的老人形象，则代表了被征服的比萨。

这件作品表现了胜利者统治跪着的失败者，并用人体来象征“正义”与“邪恶”。

显然，这极大地满足了佛罗伦萨大公对权势和统治的欲望。

像采用了打磨法，非常细腻地表现出人体表面各个局部的肌肉组织，堪称是样式主义雕塑的“绝技”。

摩西井
大理石群雕，人物高约180厘米，斯吕特创作于约1395－1403年，现位于尚莫尔加尔都西会修道院。

尼德兰一词的含义是“低凹的土地”，包括了现在的荷兰、比利时、卢森堡和法国东北部地区，地理条件优越，海路和内河交通便利，很早就成为欧洲西北部的水陆交通枢纽和经济贸易中心。

那里的文艺复兴运动可以一直追溯到十四世纪末十五世纪初，其雕塑作品大多都是哥特式建筑的附属品，其中最著名就是这座《摩西井》。

《摩西井》实际上不是一口井，而是一个支撑着耶酥受难像的六边形石座。

现在，耶酥受难像已遭到破坏并被搬到了别的地方，但六边形的基座却保存得十分完好。

在石座的六个立面上，作者布置了摩西、大卫等六个圣经《旧约全书》中的人物圆雕塑像。

他们的面容虽然是以下层百姓为模特，却个个具有先哲的品味。

作品中，摩西手持戒律，巍然屹立，拯救子民于水火之中的使命使他心潮澎湃，并以深邃的目光注视着他们的命运和遥远前程；耶利米手捧圣书，神态坚毅而专注，表现出对上帝的虔诚；但以理则心情忧虑，眼神中透露出对耶路撒冷的恻隐之心；撒伽利亚为世人的罪恶而痛
心疾首……
这些雕像不但摆脱了建筑物对它们的桎梏，而且以前所未有的高度写实手法传达出了真实的生命，并揭示出这些人物内心强烈的思想感情，性格特征的刻画十分鲜明，人物形象也栩栩如生。

整个作品的艺术手法简洁写实，线条流畅飘逸，人物形体饱满健壮，加上衣袍上深沟高棱的衣褶处理，更赋予这些人物雄伟刚健的非凡气概。

这件作品是文艺复兴时期尼德兰最优秀的雕塑作品之一，其写实主义手法对后来的绘画也有着巨大的影响。

仙女
喷泉浮雕，古戎创作于公元1547－1549年，现位于法国巴黎市内。

这是法国文艺复兴时期最著名的雕塑家古戎为“无辜者之泉”创作的装饰性浮雕作品，也是作者所有作品中最令世人称道的。

这样的浮雕共有六块，题材取自希腊神话中山林水泽女神的形象。

这些仙女们正在汲取清泉，水中似乎映出了她们的倒影。

她们身材丰满而优美，起伏微妙，凹凸自然，形态婀娜多姿，却毫无弱不禁风之感，人物整体造型充满了活力。

虽然每个形象都被安排在一个狭小的空间中，但却让人感到了转动的自由，毫无局促之感。

女神们有着不同的姿势，柔和、轻快而富有韵律，充满音乐的节奏感。

特别令人赞叹的是作品中对人物衣着的刻画：那些薄薄的衣裙仿佛已经被水浸湿，紧紧包裹着女神们富有青春活力的身体；衣褶细腻流畅，犹如是水中荡起的涟漪，将女性韵味展现得淋漓尽致。

正是通过这些优美的线条和迷人的起伏，山林水泽女神们被表现得个个如出水芙蓉，风姿秀逸。

这些充满青春活力的美丽形象，是对中世纪禁欲主义思想的冲击，是对人、对自然的赞美，意味深远，不愧是著名的传世杰作。

枫丹白露的狄安娜
青铜浮雕，切利尼创作于1543-1544年，现收藏于法国巴黎卢浮宫。

十六世纪二十年代开始，意大利美术界流行着一股“样式主义”的风潮。

这一流派的艺术家们往往有意识地追求极端的形式美，热衷于表现复杂的形象和动作。

这种风格体现在雕塑作品上，改变了文艺复兴时期单纯质朴和一目了然的特征，华丽而富有装饰性。

例如，圆雕作品中追求雕像从各个角度上观赏的美感，人体雕刻中经常采用夸张造型的方
法。

样式主义雕塑的代表人物是意大利雕塑家切利尼，这件《枫丹白露的狄安娜》就是其浮雕作品的代表作。

狄安娜就是希腊神话中的月亮和狩猎女神阿耳忒弥斯，她的形象经常出现在古希腊以来的雕塑作品中。

这件作品是切利尼为法国王室所作，用为枫丹白露宫弧形窗的装饰性浮雕，被认为是意大利样式主义和法国样式主义相结合的典范。

雕像正中是一个探出雕刻画面的鹿的头部，女神狄安娜身体向外扭转着斜卧在下面，背景充斥着各种动物形象作为装饰，同时也体现了狩猎女神的身份。

在形态处理上，作品明显受到米开朗基罗为美第奇陵墓所作雕像的影响，但切利尼夸大了人物的形象，头部被缩小，四肢被拉长，整个身躯几乎被推到浮雕的最前景。

这件作品是样式主义的代表作之一，对法国文艺复兴美术的形成起到了很大的作用。