中国古典园林的山水之美
浅谈中国古典园林的山水之美
摘要：本文从中国传统文化对古典园林艺术的影响开始探究，论述了中国古典园林的山之美、水之美。在未来的园林设计中，原本简单地模仿已被抛弃，而更加趋向于“本于自然，高于自然”的自然之美，将人工与自然之美巧妙结合，追求建筑和自然的和谐统一，从而达到“天人合一”的意境与效果。关键词：中国古典园林；山水之美；传统文化中图分类号：tu986.1
文献标识码：a中国园林历史悠久，以其独特的魅力为世人所称赞，自古就“有山皆是景，无水不成园”之说，无论是我国北方的皇家园林，还是南方的私家园林，山和水一直都在中国古典园林中占据着重要的地位。所谓“山水文化”，顾名思义是与自然山水有关的文化。山水文化是人长期与自然相互作用的产物，作为我国传统文化中特立独行的重要部分，参与构成了中华民族的民族精神。
1 中国传统文化对古典园林艺术的影响在自然山水园林景观中，人们为了补偿与大自然环境相对隔离的状态，人为创作了“古典园林”这一山水艺术的典型代表作。中国古典园林在“道法自然”思想指引下，个人的情感在造园过程中得以寄托，最终在享受自然之美的同时，获得精神上的解脱。在中国古典园林艺术中，建造房屋并非其创作目的，更多的是将大自然的风景素材，通过能工巧匠之手，使之辉煌再现，供人观赏。叠山要如泰山之雄风气势，流水要达河湖之韵味，园林艺术的设计者们追求更多的是模仿自然，甚至超越自然的境界，建造过程中力求重现真山真水之妙，以期身居闹市而
中国古典园林建筑形式与风格分析
中国古典园林建筑形式与风格分析 摘要：中国古典园林建筑包含雕刻、绘画、园艺、山池等要素，有着意境之美、形式之美、和谐之美等特征。我国现存古典园林中保存了很多建筑，象征着特定历史时期的文化，也反映了当时人们的审美要求，功用价值非常高。本文分析了中国古典园林建筑的主要形式，并探讨了其风格特征。 关键词：中国古典园林建筑；形式；风格 建筑艺术时人类历史的积淀，能够呈现出特定时期人们的思维方式与想象能力。中国古典园林是一种自然山水式园林，以追求天然之趣为主，由画家、文人、造园匠师们共同打造而成。在中国古典园林的景观构图中，主体是不规则平面里面的自然山水，为了营造文化氛围，提高古典园林观赏性，会设置很多形态各异的建筑，并合理布置植物，道路曲折迂回，与自然环境充分融合在一起，形成一个整体，达到美的境界。 一、中国古典园林建筑的形式 （一）廊 通畅、狭长、空透、弯曲是廊的主要特征，可以将景区与景点连接起来，有着组合景物、分割空间的功能。通畅而狭长能够诱发人一种盼望与寻求的欲望，实现“引人入胜”
的目的；空透而弯曲能够欣赏到风格各异的景色，达到步移景异的效果。同时，走廊柱头具有框景的作用。当我们散布于颐和园长廊中，能够欣赏到昆明湖全部景色；而苏州怡园的走廊被花墙所分割，墙上设计有各种风格的漏窗，使得园中有界非界，似隔非隔，景中有景，小中见大，变化多端。 （二）亭 休息观景是亭子的主要作用，也可以作为景点。不管是路边桥头，还是山岭都可以设计建设亭子。亭子的形式各样，根据平面形状可分为圆亭、方亭、八角亭、矩形亭和三角亭；根据屋顶形状可分为歇山亭、掂尖亭；根据所处位置分为廊亭、井亭、路亭、桥亭等。同时，园林设计人员可以凭借其创造力和想象力，使得亭子造型多变，为园林增添一抹亮点[1]。如北京北海公园的五龙亭、拙政园的别有洞天半亭、苏州西湖的湖心亭等。 （三）其他 主要包括阁、堂、榭。一般建造在花畔和水面，成为园林中一道独特的风景。榭是一种精致敞亮、小巧玲珑的建筑，室内装饰清新淡雅，近可观鱼赏花，远可远观风景，是园林景点游览的最佳点，也是最打动人心的建筑。阁是私家园林中最高处的建筑物，是用来休息品茗的。阁楼一般有两层以上的房屋，形体空透，可观赏四面的风景。堂常常是一种封闭形式，只有正面设有门窗，一般都是主人的起居之地。堂
第3课象外之境——中国传统山水画
以《高存山居图》“合壁”的文化事件作为本课的导人，创设山水画鉴资的问题情境。 为什么中传统文化中有着浓部的山水情怀?观看《富春山居图》合璧展出，观察图像 考问题
1 一、山水情怀 问题情景:“知者乐水，仁者乐山”“不下 幸筵，坐穷泉壑” 《叙画》所述:“望秋云，神飞扬。临春风， 思浩荡。” 展示《富春山居图》 提问: 1中国山水画为什么不称作风景画? 2.从文中和图中你是否感觉到“山水”是 ”畅神”的乐? 3.“山水”为什么是中国传统文人的精神 家园? 4。为什么说“山水以形媚道”? 5.《富存山居图》抒发了作者怎样的内心 情怀? 归纳:山水是中国传统文人的精神家园。他们 心系家国天下，悠游山水之间常常是种奢望， 山水画的出现，满足了“不下堂金，坐穷泉 壑”的追求。 探究、讨论、思考。引 用画论的原文还原山 水面创作的时代背景。 阅读教材中的“探究发 现”，深人思考。
归纳:山水圃的创作源于自然，画家只有饱游饮看才能从外在的自然山水中汲取创作素材，在头脑中提炼概括，神领意会，令“山而兼数士百山之意态”。 探究发现3 三、因心造境 指导学生阅读教材中关于山水画移情作用 的“相关链接” 提出问题: 1.什么是山水圃的灵魂? 《吉卞隐居图》怎样经营“留白"? 《六君子图》是怎样的留自方式? 两件作品的留自有何不同?给你怎样的艺 术感受? “留白”对山水画意境的表达起到了怎样 的作用? 2.《溪山行旅图》与《踏歌图》分别表达 了什么意境? 归纳:山水画是实境和虚境的统一，是情与 景的统—。对山水画意境的欣赏取决于观 察者的人生经验与文化修养。 阅读教材26页的 “相关链接”思考回答 问题。 画中山水与真实山水 对比。 围绕问题进行探究活 动。 根据学情的差异 性，纳学生的表述 “实境”指的是自 然中存在的山水， 虚境”是画家通过 各种绘画语.融合 自己的想象感情、 志趣是现出来的山 水。 探究发现4 课堂总结山水画原自对自然山的生，但又超越具体 时室，具有纯粹的、普巅性的美，是中国 传统山水画的特质欣赏山水画意境与个人 人生经验、文化修养相关联，同学们在学: 习和生活中注意自我丰富、自我提高。 在教师的组织对本节 课学习内容进行总结。 鼓励学生联系现实 生活发表见解，综 合培养和提升美术 学科核心素养。 学习评价以《富春山居图》为例，能否说出中国传 统山水画的特点?能否从构图、笔墨等方面 谈黄公望此画的创作寺点?能否根据他的 人生经历，谈谈文人画家怎样借山水创作 抒发内心的情怀。 依据教材附录中 的“学生学业水平综 进行自我合评价表” 评价. 互评，在学习评价中得 教师通过问题指导 学生自我评价，对 应本课评价量规落 实核心素养。
中国山水画的特点
中国山水画的特点 中国山水画不讲究形式上的相似，也就是说不太在意画得逼不逼真，而是讲究画的神韵意境，以简洁飘逸的笔法给欣赏者带去精神上的享受。 中国山水画的特点据本人的认识应具有以下要素； 1，让人看上去就感到宽广，气魄非凡。要有“方寸之间见万里”“气象万千”的气度。 2，有深度，一层一层，向远延伸，无有穷尽的感觉。 3，层次感要鲜明。块面要分隔开，让人感觉不同块面，立即知道各个块面之间的前后，左右关系。 4，你所要表达的主题是一遍文章的中心，应重点描写，交代清楚，其它的衬托部分强调意到，寥寥疏笔，点到为止，中国画强调意境，可以意到笔不一定到，不要面面具到，交代得太清楚，否则会冲淡主题，画蛇添足。 5，山水画中山石，树木力求新，奇，怪，险。让人有种新鲜感，凶险感。容易吸引观众，打动人。 6，要达到以上效果都是以笔墨来表现的，所以这是笔墨功夫非常重要，应不断练，一副画的层次高低，观此立杆见影。否则你再好意境无法达到。 7，山水画高层次，实景刻画是次要的，关键是“虚”的部分要处理好，说起来容易，要做好，却很难，因为“虚”的部分，常常是随意中产生的，搞不好，一副画就因此搞坏了。这也是水平的问题。一般达到中等水平的画家，写实一般问题都不大，要“虚”得好，就相当于写意画，难度相当高。“虚”的部分，就是给人充分想象的部分。也是意境体现的部分。非常重要。其他再引用一些高手的见解供大家参考；第一、“奇”；中国古代画论中既强调多样性又强调统一性多样性即反对平铺直叙，反对景物雷同。五代李成《山水诀》："千岩万壑要低昂聚散而不同；迭（山献）层峦但起伏峥嵘而各异"。同时也指出，景物不能雷同而要变化，要有强烈的比照。"既追险绝，复归平正。"也就是说中国山水画通常不画缺少对比的平原景色，总是喜欢表示地形地貌对照强烈、山高水深的名川大山。关山行旅图关仝，五代宋初长安人。早年师荆浩，后又师唐代名家王维、毕宏等，有出蓝之誉。喜作宏伟山势，求意境。第二、“远”；具体说就是散点透视。中国宋代的山水画家王微说："目有所极，故所见不周"。也是宋代山水画家郭熙在《林泉高致》中则提出山水画的“三远”表现法。也就是说中国山水画不
中国古代山水画鉴赏论文
中国古代山水画鉴赏 摘要:何谓中国山水画？顾名思义，中国山水画即是从大自然中观察、体会、得到某种印记或感悟后，再经过提炼、概括、吸取自然景观的精髓，利用传统笔墨的技巧，从而创造出某种特定意境的画面。按理说来，中国山水画作为中国国画的重要组成部分，深刻体现了中华民族的艺术形式与本民族的民族精神，理应受到至高的重视与珍视。然而，随着中国中国对外开放的深入，西方文化一涌而入，各种标新立异的西方印象画派以其自由，快速，狂放的技法被中国年轻人喜闻乐道，而传统的中国山水画则渐渐被忽视。在中西文化深度交融碰撞的今天，提高中国青少年对中国传统文化的审美迫在眉睫。 关键词：山水画，审美观，文化 一、中国山水画技法简介 山水画技法为中国山水画文化的重要组成部分，不同的绘画技法表达了画家不同的性格，绘画时的心情及创作背景等。下面将简要地介绍几种山水画的技法。 （一）用墨方面 1、泼墨法，顾名思义，是指落笔大胆、点画淋漓、水墨浑融、气势磅礴的写意画法。而要使用这类技法，毛笔要大一些。用饱含
水的笔头，蘸上浓淡得宜的墨汁，大胆落笔，点拓出所画物体的轮廓。 2、积墨法，即层层加墨。这种墨法一般由淡开始，待第一次墨迹稍干，再画第二次第三次，可以反复皴擦点染许多次，甚至上了颜色后还可再皴、再勾、画足为止，使物象具有苍辣厚重的立体感与质感。 3、破墨法，指作画时，当前一墨迹未干之际，又画上另一墨色，以求得水墨浓淡相互渗透掩映的效果。而中国著名画家齐白石在画虾的头和胸的时候就经常使用该种技法以表现虾的 透明感。 （二）用笔方面 1、要自然有力，切忌呆滞。 2、要变化而有联系，要将粗、细、浓、淡、长、短、横、直、干、湿、轻、重根据物象参差需用，既有变化，还要互相联系。 3、要苍老而滋润，苍老就显出含蓄的笔力，用笔光滑就显得雅嫩，过于苍老亦易枯燥，故须在苍老中滋润，也就是干湿并用。 4、要松灵而凝炼，松灵比自然更进一步，要活泼轻松有生趣，切忌油滑、轻浮，轻松之中要有重厚，凝练是一笔画去到尽端有回锋。 5、要刚柔相济，即在轻柔中有骨力。所谓“线棉裹铁”才能稳厚，
中国写意山水画的特点及举例
1、以形写神，以神写意。 从古到今，中国的绘画一直围绕着一个形的问题在作文章。在绘画的初萌阶段，由于造型能力差，那时的形是简单而幼稚的，是似是而非的，也可以说是“以意表形”。随着绘画经验的不断积累，写形的功能大大提高，进入了“以形写形”的阶段。但随着时代的发展，画家们并不以形似为满足，逐渐认识到了“神似”的重要性。即在造型上表现对象的内在本质精神面貌和性格特征，才算真正达到绘画的目的。 最先提出“以形写神”理论的是人物画家顾恺之。后来引伸到中国写意画领域，逐渐比为“以神写意”的意象造型观念。是中国的写意画摆脱了自然形的限制，而追求以笔墨为载体的情感宣泻。由于开拓了表现上的自由空间，画家笔下的形象既跳出了特定时空中客观物象再现的制约，又由于形的限制而避免了过于的随意性。使作品既来源于生活，又高于生活，既有形的观念，又有自我情感的表露，达到极完善的幻化境界。关于形神论的观点，历代都有不少精辟的论述。北宋苏轼提出“作画以形似，见与儿童邻”，虽不免过于偏颇，但观点是明确的。元代倪云林的“逸笔草草，不求形似”，则是文人画家的一种偏激言词。二者都没有把形神的关系界定清楚。对中国写意画的形神问题阐述的最精僻的莫过于齐白石，他说：“不似为欺世，太似则媚俗，妙在于似与不似之间”。似与不似之间就有了一定的空间，画家在作画过程中，积极地去作物象的内在本质即神韵的追求，为了达到目的，就要对物象的特征加以强调、夸张，对形进行必要的概括、取舍、归纳。这个过程叫做“遗貌取神”，这种造型观念叫做“意象造型”。 2、骨法用笔、以书入画。 “骨法用笔”是谢赫六法中第二位，它用“气韵生动”是六法中最重要的两个概念。“骨法”是指客观物象的形神结构，“用笔”则是用笔方法，用笔技巧和艺术表现。唐代张彦远在《论画六法》中提出“骨气形似皆本立意而归乎用笔”。说明“骨气用笔”的内涵是十分丰富的，它不但要表现客观对象的基本结构、神韵，还要表达画家的主观感情和艺术创造。在写意画中，笔墨还有独立的审美价值，表现为特殊的用笔方法所产生的形式美，也表现为笔墨情趣。 黄宾虹先生根据中国画的审美要求，总结前人和自己的创作经验，把用笔归结为平、圆、留、重、变五法，他说：“用笔须平，如锥划沙；用笔须圆，如折钗股，如金之柔；用笔须留，如屋漏痕；用笔须重，如高山堕石。”以上是用笔所追求的一种境界，至于具体操作中如何灵活掌握，还要懂得一个“变”字，要留有余地，要掌握好分寸，过分了同样也是弊病。黄宾虹、齐白石、潘天寿、李可染等先生追求线条的凝重深厚，注重留的作用，因此行笔相对较慢，但也并不是处处都慢，该快时还是要快的。有的画家追求线的流畅，行笔速度相对较快，有气势磅礴、一气呵成之感。至于怎样才好，这与每个人的实践经验、审美情趣有关，不可强求一律。至于用笔中的苍、老、活、松、涩、劲、毛、挺、圆、厚的艺术效果，一个“变”字都能概括，靠在实践中去体会去灵活掌握。
中国古典园林建筑分类
个人愚见不外乎园林中的那几种造园要素，山石、园林建筑小品，水体，植物等等那些在学校已经让老师给耳朵磨出茧子的东西，且因势利导地将其组织在一起而创造出的一些景致，也可说是一种排列组合。这些要素可以说是缺一不可，尤其是植物。园林、园林，贵在其中有一个林字，这也是中国古典园林决不可缺少的、也是绝不能忽视的一部分（不管是北方的皇家园林还是南方的私家园林），现在的中国园林人要想在世界园林界站稳脚跟，就必须要学好老祖宗留下来的东西。中国古典山水园林与西方古典园林是不的两个体系，不同就不同在对园林的诠释上，一个是天人合一，一个是人定胜天，这也就造就出西方园林中的大的绿地模纹和类似凡尔赛宫的被剪成圆柱体的树木排成的树阵的出现，而中国的园林中出现大块的模仿山势的假山，曲折的小路，以及四季多变且模仿自然植物群落中的林冠线和林缘线的植物造景手法。中国古典园林的植物造景手法是西方园林所不能匹敌的，不光是造景本身，其中所蕴含的寓意也会让人有一番回味。像南方私家园林中最常见的竹与石的搭配，白墙上攀爬的枯藤等等，无一不让人觉得很有嚼头，还有让人们津津乐道的梅兰竹菊四君子的恭谦，松柏的傲骨，牡丹的富贵等等，植物在这里被古人们赋予了人性化的品质，是中式园林中的又一层含义，这是西方园林所欠缺的。 在九十年带初的中国园林建设中，我们看到了不少运用西方现代园林中有关平面构成技法所造就的一大批广场，游园，其中一广场为最。出现了中国园林所没见过的树阵，大草坪、大模纹、大面积广场铺装（据说还有能和天安门广场面积差不多的）等新的造景手法，并风靡一时，全国上下一盘棋，全开始纷纷效仿。中国古典山水园林的技法却没了踪影，荡然无存。 好在这几年，中国的园林人终于有所醒悟，这还得亏是日本现代园林给我们提的醒。日本古典园林完全是受中国古典园林的影响，但它不是单纯的抄作业，要不日本的现代园林很可能也是大广场，大草坪了。他兼收了中国园林中的造景意境，加入了西式园林中的平面构成手法，糅合在一起造就了日本现代园林景观 ，摒弃了中国私家园林的小家子气，加入了西方园林中的恢宏大气（但不是傻、大、粗），很适合现代城市的口味，不显得十分突兀。 中国古典艺术讲究的是神、势、气，中国艺术历来主张"师法造化"，"观象于天，观法 于地"，以"天人合一"为最高境界②，古代中国先哲们的时空观是互补共生的，并不像西方近代哲学和科学将时间与空间割裂开；这种古代中国的艺术哲学是一种朴素的整体美学观。其艺术创造追求于象形、图解，追求"术而不作，慎终追远" ②。因此特别强调精神，强调人的主动性，强调主体的思、品、悟；人的审美感知的形成就个体来说，有其生活经历、教育熏陶及文化传统的原由③。 我们都知道研究中国古典艺术必然牵涉到"意境"一词，"意境"一说最早可追溯至佛经。佛家认为"能知是智，所知是境，知来冥境，得玄即真"④。按字面来理解"意"即意象，属于主观范畴，"境"即景物，属于客观范畴，也谓哲学中常提到的"能指"与"所指"。但王国维在其《人间词话》中却认为："境非独景物也，喜怒哀乐亦人心中之一境界也，故能写真感情、真景物者，谓之有境界，否则，谓之无境界"④。然而，"意境"作为一个更加具体的美学概念，不能被简单的看作是意与境的叠加，背后蕴含着丰富的情感、心理学和哲学意味，它的包容特征使其成为中国古典美学中的一个极其重要的范畴。
如何欣赏古代山水画教案
第三阶段 如何欣赏古代山水画教案 红光中学美术教师周剑梅 课型：中国山水画鉴赏课。 教学目的：在中国的山水画里,东方文化的体现优为深刻.有中华武术的阳刚之美,也有高山流水的韵律之美,更充实着华夏人的朴实无华,勤劳勇敢,热爱和平,追求和谐的大度之美. 我们的国画远源流长,博大精深,承载着丰富的文化和思想。 欣赏山水画,只注意笔法,墨法,章法及色彩,还远远不够.当然这是基础,必须从这里入手.山水画描绘的是大自然的山山水水.云树石木,它的形式美,色彩美,甚至充满着节奏美,旋律美.其结构是开放的,自由的,无拘无束的, 这正是其博大,充满生机活力的原因.中国山水画 讲究写意,讲究气韵生动,讲究意境,讲究气势,讲究天人合一.和谐共处.大山圣水赋予人灵气,智慧和博大的胸怀。 教学重点：有针对性的对学生的知识结构，审美缺憾进行梳理和调整。 教学难点：让学生学会比较、学会思考、学会评价，学会将新旧知识串成串，融会贯通； 教学过程： 一、组织教学： 二、引入新课： 1、师提问：经过前两次的中国古代山水画相关常识的学习，谁能说说怎样欣赏中国山水画？ 学生分组讨论，并以组为单位派一代表阐述讨论意见。 本课内容为通过对典型的中国古代山水画名作的评析，了解中国古代山水画的欣赏方法。 ⑴中国古代山水画的性质和它在中国古代绘画中的重要地位： 上两节课我们已经了解到，中国古代绘画习惯按传统分成人物、山水、花鸟三个画科。 中国古代山水画的主要描写对象是自然风景。它不但表现了丰富多彩的自然美，而且体现了中国古代人民的自然观与社会审美意识，甚至从侧面间接地反映了社会生活。 中国山水画作为一个独立的画科比人物画晚，但它在中国绘画史上得到了突出的发展，并且在长期的发展中，形成了多种画法和艺术风格。主要的有：青绿山水、水墨山水、浅绛山水、小青绿山水、没骨山水等。 （2）其次，中国古代山水画在空间的处理上，采用“以大观斜、“小中见大”的手法。 就是把山水画家自己看作是一个巨人，面对自然，就象人观盆景状。这样，千里江山也可尽收眼底，或用长卷的形式表现，如《千里江山图》，长达11米。或以中国画特有的高远、平远、深远的构图方法，画十分繁复的山岭，如《溪山行旅图》、《早春图》、《青卞隐居图》等，其空间处理突出地体现了中国山水画独特的构图方法。中国古代山水画创造的这种独特的处理空间关系的艺术手法，既体现了中国画家独特的观察自然的方法，同时也蕴含着中国民族的审美胸襟，体现了中国人的自然观。 （放映录象） （3）此外，中国山水画在长期的发展中，形成了许多行之有效的表现程式。 如表现各种山石就有各种皴法，什么披麻皴、雨点皴、荷叶皴等。在这些表现程式的应用上，主张灵活运用，不断有所发展。在山水画的笔墨技法上，也更为丰富多变，如笔法中包含上述的山石的多种皴法和点苔法等；墨法中湿者为“染”，干者为“擦”，还有“破墨”、“积墨”等等。可见，中国古代山水画也同样形成了自己独特的艺术传统和体系。 （放映录象）
中国古代园林的特点
中国古代园林的特点 中国古典园林艺术是人类文明的重要遗产。它被举世公认为世界园林之母，世界艺术之奇观。其造园手法已被西方国家所推崇和摹仿，在西方国家掀起了一股“中国园林热”。中国的造园艺术，以追求自然精神境界为最终和最高目的，从而达到“虽由人作，宛自天开”的审美旨趣。它深浸着中国文化的内蕴，是中国五千年文化史造就的艺术珍品，是一个民族内在精神品格的生动写照，是我们今天需要继承与发展的瑰丽事业。中国建筑，具有悠久的 历史传统和光辉的成就。从陕西半坡遗址发掘 的方形或圆形浅穴式房屋发展到现在，已有 六、七千年的历史。修建在崇山峻岭之上、蜿 蜒万里的长城，是人类建筑史上的奇迹；建于 隋代的河北赵县的安济桥，在科学技术同艺术的完美结合上，早已走在世界桥梁科学的前列；现存的高达67.1米的山西应县佛宫寺木塔，是世界现存最高的木结构建筑；北京明、清两代的故宫，则是世界上现存规模最大、建筑精美、保存完整的大规模建筑群。于中国的古典园林，它的独特的艺术风格，使它成为中国文化遗产中的一颗明珠。这一系列现存的技术高超、艺术精湛、风格独特的建筑，在世界建筑史上自成系统，独树一帜，是中国古代灿烂文化的重要组成部分。它们象一部部石刻的史书，让我们重温着祖国的历史文化，激发起我们的爱国热情和民族自信心，同时它也是一种可供人观赏的艺术，给人以美的享受，所以，中国古代的建筑艺术也是美术鉴赏的重要对象。而要鉴赏建筑艺术，除了需要理解建筑艺术的主要特征外，还要了解中国古代建筑艺术的一些重要特点，然后再通过比较典型的实例，进行具体的分析研究。 中国古代园林的特点有以下几种中国古典园林之所以引人入胜，就是因为采用“咫尺山林，多方胜景”手法造园。园林不在大小，都强调小中见大、大中有小。大观园属大园林，然而在观览中，又不断出现幽趣小景。像颐和园万寿山上出现谐趣园一样，那就是寓动观中以静观所在，游人在此可以得到调剂休息，不能老是走着看景，也要驻足领略静观的妙趣。园林离
中国古典园林的起源与发展
For personal use only in study and research; not for commercial use 中国古典园林的起源与发展 商纣王“好酒淫乐，益收狗马奇物，充牣宫室，益广沙丘苑台(注：河北邢台广宗一带)，多取野兽（飞）鸟置其中……”。周文王建灵囿，“方七十里，其间草木茂盛，鸟兽繁衍。”可见最初的园林叫“囿”，是把自然景色优美的地方圈起来，放养禽兽，供帝王狩猎。商晚周初即有之。 秦汉把早期的囿，发展到以园林为主的帝王苑囿行宫，除布置园景供皇帝游憩之外，还举行朝贺，处理朝政。汉武帝的“上林苑”，宣帝的“乐游园”等，都是这一时期的著名苑囿。敦煌莫高窟壁画中的苑囿亭阁、元人李容瑾的汉苑图轴，略表汉苑之规模和水平；司马相如的《上林赋》和班固的《西都赋》描述得更为详细。而上林苑中的太液池，运用山池结合手法，营造蓬莱、方丈、瀛洲三岛，岛上建宫室亭台，植奇花异草，自然成趣。这种池中建岛、山石点缀手法，被后人称为秦汉典范。 魏晋南北朝进一步发展了“秦汉典范”。北魏张伦府苑，吴郡顾辟疆的“辟疆园”，司马炎的“琼圃园”、“灵芝园”，吴王在南京修建的宫苑“华林园”等，又是这一时期有代表性的园苑。“华林园”（即芳林园），规模宏大，建筑华丽。时隔许久，晋简文帝游乐时还赞扬说：会心处不心在远，翛然林木，便有濠濮闲趣。 隋炀帝“亲自看天下山水图，求胜地造宫苑”。迁都洛阳之后，“征发大江以南、五岭以北的奇材异石，以及嘉木异草、珍禽奇兽”，都运到洛阳去充实各园苑，一时间古都洛阳成了以园林著称的京都，“芳华神都苑”、“西苑”等宫苑都穷极豪华。隋炀帝除了在首都兴建园苑外，还到处建筑行宫别院。他三下扬州看琼花，最后被缢死在江都宫的花园里。 初唐盛唐时期的“禁殿苑”、“东都苑”、“神都苑”、“翠微宫”等等，都旖旎空前。唐太宗当年在西安骊山所建的“汤泉宫”，后来被唐玄宗改作“华清宫”，宫室殿宇楼阁，“连接成城”，唐王在里面“缓歌慢舞凝丝竹，尽且君王看不足”（杜甫）。 宋代园林建筑没有唐朝的那种宏伟刚健的风格，但却更为秀丽、精巧，富于变化。这期间，大批文人、画家参与造园，进一步加强了写意山水园的创作意境。宋徽宗对绘画有相当造诣，尤其喜欢把石头作为欣赏对象。他先在苏州、杭州设置了“造作局” ，后来又在苏州添设“应奉局”，专司搜集民间奇花异石，舟船相接地运往京都开封建造宫苑。“寿山艮岳”的万寿山是一座具有相当规模的御苑。此外，还有“琼华苑”、“宜春苑”、“芳林苑”等一些名园。 宋代的平江（今苏州）有“上有天堂，下有苏杭”的谚语。造园之风大盛，特别是利用太湖石堆砌假山。宋代在平江专为宋徽宗主办“化石纲”的朱勔，在城内营建园林，取名石筑山、点景。苏舜卿所筑的沧浪亭、蒋希鲁所筑的隐圃登耶都应用了不少湖石，从此，叠石遂发展成为一门专业技艺，并产生了许多著名的叠山家及有关著作。 苏州名园狮子林，是元朝天如和尚与大画家倪瓒合作建造的。倪瓒在我国绘画史上是有名的山水画大师，出于他手的造园艺术品自然不同凡响，清乾隆南巡到苏州时，看了也称赞不已。狮子林虽经多次修葺，迄今仍景象奇异。 明、清是中国园林创作的高峰期。皇家园林创建以清代康熙、乾隆时期最为活跃。当时社会稳定、经济繁荣给建造大规模写意自然园林提供了有利条件,如“圆明园”、“避暑山庄”、“畅春园”等等。私家园林是以明代建造的江南园林为主要成就。自然观、写意、诗情画意成为创作的主导地位，园林中的建筑起了最重要的作用,成为造景的主要手段。园林从游赏到可游可居方面逐渐发展。大型园林不但摹仿自然山水,而且还集仿各地名胜于一园，形成园中有园、大园套小园的风格。 明清时期在园林与园林建筑方面的主要成就： 第一，在园林的数量和质量上大大超过了历史上的任何一个时期。
中国古代山水画
中国古代山水画 导入： 过度：闲暇之余我们都喜欢亲近自然，外出旅游。美丽的自然风景能带给我们心旷神怡，轻松自然之感。 提问：同学们都去过哪些中国的名山大川呢？ 学生：黄山、泰山、、、、、五桂山（教师可幽默回答，当然五桂山、大尖山也算是我们中山的名山） 提问：我们常说的“三山五岳”是指什么？ 学生：（略）相传古代的“三山”是指蓬莱、方丈、瀛洲。现指安徽黄山、江西庐山、浙江雁荡山。（《史记·秦始皇本纪》载：“齐人徐福等上书，言海中有三神山，名曰蓬莱、方丈、瀛洲”）、（徐霞客（明代伟大的地理学家和旅行家和探险家）曾两次游黄山，留下了“五岳归来不看山，黄山归来不看岳”的感叹。）“五岳”是指东岳泰山之雄（山东）、西岳华山之险（陕西）、南岳衡山之秀（湖南）、北岳恒山之奇（山西）、中岳嵩山之峻（河南）。（孔子“登泰山而小天下”。唐代诗人杜甫“会当临绝顶，一览众山小”的诗句。“重于泰山”、“有眼不识泰山”等） 提问：我们现代人表达对大自然的喜爱之情，一般都会用相机把美丽的风景记录下来。那么在中国古代，人们又用什么方式来表达对自然的喜爱之情呢？ 学生：诗歌、绘画是常用的方式。（李白《望庐山瀑布》日照香炉生紫烟，遥看瀑布挂前川。飞流直下三千尺，疑是银河落九天。） 出示课题《中国古代山水画》 一．中国古代山水画的发展概况及脉络 提问：什么是山水画呢？ 学生：（略）山水画是中国画的一种,以描写山川自然景色为主体的绘画。（中国画按题材可分人物、山水、花鸟，三大科；技法可分工笔和写意。中国画是用毛笔、墨、彩作画于绢、宣纸、帛上，这种画种被称为“中国画”。从美术史的角度讲，民国前的都统称为古画。国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。近现代以来为区别于西方的油画（又称西洋画）等外国绘画而称之为中国画，简称“国画”。） 提问：中国古代山水画最早出现在什么时期呢？距今1500多年大概是什么时代。 学生：（略）魏晋、南北朝时期 魏晋南北朝时期（重点讲） 讲解：魏晋、南北朝时期，中国古代山水画就已经开始萌芽，但仍附属于人物画；（图例《洛神赋图》东晋顾恺之绢本设色（传是宋代摹本) 纵27.1cm 横572.8cm 这幅画现在有四个摹本，分别藏于辽宁省博物馆、故宫博物院、美国弗利尔艺术博物馆等处。）
论中国山水画的特点
论中国山水画的特点 【摘要】：中国山水画的特殊传统是创造形神交融、天我合一的意境。传统的中国山水画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求"以形写神"，追求一种"妙在似与不似之间"的感觉。中国画与西洋画的不同，还表现在其艺术手法、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是"失调"的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓谈相生相融，做到浓中有淡，淡中有浓；浓要有最浓与次浓，淡要有稍谈与更淡，这都是中国画的灵活用笔之法。 【关键词】：中国山水画，形神交融，工笔，构图，用笔，用墨， 中国山水画是传统画种之一。以自然风景为主要描绘对象。题材有风景佳胜、名山大川、城市园林、村野乡居、舟桥楼宇等。元代以后山水画在画史上占据相当的地位。习惯上，依画法不同分为：勾勒设色，金碧辉煌，富装饰风，称青绿山水或金碧山水；纯粹水墨者为水墨山水或墨笔山水；水墨为主、略施淡赭淡青称浅绛山水或淡着色山水；以水墨勾皴淡色打底且施青绿者为小青绿山水；几无水墨纯以彩色描绘者为没骨山水。 中国山水画历史久远，独立的山水画始发于魏晋南北朝之间，文献表明该期山水画理论已趋成熟。至隋唐，展子虔《游春图》展露了隋代或初唐青绿山水之面貌，已见其写实能力之飞跃。盛唐吴道子之山水画简练且写实，李思训之山水画富丽而典雅；张及中晚唐画家创水墨山水；敦煌壁画中出现没骨山水；五代北宋则出现荆浩、关仝、董源、巨然、李成、范宽等一批名家，在真实地表现大自然和审美认识上跨入新的阶段。该期荆浩的《笔法记》、郭熙父子的《林泉高致》则较系统地总结了山水画理论。至元代，黄公望、倪瓒、王蒙、吴镇，使山水画走向抒发主观情感、创造多种风格的新途，并使山水画中诗书画的结合趋于完美。明末董其昌简化古人所创山水形象，参照书法法则，使山水画风又一变化。清代山水画一派沿袭董源、巨然和黄公望，变化古法、笔墨；另一派则强调抒发个性，面向自然，将笔墨发挥尽致以传情达意。五代两宋以后山水画的发展变化，产生了数量甚众的名家、流派，理论著述亦趋于完备，从而奠定了近现代山水名家产生的基础。 中国山水画的特殊传统是创造形神交融、天我合一的意境，即不但表现丰富多彩的自然景物，且往往由有限的取景来表现对整个宇宙自然的由表及里的认识，或于山水之中寄托对于国土家园的感情，因而集中体现了中国人的自然观和社会审美意识，也可以说从侧面间接地反映了社会生活。在形象描绘上，山水画的特点为重宏观、重整体的把握，而非拘泥于细枝末节。对于物象的组织构造，
中国古典园林的主要特点
中国古典园林的主要特点 旧时官僚地主建造园林常用园的“豪华”来相互夸耀，园中山石的奇特，花木的名贵，亭阁装修和家具的精美，都成为沽名钓誉的手段。此外，为标榜清高，附会风雅，中国古典园林中的书法、绘画、诗文等也成为园中不可缺少的装饰品。豫园不仅有大假山、玉玲珑作镇园之宝，而且还集多种艺术于一体，屋顶的泥塑、墙上的砖雕、家具门窗的木雕等工艺水平都相当高，随处可见，匾额和对联也无处不有，它们既点染了意境，又加深了园林的意趣和韵味，更为园景增添了光彩。 苏州“沧浪亭”石柱上有一集句联：“清风明月本无价，近水远山皆有情”，其上联是集欧阳修《沧浪亭》诗：“清风明月本无价，可惜只卖四万钱”中的上句；其下联是集苏舜钦《过苏州》诗：“绿杨白鹭俱自得，近水远山皆有情”中的后句。这一集句联配得天衣无缝，既突出了欧苏两人的友谊，又将园林风景同历史上的诗人文豪直接联系起来，实是难得的佳联。 江南园林往往面积比较小，为了在有限面积内使风景丰富多彩，并富有变化，往往通过各种手法达到小中见大的目的。上海豫园也是如此，为了追求小中见大，通过对比、分割景区的方法以及借景、对景等手法，使园景丰富多彩，变化无穷，具有无限空间之感。豫园分为7个景区，每个景区不但大小不一，而且各区都有其主题，都有其个性，如：仰山堂——城市山林，倒影翩翩； 万花楼——繁花似锦，古木参天； 点春堂——水中戏台，空中楼阁； 会景楼——曲栏围池，白石浴水； 玉华堂——江南名石，风华无比。豫园中最有名的小中见大的杰作就是鱼乐榭前隔水花墙下的流水，经过其一隔一弯，使人感到其水流源远流长。借景也是达到小中见大的一个手段，园中的大假山，借来黄浦江之景，大大扩大了视域和景深，另外快楼、会景楼、得月楼等同样都是借景的杰作。 还有苏州网师园的“月到风来享”，亭居水涯之上，突出其中，亭前水波清澈，涟漪荡漾，似有汪洋之感。分析其产生汪洋之感有两个原因：其一是它聚而又断，岸处做了数十个小小的水湾头，有两处还设有小桥；其二是它的池岸叠石，似有太湖之岸的意境。 我国古典园林十分强调意境，品评一个园林好坏与否，首先就要看这个园林意境的表达。那么什么是意境？简单明确地说：境指客观的景物，意指主观对景物的情感寄托，所以意境的基本特征是：以物质来表现精神，也即借物抒情，托物言志。正像写诗作文一样，在设计园林时，首先思考的就是意境问题，这就是说“意在笔先”。关于意境一般有如下几种表现形式： （l）表达自己的生活理想 如苏州留园东部有著名的“留园三峰”，据谙熟内情的老人言，冠云楼前的冠云、峋云、瑞云三座湖石，其名取的是园主盛宣怀三个女儿的名字，盛宣怀所以要不遗余力地罗置这三块奇石，其原因之一是盛与三个女儿有着深厚的父女之情，为了能和女儿们朝夕相依，见石如见人，所以列石于楼前。据传后因三女瑞云早亡，盛宣怀就令人凿去瑞云峰顶部的湖石，以示哀悼。 （2）表达某种诗情画意
论中国山水画的特点
论中国山水画的特点 张利维 摘要： 中国山水画的特殊传统是创造形神交融、天我合一的意境。传统的中国山水画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求"以形写神"，追求一种"妙在似与不似之间"的感觉。中国画与西洋画的不同，还表现在其艺术手法、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是"失调"的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓谈相生相融，做到浓中有淡，淡中有浓；浓要有最浓与次浓，淡要有稍谈与更淡，这都是中国画的灵活用笔之法。 关键词： 中国山水画，形神交融，工笔，构图，用笔，用墨， 中国山水画是传统画种之一。以自然风景为主要描绘对象。题材
有风景佳胜、名山大川、城市园林、村野乡居、舟桥楼宇等。元代以后山水画在画史上占据相当的地位。习惯上，依画法不同分为：勾勒设色，金碧辉煌，富装饰风，称青绿山水或金碧山水；纯粹水墨者为水墨山水或墨笔山水；水墨为主、略施淡赭淡青称浅绛山水或淡着色山水；以水墨勾皴淡色打底且施青绿者为小青绿山水；几无水墨纯以彩色描绘者为没骨山水。 中国山水画历史久远，独立的山水画始发于魏晋南北朝之间，文献表明该期山水画理论已趋成熟。至隋唐，展子虔《游春图》展露了隋代或初唐青绿山水之面貌，已见其写实能力之飞跃。盛唐吴道子之山水画简练且写实，李思训之山水画富丽而典雅；张及中晚唐画家创水墨山水；敦煌壁画中出现没骨山水；五代北宋则出现荆浩、关仝、董源、巨然、李成、范宽等一批名家，在真实地表现大自然和审美认识上跨入新的阶段。该期荆浩的《笔法记》、郭熙父子的《林泉高致》则较系统地总结了山水画理论。至元代，黄公望、倪瓒、王蒙、吴镇，使山水画走向抒发主观情感、创造多种风格的新途，并使山水画中诗书画的结合趋于完美。明末董其昌简化古人所创山水形象，参照书法法则，使山水画风又一变化。清代山水画一派沿袭董源、巨然和黄公望，变化古法、笔墨；另一派则强调抒发个性，面向自然，将笔墨发挥尽致以传情达意。五代两宋以后山水画的发展变化，产生了数量甚众的名家、流派，理论著述亦趋于完备，从而奠定了近现代山水名家产生的基础。 中国山水画的特殊传统是创造形神交融、天我合一的意境，即不
中国园林的欣赏特色——以拙政园为例
中国园林的欣赏特色——以拙政园为例 【摘要】中国古典园林艺术是人类文明的重要遗产。它被举世公认为世界园林之母，世界艺术之奇观。其造园手法已被西方国家所推崇和摹仿，在西方国家掀起了一股“中国园林热”。中国的造园艺术，以追求自然精神境界为最终和最高目的，从而达到“虽由人作，宛自天开”的审美旨趣。它深浸着中国文化的内蕴，是中国五千年文化史造就的艺术珍品，是一个民族内在精神品格的生动写照。所以能正确体会和欣赏中国古典园林的特色对继承和进一步发展中国园林艺术具有深远的意义。本文以拙政园为例，通过具体对拙政园的造园和造景特色的分析举例来阐述中国古典园林的欣赏特色，从而进一步揭示中国造园艺术的灵魂所在。 【关键字】中国园林欣赏特色拙政园 【前言】中国古典园林。它历史悠久，文化含量丰富，个性特征鲜明，而又多采多姿，极具艺术魅力，为世界三大园林体系之最。在近五千年的历史长河里，留下了它深深的履痕，也为世界文化遗产宝库增添了一颗璀灿夺目的东方文明之珠。而其中最具代表性的有“中国园林之母”之称的拙政园充分继承了中国古典园林的优势和特点， 1.1筑山为表现自然，筑山是造园的最主要的因素之一。中国古典园林常常通过筑山来营造山林之美，从而寄托自己的精神追求。而在园林中常常通过筑山来丰富园中景致，达到合理自然地分割空间和增加景物层次的作用。因此我们在园林中常常可以看到各式的假山错落有致的分布在园林的各个地方，使得整个园林增加了许多自然艺术气息，也使得园林更加和谐和富有自然之美，也体现了古代文人的精神追求和对对自然美的向往。在拙政园中更不乏各种假山的错落分布更为园林增加了几分情趣和美感。
1.2理池为表现自然，理池也是造园最主要因素之一。不论哪一种类型的园林，水是最富有生气的因素，无水不活。自然式园林以表现静态的水景为主，以表现水面平静如镜或烟波浩淼的寂静深远的境界取胜。人们或观赏山水景物在水中的倒影，或观赏水中怡然自得的游鱼，或观赏水中芙蕖睡莲，或观赏水中皎洁的明月……自然式园林也表现水的动态美，但不是喷泉和规则式的台阶瀑布，而是自然式的瀑布。池中有自然的肌头、矾口，以表现经人工美化的自然。正因为如此，园林一定要省池引水。在拙政园中水系尤为的多，每个建筑都几乎临水而建，因此对水系和池的处理更尤为的灵活。 1.3植物植物是造山理池不可缺少的因素。花木犹如山峦之发，水景如果离开花木也没有美感。 自然式园林着意表现自然美，对花木的选择标准， 一讲姿美，树冠的形态、树枝的疏密曲直、树皮的质感、树叶的形状，都追求自然优美； 二讲色美，树叶、树干、花都要求有各种自然的色彩美，如红色的枫叶，青翠的竹叶、白皮松，斑驳的粮榆，白色广玉兰，紫色的紫薇等；
浅谈中国古典园林的特点
浅谈中国古典园林的发展 中国古典园林艺术是人类文明的重要遗产。它被举世公认为世界园林之母，世界艺术之奇观。中国的造园艺术，以追求自然精神境界为最终和最高目的，以达到“虽由人作，宛自天开”为宗旨。中国古典园林是五千年的历史的沉淀。是祖先留给我们的瑰宝。 一．中国园林的发展 据有关典籍记载，我国造园应始于商周，其时称之为囿。商纣王“好酒淫乐，益收狗马奇物，充牣宫室，益广沙丘苑台(注：河北邢台广宗一带)，多取野兽（飞）鸟置其中……”。周文王建灵囿，“方七十里，其间草木茂盛，鸟兽繁衍。最初的“囿”，就是把自然景色优美的地方圈起来，放养禽兽，供帝王狩猎，所以也叫游囿。天子、诸侯都有囿，只是范围和规格等级上的差别，“天子百里，诸侯四十”。汉起称苑。汉朝在秦朝的基础上把早期的游囿，发展到以园林为主的帝王苑囿行宫，除布置园景供皇帝游憩之外，还举行朝贺，处理朝政。这个时期涌现的名园有汉高祖的“未央宫”，汉文帝的“思贤园”，汉武帝的“上林苑”，梁孝王的“东苑”（又称梁园、菟园、睢园），宣帝的“乐游园”等 明、清是中国园林创作的高峰期。皇家园林创建以清代康熙、乾隆时期最为活跃。当时社会稳定、经济繁荣给建造大规模写意自然园林提供了有利条件,“圆明园”、“避暑山庄”、“畅春园”等“沧浪亭”、“休园”、“拙政园”、“寄畅园”等园林都是当时的佳作 同时在明末还产生了园林艺术创作的理论书籍《园冶》。它们在创作思想上,仍然沿袭唐宋时期的创作源泉,从审美观到园林意境的创造都是以“小中见大”、“须弥芥子”、“壶中天地”等为创造手法。自然观、写意、诗情画意成为创作的主导地位，园林中的建筑起了最重要的作用,成为造景的主要手段。园林从游赏到可游可居方面逐渐发展。大型园林不但摹仿自然山水,而且还集仿各地名胜于一园，形成园中有园、大园套小园的风格。 二古典园林的特点 1 自然山水i 自然风景以山、水地貌为基础,植被做装点。中国古典园林绝非简单地摹仿这些构景的要素,而是有意识地加以改造、调整、加工、提炼，从而表现一个精练概括浓缩的自然。它既有“静观”又有“动观”，从总体到局部包含着浓郁的诗情画意。这种空间组合形式多使用某些建筑如亭、榭等来配景,使风景与建筑巧妙地融糅到一起。优秀园林作品虽然处处有建筑，却处处洋溢着大自然的盎然生机。明、清时期正是因为园林有这一特点和创造手法的丰富而成为中国古典园林集大成时期。到了清末，造园理论探索停滞不前，加之社会由于外来侵略，西方文化的冲击，国民经济的崩溃等等原因，使园林创作由全盛到衰落。但中国园林的成就却达到了它历史的峰巅，其造园手法已被西方国家所推崇和摹仿，在西方国家掀起了一股“中国园林热”。中国园林艺术从东方到西方，成了被全世界所共认的园林之母，世界艺术之奇观. 2建筑风格 从园林的建筑风格看，古典园林有西方古典园林和中国古典园林两大系统，规整园林和风景园林两种基本形式。古今中外，园林都是因地制宜，巧妙借景，使建筑具有自然风趣的环境艺术，它们是自然的艺术再现。我国古典园林因其建筑风格和特点，一般分为三大类型：北方型，以北京为主，多为皇家园林。其规模宏大，建筑体态端庄，色彩华丽，风格上趋于雍容华贵，着重体现帝王威风与富贵的特色，如:颐和园;北海公园；承德避暑山庄;等，其中承德避暑山庄是我国现存最大的皇家园林。 江南型，以苏州园林为代表，多为私人园林，一般面积较小，以精取胜。其风格潇洒活泼，玲珑素雅，曲折幽深，明媚秀丽，富有;江南水乡;特点，且讲究山林野趣和朴实的自然美。他善于把握有限的空间，巧妙地组合成千变万化地园林景色，充分体现了我国造园的民族风格，并广泛吸取了中国山水画的理论，如:拙政园、网师园等。岭南型，以广东园林为代表，既有北方园林的稳重、堂皇和逸丽，也融会了江南园林的素雅和潇洒，并吸收了国外造园的手法，因而形成了轻巧、通透明快的风格，如:广州越秀公园;杭州西湖等。
浅谈中国传统绘画的特点
浅谈中国传统绘画的特点 中国画这一艺术形式之所以能在世界绘画史上占有极其重 要的地位，是因为它代表了东方民族特殊的艺术审美观念。纵观中国绘画史，我们会清醒地发现，创新并不是现在才提出的问题。从隋代的展子虔到清代“四僧”再到近代的黄宾虹、齐白石、徐悲鸿等，哪一个不是在创新中崛起、发展、壮大的呢？ 艺术贵在创新。对于这一点，中国画家似乎没有太大的分岐。但关于中国画传统与创新之间的关系怎样把握、如何去创新等问题倒是众说纷纭，因此，我们很有探讨的必要。对于传统，多数画家仅把画史上几个著名画派的技巧及风格当做传统的本质而加以继承。画派的技巧和风格是形成与发展传统的重要因素，是传统的具体体现，但绝不能代替传统。所谓传统，笔者认为，指的是对具有民族特色的艺术观点、艺术方法、艺术形式、艺术风格等的概括，具有本质性。什么是中国画的传统？根据中国画发展的特点，笔者将其概括为以下五点： 一、以形写神、形神兼备，是中国画创作的一个重要原则。中国画讲究气韵、追求意境。一个画家应具备“画得像”的功
夫。但如果作品有形无神，那么即使画得再像也不是中国画所要达到的目的。有形无神的画是存在的，而有神无形的画是不存在的。写形是为了传神、为了畅神。形可在“似与不似之间”。我们要知道，“以形写神”的最终目的是“达意”。苏轼曾言：“文以达吾心，画以适吾意。”没有“形”的支架，“神”无处依附。相传五代荆浩为松写生的画集达几万册，所以用笔能够“运转变通”、“如飞如动”，用线既不专以浑朴胜，也不专以娟丽胜，而是达到了所谓“神化”的境地。中国画历来要求以“形”这个支架表现“神”。这个“神”指的是客观对象的生命力、生动气韵和本质特征。“形”是次要的，而“神”是主要的。现代大家齐白石、黄宾虹都提出“妙在似与不似之间”的画才算是好画。也就是说，画得太像就太俗了；画得一点儿也不像，更不是中国画。所谓“意象造型”就是这个道理。而从西方绘画史来看，古希腊以及文艺复兴以后的绘画着重于形的逼真再现；发展到现代派，则走上了另一极端。现代派画家主张绘画是“自我表现”的凭借，因此，可以随意摆弄“形”。既然如此，“神”就更谈不上了。 二、中国画以线、墨为主，讲究笔法，追求“笔精墨妙”的艺术效果，讲究骨法用笔。这些都是对笔墨内涵的要求。“骨法”又作“骨力”，指书写点画中蕴蓄的笔力。它是构成点画与形体的支柱，也是表现神情的依凭。画家以挺劲的笔法将自己