钢琴鉴赏论文
钢琴演奏艺术的美学分析
钢琴演奏艺术的美学分析钢琴作为西方音乐中不可或缺的乐器之一，其演奏艺术一直以来都备受推崇。
钢琴演奏艺术的美学是一个复杂而深刻的话题，涉及到音乐、视觉和情感等多个方面。
本文将从音乐的结构、表现形式、情感传达以及演奏者的技艺等方面进行美学分析，探讨钢琴演奏艺术的美学特征和魅力所在。
钢琴演奏艺术的美学还体现在情感的传达上。
音乐是一种情感的载体，而钢琴演奏则是情感得以最直接表达的形式之一。
通过钢琴演奏，演奏者可以通过音乐的旋律、和声、音色等各种元素，将自己内心深处的情感表达得淋漓尽致。
肖邦的钢琴作品中充分体现了浓厚的波兰民族情感和内在的忧伤，而李斯特的钢琴作品则充满了浪漫主义的热情和澎湃的情感。
演奏者的情感投入和情感表达能力是影响钢琴演奏艺术美学的关键因素之一。
钢琴演奏艺术的美学还体现在演奏者的技艺和表现能力上。
钢琴演奏需要演奏者具备高超的技艺和对音乐的深刻理解，才能够做到技巧和情感的兼顾。
演奏者必须具备出色的手指灵活性和音乐感知能力，能够将作品中繁复的音乐结构和情感表达完美地呈现出来。
钢琴演奏还需要演奏者具备良好的舞台表现能力和音乐沟通能力，能够将自己的音乐语言传递给观众，带给人们视听上的享受和思想上的震撼。
这种综合的技艺和表现能力是钢琴演奏艺术美学的重要组成部分。
钢琴演奏艺术的美学还可以从视听的角度进行分析。
钢琴演奏是一种视听感统一的艺术形式，通过演奏者手指的动作、音乐的声音和舞台表现等多个方面与观众进行互动，创造出一种视听和心灵的愉悦。
钢琴演奏的视觉美学体现在演奏者的动作和仪态上，优美的姿势和灵活的手指在演奏时形成一种美妙的画面，与音乐的旋律相得益彰。
而音乐的声音美学则体现在钢琴声音所具有的丰富、圆润和优美的音质上，这种音质能够通过钢琴演奏得到完美的传达，给人以心灵上的享受和感动。
钢琴名作欣赏论文
莫扎特钢琴奏鸣曲K330第一乐章的创作背景与演奏风格摘要：本文通过对莫扎特奏鸣曲K330创作前后的陈述，通过对莫扎特创作钢琴奏鸣曲三个时期的详尽概述，阐明了作者创作作品的历史背景，创作思想和演奏风格。
关键词：写作年代生活处境思想状况莫扎特是奥地利作曲家，出生在一个宫廷乐师的家庭，在他父亲的指导下，四岁开始学习钢琴及作曲，八岁时写下第一部交响乐，十岁写出第一部歌剧，被誉为当时的音乐神童。
他的创作受到了当时的巴赫的影响并继承和发扬了古典乐派的风格，莫扎特的创作灵感极其丰富创作的作品数量大，种类繁多，每种体裁都有他的登峰造极的作品。
除了代表着莫扎特艺术成就的歌剧和钢琴协奏曲以外室内乐方面的作品内容深刻，形式多样，主题形象生动，动率感强，旋律流畅，正如一位音乐家评述的那样，“莫扎特的音乐是音乐中永恒的阳光”。
莫扎特的奏鸣曲需要及透明的音质，极典雅的情趣，把握极准确的分寸，极严密的控制，极敏感的触控，极均匀的音流等等，他的作品无难易可言，演奏时要尽可能达到天衣无缝，完美无缺，充满了天性的自然流露。
莫扎特的创作钢琴奏鸣曲分为三个时期：（1）“故乡奏鸣曲”K279~284的六首，大多是1774年作于他的故乡萨尔茨堡这时莫扎特还不满二十岁，这六首奏鸣曲虽然有新颖之处，并且充满了乐观的朝气，但从整个的来说尚未成熟，作品缺乏思想感情的深度，不少的地方还是受到他父亲和海顿，及一些意大利作曲家的影响，在风格的统一上也有明显的缺陷。
（2）“曼海姆奏鸣曲”K309,311的两首，1777年作于曼海姆，这时的莫扎特正踏上了他的广阔的旅程，视野进一步扩大，对生活的体验也逐渐深化，这使他以后的奏鸣曲和在故乡时所写的相比，有了显著的变化和发展，这两首奏鸣曲正如它们的快板乐章所标明，是“带有活力的”。
精神面貌更为振奋，在艺术手法上也趋向精炼和成熟。
（3）“巴黎奏鸣曲”K310~330的五首，1778年作于巴黎。
K330正是在这一时期创作的。
钢琴作品的研讨与分析3000字
钢琴作品的研讨与分析3000字中国钢琴音乐作品所涉及的题材非常广泛,从远古传说到现代生活,从民俗风情到人生哲理,从大地到宇宙,可谓是包罗万象。
但各种题材的中国钢琴音乐作品与中华民族音乐文化和民族性格有着水乳交融的密切关系,它是博大精深的中国音乐的重要组成部分,是用钢琴这种西洋乐器演绎中国音乐文化的经典文本。
无论依据器乐曲和声乐曲改编还是自由创作,中国钢琴音乐作品都内涵丰富、形式多样、涵盖广泛、韵味浓郁、风格独特。
从来源上看,中国钢琴音乐作品大致可分为五类:第一类是根据原有民族器乐曲改编而成的,如《二泉映月》《梅花三弄》等;第二类是采用传统音调的原型改编而成的,如《内蒙民歌主题小曲七首》《蓝花花等第三类是汲取传统音调的素材加以发展而成的,如《桃花坞木刻年画》《版纳风情》等;第四类是融入民族音乐色彩创新而成的,如《舞剧鱼美人选曲四首》《牧童短笛》等;第五类是没有明显区域性却包含中国文化的作品,如《太极》《他山集》等。
从形式上来看,有反映重大事件的多乐章的协奏曲;有主题集中而手法不同的变奏曲;有音乐情绪既统一又对立的奏鸣曲;有撷取一个画面、一种意境的钢琴小品;更多的则是以变奏手法为主而结构的二部、三部或者多段曲作品等。
中国钢琴音乐作品的复杂性决定了钢琴演奏者必须只有深入理解、准确把握作品的内涵与风格,才能对音乐作品的艺术真谛进行恰到好处的表现。
如由黎英海改编的钢琴曲《夕阳箫鼓》用诗一样的意境展示出一幅幅优美的画卷:江楼钟鼓、临水斜阳、月上东山、风回曲水、花影层叠、水深云际、渔歌唱晚、回澜拍岸、桡鸣远濑等。
从这些“斜阳”、“月夜”等段落中,可以看出,乐曲本身有一个时间上的流动变化,不仅使人听到远方寺院中传来的鼓声与近处船上传来的箫声,看到平静湖面上泛叶归舟与水波拍岸景象,还可感受到傍晚在湖中荡舟的惬意和夜风的阵阵寒意。
演奏者正是由这诗一般的标题,通过想象在意念中产生的一幅幅惟妙惟肖、绘影绘声的画面,再通过演奏技巧把这些画面传达给听众,达到演奏者和听众融为一体的效果。
钢琴曲《平湖秋月》艺术赏析-毕业论文
钢琴曲《平湖秋月》艺术赏析摘要：陈培勋改编的钢琴曲《平湖秋月》既保留了民族音乐元素，又充分发挥了钢琴的多声部优势，是中国传统民族音乐作品改编的钢琴曲中的精品。
演奏钢琴曲《平湖秋月》，既要注意演奏的技巧，又要注意深刻理解乐曲蕴涵的意境、表现乐曲的韵味、恰当控制演奏情感。
关键词：钢琴曲；《平湖秋月》；演奏钢琴独奏曲《平湖秋月》《平湖秋月》是我国著名作曲家、音乐教育家陈培勋先生早期开拓钢琴音乐民族化的代表作品。
作曲家在创作过程中，充分挖掘广东音乐素材，融合现代作曲技法与个人创作理念，既保留了广东音乐原有的艺术风格，又与钢琴演奏技巧相融合，成为中国钢琴音乐作品中的经典之作，充分体现了“古为今用，洋为中用”的创作思想和审美情趣。
一、钢琴曲《平湖秋月》的民族特征1、音色的民族化用钢琴这一西方乐器载体体现浓郁的中国音色，陈培勋先生可谓匠心独运。
在乐曲中，他模仿了扬琴、琵琶、古筝、箫等多种传统乐器的音色。
如第1小节至第9小节，密集的三十二分音符的音流模仿扬琴音响效果柔和地出现，如微风拂过湖面，湖水轻起涟漪，展现出一幅笼罩在皎洁月色下的西湖美景，宁静迷人，景色平和。
继而在扬琴伴奏下，飘来模仿古筝奏出的华丽而清脆流水般的旋律，仿佛晚风轻拂平湖玄奇微波，湖面波光闪烁。
因此在弹奏这段旋律时，手腕要顺着旋律的方向平移，突出旋律音，使每个音符的音质晶莹透明，手指在触键时，手指贴键，使旋律的歌唱性得以充分展示。
“起”乐段最后一小节的琶音和弦，像琵琶的扫弦，弹奏要果断有力。
乐曲第二段，即“承”乐段，犹如走进平湖，凉凉的夜风伴着洞箫，深沉柔和的声音悠悠吹来，显得空旷而深远。
乐曲结束时的尾声意境空明悠远，右手的颤音响起，似箫的颤吟，弹奏时应表现出箫特有的气息震颤感。
2、在和声上体现民族特色钢琴是和声乐器，也是体现完美和声的主要乐器之一，好的钢琴作品需要精美的和声配置。
作曲家在作品中，为了适应中国音乐的风格，体现民族的特色，在运用传统功能和声的基础上，又将表现民族色彩的和声与之相配合，有意淡化和声三度叠置的特点，使传统功能和声的效果削弱。
中外钢琴名曲鉴赏论文（贝多芬）
中外钢琴名曲鉴赏论文（贝多芬）中外钢琴名曲鉴赏课论文论贝多芬钢琴奏鸣曲早、中、晚三个时期代表作品的风格比较论文摘要：贝多芬的三十二首奏鸣曲均衡地反映了贝多芬整个音乐创作生涯的各个时期，体现了他一生所经历的漫长的音乐和精神之旅。
本文对贝多芬钢琴奏鸣曲早、中、晚三个不同时期的作品风格做了详细的描述和对比，从而找出贝多芬钢琴奏鸣曲所产生的深远影响及其价值和魅力。
关键词：贝多芬钢琴奏鸣曲风格特点对于很多外行人来说，谈到钢琴音乐，首先想到的音乐家一定是贝多芬。
这不仅是因为他精湛的艺术手法与骄人的艺术成就，更因为他富有传奇色彩的人生经历。
路德维希·凡·贝多芬（Ludwig van Beethoven，1770.12.16—1827.03.26），男，德国作曲家、钢琴家、指挥家。
维也纳古典乐派代表人物之一。
他一共创作了9首编号交响曲、35首钢琴奏鸣曲（其中后32首带有编号）、10部小提琴奏鸣曲、16首弦乐四重奏、1部歌剧、2部弥撒、1部清唱剧与3部康塔塔，另外还有大量室内乐、艺术歌曲与舞曲。
这些作品对音乐发展有著深远影响，因此被尊称为乐圣。
贝多芬的重要艺术成就之一就是他的35首钢琴奏鸣曲。
他的钢琴奏鸣曲创作集古典主义之大成，开浪漫主义之先河。
他的人生虽然充满坎坷和磨难，但在他的音乐里却始终充满着旺盛的生命力和斗争精神，以及对真理的追求、对生活的热爱。
贝多芬的钢琴奏鸣曲集中了前辈大师的创作成果，站在他所处的时代前列，以新的素质体现了亨德尔音乐的英雄性、群众性和巴赫的深邃性、哲理性、宏伟性气魄，发展了海顿的人民性、风俗性艺术风格，借鉴了莫扎特深刻入微的心理刻画和热烈的抒情性，创立了自己独特的音乐风格。
其作品既有鲜明的民族特点，又有强烈的时代感；既有古典主义的音乐美感，又有浪漫主义的真切情感，因此他是由古典主义乐派向浪漫主义乐派跨进的一座桥梁，是屹立在18、19世纪之交的一座音乐丰碑，对200世纪欧洲音乐的创作乃至世界音乐的发展产生了巨大的、深刻的、广泛的影响。
钢琴专业论文最新范文（精选15篇）
钢琴专业论文最新范文（精选15篇）钢琴专业论文最新范文（精选15篇）在日常学习、工作生活中，大家最不陌生的就是论文了吧，论文是学术界进行成果交流的工具。
那么，怎么去写论文呢？下面是小编为大家整理的钢琴专业论文最新范文，仅供参考，希望能够帮助到大家。
钢琴专业论文最新篇1钢琴作为乐器大家族中的“王者”，是人类的精神文明及科技文明的发展产物，钢琴作为乐器的出现，是人类社会生活的需求，钢琴的发展更从一个侧面反映了人类社会精神生活不断发展的状态。
钢琴作为物质基础，为音乐家的创作提供了条件，音乐家创造发展的钢琴文化又促进钢琴结构功能的进一步成熟。
一、钢琴演奏应掌握的基本的技术技巧音乐是一种符号，一种声音符号，表达人的所思所想。
是人们思想的载体之一。
音乐是有目的的，是有内涵的，其中隐含了作者的生活体验，思想情怀。
音乐是社会行为的一种形式，通过音乐人们可以互相交流情感和生活体验。
钢琴的表现技巧是演奏者的思想情绪通过灵巧、有力的手指动作而制造出各种音响的能力。
1、钢琴演奏技巧的重要性音乐是以声音为载体、以节奏、节拍的方式来表达思想情感的一种艺术形式。
演奏技巧是弹奏钢琴必须具备的能力。
钢琴演奏技巧是非常重要的，如果没有足够的技巧是不可能用你的双手去表达优美抒情的音乐的;有时看到有好多人初学钢琴或者琴法和技巧根本没有过关，就一味的去弹奏一些感觉好听的乐曲，这种急于求成的做法是不利于钢琴演奏的学习的。
钢琴演奏单单靠手指的灵活程度是不够的，演奏技巧是弹奏者综合素质和技能的总体体现。
学生在学习钢琴演奏阶段，必须掌握的就是技术技巧，逐步积累完善弹奏功力，努力学习乐理及文化艺术知识，培养对音乐的理解能力。
没有娴熟的弹奏技巧，就无法诠释对音乐思想的理解与认识，有了对音乐思想的理解与认识，如果没有演奏技巧，音乐的表达就变成了一句空话。
2、钢琴演奏的基本技巧钢琴中共有八种基本技术问题：均匀跑动技巧，这个指音阶式跑动和琶音式跑动，把二十四个自然大小调的音阶和琶音都弹得滚瓜烂熟，速度力度完全均匀。
星空的旋律钢琴曲鉴赏
《星空》是一首著名的钢琴曲，由法国作曲家保罗·塞内维尔和奥立佛·图森创作。
作品以深邃、宁静的旋律，描绘了星空的壮丽与神秘。
在曲子的开头，它以轻柔的力度，透过细腻的音色，描绘出广袤无垠的蓝天和深邃的星空。
随着音调的起伏，人们仿佛可以感受到星空的宁静与浩渺。
在曲子的中段，旋律变得更为激昂，犹如星星闪烁的光芒，在黑暗中燃烧，闪耀着希望与梦想。
曲子的节奏变化丰富，既有快速的乐段，又有慢速的乐段。
快速的部分让人感受到星空的活力和生机，慢速的部分则让人沉醉于星空的宁静与深邃。
在曲子的结尾部分，旋律再次上升，犹如一道银河从天际流淌下来，给人一种无限遐想的感觉。
演奏《星空》时，需要注意高音区的音色控制，保持音色的透明度和轻盈感。
同时，要把握好节奏的变化，表现出星空的动态和神秘感。
在演奏过程中，要融入自己的情感，让音乐更加感人。
总的来说，《星空》是一首充满诗意和想象力的钢琴曲。
它以优美的旋律和深邃的内涵，让人们感受到星空的神秘与壮丽。
无论是在安静的夜晚还是在繁忙的生活中，聆听这首曲子都能让人感受到一种心灵的宁静和慰藉。
钢琴曲赏析一千五百字
钢琴曲《梦中的婚礼》赏析我们知道音乐不仅是供人聆听的，还要能使人沉迷陶醉其中，虽然每个人感受不同，但音乐的出发点是让人们以心来理解音乐，使心情安乐且追求美丽的梦。
理查德·克莱德曼钢琴曲之所以能初演即引起轰动，大受听众的欢迎，正是满足了人们的这一心理。
《梦中的婚礼》法文原名为“MARIAGE D'AMOUR”，直译过来应该是“基于爱情的婚姻”，“爱人的婚礼”这种译法更接近其本意。
这首曲子是法国作曲家及音乐制作人保罗·塞内维尔(Paul De Senneville)和奥立佛·图森(Olivier Toussaint)为理查德·克莱德曼量身定制的，出自理查德·克莱德曼的《水边的阿狄丽娜》。
梦中的婚礼由理查德克莱德曼演奏。
理查德克莱德曼是法国钢琴家，擅长演奏肖邦、拉贝尔、德彪西等人的作品，但那是他热衷于古典音乐的时候。
后来他转向发展通俗音乐界(梦中的婚礼、水边的阿狄丽娜、乡愁等皆是)，演奏的曲目是保罗˙塞内维尔和奥利佛?图森作的曲子。
音乐魔法师保罗·塞内维尔简介：达芬唱片创始人保罗·塞内维尔，原本是一位相当杰出的新闻工作者以及电视节目制作人，由于音乐上的天赋异禀，促使创作的决心，音乐路程一路走来，使脍炙人口的旋律流传千里。
1976年，浪漫唯美的音乐城堡———达芬唱片，在保罗·塞内维尔努力耕耘成果下，于法国巴黎成立，蔚为世界新浪漫音乐潮流的第一品牌。
保罗·塞内维尔，法国众所皆知的杰出作曲家，曾与法国顶尖艺人合作过，Mireille Mathieu、Michel Polnareff、Dalida、Claude Adeline……等，而如日中天的创作高峰，则是为理查·克莱德曼作了一首世界名曲《给爱德琳的诗》，自此，理查亦因而名扬国际，创下法国艺人在全球最高的销售记录。
慈祥和蔼的脸庞如同他的音乐令人亲近与熟悉，保罗·塞内维尔至今依旧不断地创作浪漫唯美的音乐，因为他始终坚信，不论什么时代，都有人追求美的音乐。
中外钢琴作品赏析论文
中外钢琴作品赏析论文浅谈理查德·克莱德曼与他的音乐理查德·克莱德曼出生地在法国巴黎，在法国浪漫主义情怀的熏陶下他的作曲多传达着爱情。
他的音乐给人以精神上的享受，灵魂上的浸透。
可以给人力量抛开一切繁杂的思绪，只沉浸在音乐天堂之中。
理查德·克莱德曼5 岁开始习琴，6 岁时指法已非常纯熟流畅，被誉为天才，后进入巴黎国立音乐学院学习。
16 岁开始演奏自作曲，得到学校音乐比赛优胜，以优异成绩毕业。
克莱德曼擅长演奏肖邦、拉威尔、德彪西等人的作品，在古典音乐界是一颗明日之星。
但是，他偶然间对通俗音乐发生兴趣，不顾周围人们的反对，毅然转变方向，开始同米谢尔·沙德合作，经常出入录音室，并结识了当时法国音乐界最受欢迎的作曲家奥利佛·杜桑。
由于克莱德曼不仅具有高度的钢琴演奏技巧而且具有深厚的音乐感，深得杜桑的赏识。
1976 年，克莱德曼为电视剧配乐，独奏了《给爱德琳的诗》，后这首曲子成为电视剧配乐，播出后，电视台设立专线电话以应付纷至沓来的咨询；各唱片行内拥挤着要求订购此曲唱片的顾客；唱片公司为满足市场需求不得不火速加制了80 万张唱片。
此后一举成名。
那流畅华丽的钢琴曲犹如一股席卷全球的旋风，由斯堪地纳维亚远播至南非，又从欧美传到亚洲各国。
之后，克莱德曼又推出大量优秀作品，进一步提高了知名度。
华丽的音色、优雅的旋律和俊美的形象是克莱德曼钢琴曲的独特风格。
由于流行音乐的发展，克莱德曼对中国的影响远不如昔。
作为改革开放初期外来文化的先锋，克莱德曼对当代中国的影响是深远的。
音乐不仅是供人聆听的，还要能使人沉迷陶醉其中，虽然每个人感受不同，但音乐的出发点是让人们以心来理解音乐，使心情安乐且追求美丽的梦。
理查德·克莱德曼钢琴曲之所以能初演即引起轰动，大受听众的欢迎，正是满足了人们的这一心理。
理查德·克莱德曼以古典音乐为基础，将古典音乐与现代音乐溶为一体。
他的乐曲朴实、流畅、优雅、华美，旋律悠扬、合声简洁、音色辉煌，充满了诗情画意。
浅谈中国钢琴音乐作品的鉴赏
浅谈中国钢琴音乐作品的鉴赏郑毅峰【摘要】With the improvement of people's living standard,music culture has been developed rapidly in people's daily life. The piano,as is the representation of the European music,its development is closely linked with the national culture,and the rising popularity now has become a fashionable part of our country. In order to promote the better development of Chinese piano music,and to explore ways of appreciating the Chinese piano music works,organically integrating the Chinese piano music works with the Chinese national culture, and distinguishing differences between Chinese and western piano music is of great utmost significance. Based on the analysis of the significance of Chinese piano music works,this paper explores the Chinese piano music works appreciation method.% 随着人们生活品质的提高，音乐文化在人们日常生活中迅速发展起来，钢琴作为欧洲的代表性音乐，其发展和民族文化息息相关，如今其普及率日渐提高，成为了我国时尚组成部分之一。
钢琴名曲鉴赏论文之《土耳其进行曲》
欢快的舞蹈——《土耳其进行曲》“音乐”这两个字在我的心中象征着神圣。
一听到这两个字，心中就会有一丝悸动。
凡是跟音乐扯上关系的人与物，我都羡慕的不得了，崇拜的不得了。
可是心中虽喜欢音乐，可与音乐结缘的机会却极少。
进入大学之后，我才有了进一步与音乐接触的机会。
也是因为这个原因，我选了钢琴名曲鉴赏这堂课，希望借这个机会，多增加一些音乐知识。
通过这门课，我听到了好多世界著名钢琴曲，才意识到自己对音乐的了解真是少之又少。
通过这门课的学习又进一步增加了自己的音乐知识。
这首《土耳其进行曲》是早在高中就听过的，但那时并不知道它的名字是什么，又是由谁创作的。
或许是由于我自身的原因，由于自己不喜爱那些气势浩大、声音震耳欲聋的音乐，因此我不太热衷于《田野交响曲》和《命运交响曲》这一类的交响乐。
但偶然一次在广播中听到了《土耳其进行曲》，我就喜欢上了这首曲子。
欢它如果说《命运交响曲》是气势磅礴的大江河，那么《土耳其进行曲》就是涓涓流淌的小溪流。
你或许不会因它激动万分，它或许不会震撼你的心灵，它或许不是那个时代的最强音，但它会为你的心灵带来愉悦，让你的心在不知不觉中跟随着它的节奏欢快地舞动。
这就是它的力量——让你“心动”的魔力。
《土耳其进行曲》的全称是《“土耳其进行曲”主题变奏曲》，是莫扎特《A大调钢琴奏鸣曲》中的第三乐章。
所谓变奏曲，就有乐曲主题的演变。
它是围绕一个主题，用变奏的手法发展这个主题，塑造风格迥异的形象，使乐曲在多方面得到表现。
第一次在到这个名字，我感到很惊奇。
因为很少听到以一个国家的名字命名作品的。
那时，我就在想这首曲子是不是以土耳其曲风为蓝本创作的。
但仔细了解过这首曲子之后，我发现这首曲子的主题并非具有纯正的土耳其风格，而只是反映了当时流行的一种“东方风格”。
《土耳其进行曲》是一首a小调，2/4拍子的乐曲，带有法国风的回旋曲。
主题以a小调出现，乐曲结束在la上，并穿插插部在主题之间进行主题的循环。
乐曲在一开始的时候是在a小调上的第一主题，曲调轻快活泼、节奏欢快；接着是第二主题的出现；然后重复第一主题来结束第一乐段，这样给人种循环往复的感觉，让人即使在音乐终止之后依旧感觉到音乐在耳中回响，俗称余音绕梁。
钢琴毕业论文范文
钢琴毕业论文范文钢琴毕业论文范文【篇一：钢琴毕业论文】析影响钢琴音色的若干技巧王颖（音乐学院06级音乐学专业指导教师：马棠华）【摘要】钢琴演奏中，影响钢琴音色的主要因素有：触键技巧、手臂手腕的运用、踏板的重要性，其中触键技巧对钢琴演奏是非常重要的。
没有正确的、丰富的触键技巧就不可能富有感情地表达音乐。
触键时力度的合理运用是音色发展空间的重要前提。
本文从影响钢琴音色若干技巧的不同角度、力度、触键、运用方式等方面分析入手，强调正确的触键对钢琴艺术表现力的重要性，同时阐述踏板是处理钢琴乐曲的不可或缺的重要工具，在钢琴音乐的表现中同样发挥着举足轻重的作用。
我们首先要分析好与不好的音色在弹奏方法、力度等方面上的不同，正确的理解不好听的音色是由错误的弹法直接造成的。
只要注意以上几个方面的演奏技巧、弹奏方法，就一定能在钢琴上弹出美妙的音乐。
【关键词】钢琴；触键；音色；演奏技巧；【abstract】piano, piano sound effects are the main factors: the touch technique, use of the arm wrist, the importance of the pedal, which touch on the piano key skills is very important. not correct, rich touch key skills to express feelings can not be full of music. touch key strength of the rational use of space is an important prerequisite for sound development. this piano sounds from the impact point of a number of different techniques, dynamics, touch keys, the use of methods to analyze the start, emphasizing the right touch keys on the piano the importance of artistic expression, while piano music set the钢琴触键技巧是非常重要的，如果没有科学、专业的演奏技巧就不可能更富有感情地去表达音乐。
钢琴音色特点研究论文
钢琴音色特点研究论文钢琴是一种具有光泽的键盘乐器，由于其丰富的音色和演奏技巧而备受欢迎。
钢琴音色研究是钢琴艺术的重要组成部分，它涵盖了许多领域，例如声波学、音频处理、心理学和文化研究等。
钢琴音色的研究对于钢琴演奏者、制造商和听众都具有重要的意义。
本文将讨论钢琴音色的特点和研究成果，以期为钢琴音乐学领域的研究工作提供帮助。
一、钢琴音色的特点钢琴音色独特而丰富。
它可以把不同的音符（两个音符之间的差距是半音）加在一起形成和弦，并使它们发出复杂和谐的声音质地。
钢琴的音域广阔，其低音和高音均能表达出强大而明亮的倍音效果。
这种效果来源于弦的振动模式，同时也与钢琴共鸣板的结构有关。
具体来说，黑色和白色键盘上的钢琴弦振动产生基频振动和倍频振动。
倍频振动相对于基频振动的幅度比在不同的音区域和弦区域有着显著的差异，使钢琴音色产生独特的效果。
二、音色研究的成果许多研究者通过声学实验和计算机模拟等方法探索了钢琴音色的特点。
下面介绍几项代表性的研究成果：1. 区分强度、高度和音色的影响这项研究旨在探讨钢琴演奏的技术和音色效果之间的联系。
研究者使用了一种称为心理声学的方法，依靠听觉测试来确定强度、高度和音色对钢琴音色质量的影响。
结果显示，强度变化对音色的影响相对较小，而高度和音色的影响则非常显著。
研究表明，钢琴演奏中的高度和音色变化对于创造优质的艺术作品非常重要。
2. 分析钢琴声的衰减特点衰减是钢琴音色的重要组成部分。
通过记录实验室环境中的钢琴演奏声，研究者分析了钢琴声波信号的时域和频域特征，并探讨了它们与钢琴共鸣板和弦的物理特征的关系。
结果显示，钢琴声波信号的衰减时间是由钢琴共鸣板的衰减时间和弦的振动模式决定的。
这些研究成果为钢琴音色设计和调整提供了理论支持。
3. 应用人工智能技术提高钢琴声的质量人工智能技术已经在音乐创作和音频处理等领域得到了广泛应用。
对于钢琴音色的研究，人工智能技术可以用于改进音色合成算法，并提高音色的逼真程度。
简析钢琴音色的教学论文
简析钢琴音色的教学论文简析钢琴音色的教学论文俄罗斯著名钢琴家捏高兹曾说过：“任何钢琴演奏总是以发出的声音、制造出声音为其目的，那么无论你弹的是练习曲还是艺术作品，弹钢琴必然就是在声音上下功夫，说得更确切些，就是练习声音。
”钢琴弹奏者听觉敏锐，对声音的要求比拟严苛，旨在使钢琴的发声到达好的声音标准。
也就是说，倾听自己手指所敲击的每个音的力度、长度、声音质量以及音与音之间的连接，同时基于作品所表达的情感，从刻画音乐形象和表现作品的思想感情出发，完美演绎一部作品，是优秀的钢琴演奏者必备的根本素养。
在理论教学环节上不但要会听单声部，还要同时会听辨多声部。
比方，乐曲中都有声音的强弱变化，音色的搭配有主次关系，但是现实中，很多弹奏者都不能完好地表达出这些声音特点。
因此，听觉训练是钢琴入门必学的课程。
听觉训练的目的是让弹奏者可以在弹奏过程中用心倾听自己指下的声音，根据声音变化音色。
①指尖触键与指面触键。
手指立起，琴键直承受力，发出清亮的音色；假设用平坦柔软的指面接触琴键，会弹奏出柔润、细腻的声音。
②手指触键的高度和力度。
手指抬高，垂直向下发力接触琴键，能弹奏出颗粒性清亮的声音。
反之，要弹奏柔和飘逸又不失凝练的声音，就要用指面柔和平稳的贴键弹奏。
③手指触键的速度。
控制手指触键的力度和速度，能调节声音的强弱效果和色彩的呈现。
弹奏强烈的声音时快速触键，弹奏弱音时那么缓慢触键。
同样的，弹奏时快速触键，并迅速松开，有意识地缩小触键面，就能弹奏出颗粒性的亮堂的声音。
反之，缓慢触键，再缓慢松键，适当增大指面与琴键的接触面，就能得到浓重、圆润、歌唱性强的'声音。
在演奏过程中，应该结合乐曲的情感、演奏者的个性等综合考虑手指触键速度，然后用心体会声音特点，这对进步弹奏技巧大有裨益。
④手腕的松弛有度。
手腕处于手指和手臂之间，是调节弹奏力度和触键速度的重要枢纽。
弹奏歌唱性旋律，手指要贴近琴键，手腕平稳发力，做到张弛有度。
手腕的动作与音色的变化亲密相关，在教学与演奏中应该灵敏运用。
推荐优秀的钢琴流行音乐论文赏析(共3篇)
推荐优秀的钢琴流行音乐论文赏析（共3篇）本文从网络收集而来，上传到平台为了帮到更多的人，如果您需要使用本文档，请点击下载按钮下载本文档（有偿下载），另外祝您生活愉快，工作顺利，万事如意！随着中国经济的不断快速发展，中国流行音乐越来越多的人使用钢琴，钢琴在流行音乐中的地位也越来越重要。
下面是千里马论文网的小编整理的关于钢琴流行音乐论文范例，欢迎大家阅读欣赏。
第1篇：对流行音乐钢琴副科教学的分析与思考近年随着教育改革的不断深入，流行音乐专业高等教育受到越来越多的关注。
钢琴这一音乐教育的基础学科。
也将面临新的教学理念的冲击。
如何对各类流行音乐专业的学生更好地进行钢琴副科教学，成为摆在我们面前的新问题。
因此笔者总结一套适合音乐学院流行音乐专业钢琴副科的教学方法，可供同仁们参考。
一、对各专业学生择重实施锕琴副科教学的思考钢琴副科授课对象人数多、层面杂、学生专业不同、钢琴基础参差不齐。
在川音通俗音乐学院的现代音乐文学系、通俗演唱系、流行歌舞系、流行器乐系、MIDI制作系这5个系别的学生将进行两年的钢琴副科的学习。
由于各系学生的钢琴基础又不尽相同，MIDI制作系学生大都经过长期系统的、正规的训练，基础相对扎实，程度较高，他们的入学考试要求，一般在车尔尼740程度以上。
与其他系相比程度要求相对较高。
现代音乐文学系、通俗演唱系、流行歌舞系、流行器乐系的学生在入学时不进行钢琴考试，基础相对较差，这些学生缺少童子功的基础，技术不规范。
所以，对待这些水平差的学生从授课方式、教学内容、教学方法及考试的标准上绝不能一概而论。
各系学生最终所从事的专业不同，为了让钢琴课与其专业结合，最大限度地发挥钢琴副科的辅助功效，在为时两年的教学中必须对不同专业学生进行针对性教学。
(一)对通俗演唱系、流行歌舞系学生重点进行自弹自唱的训练1、对专业着重点的思考通俗演唱系、流行歌舞系学生都将从事演唱专业，他们大多数钢琴基础薄弱，但每个演唱专业的学生都希望可以自弹自唱，方便其专业课学习。
钢琴音乐鉴赏(通选)课程论文
莫扎特和他的小星星每一个人喜欢上一种音乐都会有一个契机，就像我喜欢上钢琴或者说是古典音乐有一个契机一样，它就是一部音乐动漫番剧《四月是你的谎言》。
这部动漫其实就是讲一个音乐天才少年逐步找回音乐梦想的故事，其中就少不了各种钢琴名曲为这个故事进行铺垫，《小星星变奏曲》就是其中一首。
由于自己在之前完全是一个钢琴方面门外汉，所以并不熟悉斯克里亚宾、拉威尔和肖邦的各种作品，唯独《小星星变奏曲》是不同的，至少这里面存在着每一个孩子童年必不可少的旋律，后来偶然在评论里看到这样一句话：“相信我，这个曲子到后来完全听不出来是我们熟悉的小星星。
”就这样，我想我感受到了古典音乐的魅力。
《小星星变奏曲》是莫扎特的作品。
1756年1月27日，莫扎特生于奥地利的萨尔茨堡一位宫廷乐师的家庭，他的父亲是宫廷天主教乐团的小提琴手，也是一位作曲家；母亲也热衷于音乐并会拉大提琴和小提琴。
少年时期的莫扎特锋芒初露，他这时的作品已经显示出创作体裁的广泛性和对歌剧创作的兴趣。
在曼海姆时，他得到一些市民音乐家的帮助与同情，听到第一流管弦乐队的演奏，这一时期，莫扎特在曼海姆创作的协奏曲和奏鸣曲反映了此时的作品明显受曼海姆乐派的影响。
1780年，莫扎特完成歌剧《伊多梅纽》，这一时期莫扎特的作品严谨，在形式上出现了新的要素，这些增强了他的音乐作品的戏剧性，此时莫扎特的作品渐渐成熟。
小星星变奏曲是为钢琴独奏所创作，是一首脍炙人口的名曲，原题为“啊！妈妈，我要告诉你”的十二段变奏曲。
据传此曲是莫扎特停留巴黎时为一位女弟子而作的，音乐主题出自一首古老的欧洲民谣，有好几个国家用不同的语言歌唱过，而在我国就是充斥在每个孩子的童年里的一闪一闪亮晶晶。
这个主题的节奏与旋律单纯质朴，莫扎特为它配上十二段可爱又富有魅力的变奏，乐声一直自然而愉快的流淌着。
乐曲最开始就是轻快简单的旋律，随后音符和音阶的巧妙导入衬托出一种华丽明亮的效果，接下来左手沉重的琶音在这个快速段落中登场，但沉重的时间并不长，作品又恢复了以往的轻快明亮，而接下来的旋律渲染了一种反复无常的气氛，这时的乐曲听起来很有趣。
浅析中国钢琴音乐作品鉴赏
在 这件 外 国 乐器 上演 奏 出具 有 中国特 色 的钢 琴 曲 ，把 中国特 色 的 律 ， 以民族 五声 调式 为 主 ，就如 黎 英海 的 《 绣 荷包 》 《 蓝花 花 》
中 国钢 琴作 品 的艺术 特色
、
１ ． 中国钢琴 音 乐作 品的 民族性
被 称 为 是 中 国第 一 首 钢 琴 作 品 的 曲 目是 《 和 平 进 行 曲》 ， 是 由赵元 任 先生 在 １ ９ １ ５ 年正 式 发表 的 ，中 国钢 琴 民族化 创 作 的帷
１ ．《 春江 花 月夜 》— — 意境 的完 美把 握 幕 就 由此 中国钢 琴作 品拉开 了，也 就代 表着 中国 开始 有 了 自己创 “ 意境 ”的塑造 在 我 国传 统 审美 概念 中最为 讲 究 ，无 论是 绘 作和 改编 的钢 琴 作 品 。文化 意 义 的中 国钢 琴作 品 的真 正 出现应 当 画 书画 还 是诗词 歌 赋都 十 分讲 究 意境 。意 境 落实 在 中 国音 乐风 格 是贺 绿 汀的 钢琴 作 品 《 牧童 短笛 》 ，它 １ ９ ３ ４ 年 进入 人 们 的视野 ， 上 ，体 现为 情感 交 融 与情 景合 一 的效 果 ，要 达到 这种 效 果 ，必 须
出现 于 齐 尔 品 （ 俄 国作 曲家 ）发 起 的 “ 中 国钢 琴 曲征 集 ”活动 要有 人 声 与乐器 的绝妙 配 合 。例 如 ，夕 阳 、扁舟 、山 川、 月亮 、
中 ，最 具有 代表 性 。它 凭借 简 洁 明 了的旋 律 ，形 象生 动 的勾 勒 出 暮鼓 、花枝 、树影 等 是钢 琴 曲 《 春江 花 月夜 》 中 的主要 意 象 ，这 了大 自然 的无 限风 光 ，是 中 国钢 琴 音 乐创 作 的历程 中的里 程碑 ，
肖邦音乐鉴赏论文
肖邦音乐鉴赏论文肖邦音乐鉴赏论文肖邦是一位杰出的钢琴艺术家,对于他的生平已无须作任何多余的介绍。
没有一个弹钢琴的人不曾弹过他的作品,毫无疑问,每一个钢琴家都学习他的作品、研究他的音乐。
而一辈子只弹肖邦一个人的作品的钢琴家也不在少数。
所以他的作品在钢琴文献中占有特殊的、独一无二的地位。
在钢琴作曲和演奏技术上,充分地发挥了想象力与创造力,其所创作的夜曲可谓是字字珠玑,声声动人,首首精品。
一、创作特色可以说肖邦的创作是打破常规的,他那种与生俱来的敏感、典雅、羞怯及忧郁的气质在夜曲这种形式中得到充分的体现。
他将夜曲从沙龙情调的狭小表现圈子扩展开来,不仅有对大自然夜景的描绘,细腻的心理刻画,静夜中忧郁、沉思、伤感、柔性的表白,而且将火一样的激情以及像叙事曲那样富于戏剧性和悲剧性的内容注人夜曲中。
?1、旋律特色肖邦夜曲旋律的一个显著特点就是具有声乐性。
如创作于1830年的《降E 大调夜曲》作品9之2,回旋曲式,12/拍,行板速度。
这首夜曲的特点是右手旋律保持优美的装饰性的歌唱,左手是和声性的伴奏。
它像是花腔女高音在轻盈的伴奏下唱着一首优美、抒情的咏叹调。
肖邦常因创作内容的需要大胆打破传统曲式结构的框框,这首回旋曲即是ABAIBIAIC的结构形式。
主题A段(1一8小节)是一首抒情、明朗而柔美的歌。
经过8小节A段主题装饰性变化后引出了插部B段(9一12小节)的旋律,这一段音乐在A段的基础上注人了幸福、恬静的歌唱性。
A段经过三次重复后进人插部C段。
中间穿插的两个段落(9一12小节和17一20小节)是前面主题的引申和扩展,像歌剧中的宣叙调在柔情地倾诉内心的感受。
终曲的尾奏是一串快速的华彩乐段,晶莹、剔透,饱含着内心的激情,最后在降E大调主和弦分解的摇曳型节奏中越来越轻地结束了全曲。
2、表现手法特色新颖的和声及独特的转调手法在夜曲创作上的应用,是肖邦夜曲的又一特色。
肖邦可称为19世纪浪漫派音乐中和声方面的一位创新者。
巴赫钢琴复调作品评析论文
巴赫钢琴复调作品评析论文巴赫是巴洛克音乐时期最杰出的代表之一，被认为是音乐史上最伟大的作曲家之一。
在巴赫的数量庞大作品中，钢琴复调作品具有很高的地位和重要性。
该文旨在通过对巴赫钢琴复调作品的评析，探讨其音乐特色和艺术价值。
巴赫的钢琴复调作品包括许多奏鸣曲、赋格、随想曲、两部曲和三部曲等不同形式的作品。
这些作品在结构、技巧和表现手法方面都达到了极致，展现了巴赫非凡的艺术才华。
其中最著名的作品要数《平均律钢琴曲集》和《音乐的奉献》。
《平均律钢琴曲集》是巴赫创作的最重要的钢琴作品之一，也是西方音乐史上最重要的作品之一。
这部曲集包括两卷，每卷都包含24首前奏曲和赋格。
这些曲子采用了调式排列，每个调式可以产生不同的音乐效果，展现了巴赫对音乐结构和语言的深刻理解。
整部作品展现了巴赫丰富的音乐表现手法，包括对旋律、和声、节奏和动态的运用。
这些技巧不仅展现了巴赫的超群才华，也极大地影响了后来的音乐家。
《音乐的奉献》是巴赫创作的一部极其奇特的作品。
这部作品是他为普鲁士国王腓特烈大帝写的，其中一个赋格是要求腓特烈大帝在另一个调上即兴创作续曲。
巴赫独特的创作思路和表现手法在这部作品中得到了完美的体现。
全曲共有15首曲子，包括前奏曲、赋格和对位曲等不同形式，体现了巴赫的创新和多变性。
其中最著名的当属C大调赋格，采用了一种稳定的主题和众多的变奏手法，以独特的方式展示了巴赫卓越的复调技巧和对音乐结构的深刻理解。
总的来说，巴赫的钢琴复调作品具有深厚的音乐内涵和广泛的历史影响。
他的音乐不仅具有优美的旋律和丰富的和声，而且通过各种手法展示了复杂的音乐结构和创新的表现手法。
这些作品对后来的音乐家产生了广泛的影响，他们不断地探索和吸收巴赫的理念，继承和发扬了他的音乐艺术。
巴赫的成就是不容忽视的，他的钢琴复调作品完美地体现了他无限的艺术天赋和深邃的音乐理解。
我眼中的西方古典钢琴曲
《钢琴名曲鉴赏》《我眼中的西方古典钢琴曲》音乐在我们的生活中无所不在，无所不能，它可以提高我们的节操，升华我们的灵魂，让我们生活在一个美妙的动听的世界，随时随刻的满足我们的精神世界，让我们每时每刻都能体会到音符的美妙。
而在我看来，西方古典钢琴名曲更是音乐中的精品，更能让我们的精神和灵魂都得到放松。
下面就让我来谈谈对与西方古典钢琴曲的认识。
对艺术作品风格的把握，离不开对其形式要素的考察。
当钢琴弹奏水平达到一定程度时，准确把握和理解作品的艺术风格的问题便凸显出来。
任何一个演奏者如果不能对其弹奏的俄作品风格做出正确的把握，就谈不上对音乐作品有深刻的了解。
因此风格的把握在诠释钢琴作品中的地位是不言而喻的。
尽管古典音乐在巴洛克时期孕育并且带有巴洛克时代的印迹，但这一时期主调音乐占据了主要地位，受社会的影响，人取代神成为音乐作品中的主角。
和声进一步发展，经历了和声的功能及其协调性，逐渐成为音乐结构骨架。
和声与会更加丰富，大胆采用了转调手法，使旋律更富于表现力，更加立体。
音乐结构在古典音乐时期也发生了重大的变化。
奏鸣曲替代了古组曲、二部性古奏鸣曲、托卡他等曲式，形成了结构清晰严禁、织体细微的乐曲结构。
当时的钢琴声音比现代钢琴更加轻薄，但是它的延音踏板以及强弱方面细微的变化对古典风格的形成是必不可少的因素。
不同钢琴家也有不同的风格和特点。
海顿的钢琴作品不像莫扎特的那么迷人，反而有些冗长，粗暴，有事甚至有些野性。
他的作品并不关心其可唱性，而是致力于纯正的表情，作品中很透着朴实的热情，有着无比的幽默感，不衷于炫技而是更注重悠扬的旋律。
莫扎特，这位坠入人间的音乐精灵，以精巧、典雅、纯净、澄澈隐含着淡淡哀愁的钢琴音乐，打动着世人。
他的形式感和对称感似乎与生俱来，而且那种适度的均衡与他来自直觉和灵感的技艺紧密结合在一起。
他的作品很少追求刺激表现或炫技因素，而是忠实于更为亲和家庭式的奏鸣曲。
除去个别简易的乐曲外，莫扎特的作品几乎无难易可言，每一首都需要极透明的音质、典雅的情趣、准确的分寸、严密的控制、敏感的指触、均匀的走动等，因而都很难演奏得天衣无缝、完美无缺。
- 1、下载文档前请自行甄别文档内容的完整性，平台不提供额外的编辑、内容补充、找答案等附加服务。
- 2、"仅部分预览"的文档,不可在线预览部分如存在完整性等问题,可反馈申请退款(可完整预览的文档不适用该条件!)。
- 3、如文档侵犯您的权益，请联系客服反馈,我们会尽快为您处理(人工客服工作时间：9:00-18:30)。
虽然我作为一个工科生，但这并不能影响我对音乐的热爱。
很小的时候在电视或其他一些地方就见过很多乐器,还有很多音乐家们演奏动人音乐的场景，他们用乐器演奏的时候特别陶醉，那种场景特别迷人。
从小时候开始我就很希望自己也能用某些乐器弹奏一些曲子。
可因为种种原因，最终还是没能很好的接触各种乐器。
我最喜欢的乐器要数钢琴了，它一直有乐器之王的美称，它的声音悠悠扬扬，一种情韵却令人回肠荡气。
每一个音符下，都埋藏一颗平静而柔韧的心灵。
出于对钢琴的喜爱，我到报了钢琴鉴赏这门课。
通过学习，我对钢琴有了更深的了解。
现代钢琴的键盘达七个八度，最低音为A2；也有再加一个小三度的，最高音为c5（88键）。
钢琴第一次用于独奏乐器是在1768年J.C.在英国的一次演出。
现代钢琴因形状和体积的不同，主要分为立式钢琴和三角钢琴。
音乐会所用的大三角钢琴是乐器中的庞然大物，有9英尺长，最重的可达79吨。
迄今为止最昂贵的钢琴是一架1888年生产的斯坦威（steinway）牌三角钢琴，1980年在纽约以18万英镑的高价被拍卖。
钢琴因其独特的音响，88个琴键的全音域，历来受到作曲家的钟爱。
在流行、摇滚、爵士以及古典等几乎所有的音乐形式中都扮演了重要角色。
钢琴分为立式钢琴和三角钢琴。
立式钢琴价格便宜，占用空间小，成为爱好者的购买对象。
三角钢琴（grand piano）则用于大型演出或专业人士。
立式钢琴采用一种琴弦交错的设计方案，有效地节约了高度与厚度。
在此之前的立式钢琴高度达2.4米。
现在的只有1-2米高。
三角钢琴有2.7米长。
应用谱号：高音部：高音谱号，不移调记谱；低音部：低音谱号，不移调记谱。
结构组成：由琴弦列、音板、支架、键盘系统（包括黑白琴键和击弦音棰）、踏板机械（包括顶杆和踏板）和外壳共六大部分组成。
使用材质：琴弦列：高、中音琴弦由钢丝制成；低音琴弦由钢丝加上紫铜缠丝制成。
音板：木质结构。
木材要求质地柔软、有弹性、易传导振动，以白松或梧桐为最佳。
支架：包括铸铁支架和木支架两部分。
键盘系统：黑白琴键由象牙或电木制成；音棰常用木制。
踏板机械：金属结构。
外壳：漆饰木板结构。
乐器特色：音域宽广，音量宏大，音色变化丰富，可以表达各种不同的音乐情绪，或刚或柔，或急或缓均可恰到好处；高音清脆，中音丰满，低音雄厚，可以模仿整个交响乐队的效果.
钢琴之所以成为乐器大家族中的“王者”，是人类的精神文明及科技文明的发展所赋于它的，钢琴作为乐器的出现，是人类社会生活的需求，钢琴的发展更从一个侧面反映了人类社会精神生活不断发展的状态。
钢琴作为物质基础，为音乐家的创作提供了条件，音乐家创造发展的钢琴文化又促进钢琴结构功能的进一步成熟。
由此我们说钢琴是钢琴文化的不可分割的一部分，了解钢琴、认识钢琴，也就成为了一个音乐人认识钢琴文化的必须了。
通常人们认为钢琴有近300年历史，即1709年由意大利制琴大师B·克里斯托福里所创制的现代钢琴的前身。
在以后的200多年，又不断改进完善，方成为今天我们看到的现代钢琴。
然而，钢琴的整个演变过程可以追溯到600多年前，即现代钢琴出现之前，钢琴已存在了300多年，我们称这一阶段的钢琴为古钢琴。
现代钢琴的前身只是1709年古钢琴质的发展与飞跃。
若没有古钢琴所发展的“量”的积累，也就不会产生1709年古钢琴“质”的飞跃。
我觉得钢琴能吸引那么多人，除了它自身的魅力之外，更重要的一个原因是那些赋予钢琴意义的演奏者们。
几百年来，在历史上涌现了多少著名的钢琴家。
而我比较喜欢贝多芬，肖邦，还有我们中国的朗朗。
贝多芬：路德维希·范·贝多芬(1770-1827）是维也纳乐派最后一位，也是最伟大的代表人物。
贝多芬1770年12月16日生于莱茵河畔离法国国境不远的小城市--波恩。
父亲是个宫廷乐团的男高间歌手，母亲是个厨娘。
他的祖父是波恩宫廷乐团的乐长。
贝多芬自幼便已显
露出他的音乐天才，父亲很早已洞察儿子的音乐天份，为了急于把他培养成为一个象莫扎特那样的神童，四岁即开始逼着他学习钢琴和小提琴，八岁时他已开始在音乐会上表演并尝试作曲，十二岁时，他已经能够自如地演奏，而且担任了管风琴师聂费（1748－1798）的助手。
十三岁贝多芬已受雇于波恩剧场担任大键琴演奏者，正式成为一名职业音乐家。
就在这时他开始正式跟聂费学习音乐。
聂费是一位具有多方面天才的音乐家，他扩大了贝多芬的艺术视野，使贝多芬熟悉了德国古典艺术的一些优秀范例，并巩固了贝多芬对崇高的目的的理解。
贝多芬的正规的学习和有系统的教养，实际上是从聂费的细心教导和培养开始的：聂费还引导他在1787年到维也纳就教于莫扎特。
莫扎特听过他的演奏之后，就预言有朝一日贝多芬将震动全世界。
肖邦：弗雷德里克·肖邦自幼喜爱波兰民间音乐，从六岁时开始学习钢琴，在七岁时写了《波兰舞曲》，八岁登台演出，十六岁时加入了华沙音乐学院作曲班，不满二十岁已成为华沙公认的钢琴家和作曲家。
后半生正值波兰亡国，在国外度过，创作了很多具有爱国主义思想的钢琴作品，以此抒发自己的思乡情、亡国恨。
其中有与波兰民族解放斗争相联系的英雄性作品，如：《第一叙事曲》、《bA大调波兰舞曲》等；有充满爱国热情的战斗性作品，如《革命练习曲》、《b小调谐谑曲》等；有哀恸祖国命运的悲剧性作品，如《降b小调奏鸣曲》等；还有怀念祖国、思念亲人的幻想性作品，如不少夜曲与幻想曲。
郎朗：出生于中国沈阳，是第一位与柏林、维也纳、美国五大洲所有一流乐团长期合作，在全世界所有的著名的音乐厅举办个人独奏会的中国钢琴家。
年仅27岁的他，已成为继霍洛维兹和鲁宾斯坦之后世界钢琴界的又一位领军人物。
郎朗的音乐才华以及热情奔放的性情相得益彰，使他成为古典音乐最理想的诠释者和年轻人心中的偶像。
1999年，17岁的郎朗在芝加哥拉文尼亚音乐节明星演奏会上，戏剧性的紧急代替身体不适的安德鲁·瓦兹与芝加哥交响乐团合作演奏柴科夫斯基《第一钢琴协奏曲》，由著名指挥大师埃森巴赫指挥。
开场前，著名艺术大师斯特恩对观众介绍郎朗说：“你们将从这位年轻的中国男孩身上听到世界上最美妙的声音”。
果然，当最后一个音符演奏完毕，听众全体起立欢呼，如雷般的掌声经久不息。
从此，郎朗与世界上所有的一流乐团陆续签约，开始了他的音乐演奏生涯。
在2008年北京奥运会的时候，朗朗出色的表演博得全世界人民的赞美。
正是有了这些钢琴家们，钢琴才有了灵魂，钢琴才真正被赋予了意义。
钢琴只属于那些热爱它的人。
正是有了这些热爱钢琴的人，才会有像《幻想即兴曲》、《彩云追月》、《夜曲》、《月光》等这样的世界名曲。
学过钢琴的人都知道，要想弹奏一首美妙的曲子，是要经过多少的练习。
我在课余时间会到音乐舞蹈学院一个朋友的琴房练习弹钢琴。
在这期间我得到了很多乐趣，即便我现在弹的很不熟练，但我热爱钢琴，我相信终有一天，我会弹一首动听的曲子。