一个超现实主义摄影师
著名摄影师的摄影风格及作品
著名摄影师的摄影风格及作品摄影作为一门艺术，有许多著名的摄影师都以其独特的摄影风格和作品成为了行业内的佼佼者。
以下是其中几位著名摄影师的摄影风格及代表作品。
1. 安塞尔·亚当斯（Ansel Adams）安塞尔·亚当斯是一位以自然景观拍摄闻名于世的美国摄影师。
他的摄影风格以高对比度、精细的细节和黑白色调为主要特征。
他最有名的作品之一是《月球和半穹》（Moon and Half Dome），这幅照片展现了优美的自然风光和巨大的山峰。
2. 安妮·莱布维茨（Annie Leibovitz）安妮·莱布维茨是一位美国女性摄影师，以其具有个性的肖像照片而著名。
她不仅拍摄过许多名人和政治家的照片，还曾为杂志和广告拍摄过照片。
她的代表作品之一是帕特里克·德梅西尔的照片，这张照片以其充满动感的方式呈现了一个特殊的场景。
3. 史蒂夫·麦科瑞（Steve McCurry）史蒂夫·麦科瑞是一位美国摄影师，以其拍摄印度、巴基斯坦、阿富汗和伊拉克等国家的照片而著名。
他的摄影风格以编组、颜色和情感为主要特征。
他最有名的作品之一是《阿富汗女孩》（Afghan Girl），这幅照片以其独特的颜色和表情吸引了全世界的关注。
4. 安德烈·科茨（Andreas Gursky）安德烈·科茨是一位德国摄影师，以其大幅、高分辨率的照片和数字图像加工技术而著名。
他的摄影风格以富有空间感和超现实主义为主要特征。
他最有名的作品之一是《蒸汽船》（Rhine II），这幅照片以其大气和幽静的氛围而著名。
以上是几位著名摄影师的摄影风格及代表作品，他们以自己独特的方式展现了摄影艺术的魅力。
浅析超现实主义摄影
Art and design ◄美术与设计浅析超现实主义摄影张伟轩(上海师范大学，上海200234)【摘要】超现实主义最早源起于绘画，但摄影与超现实主义的结合却产生了奇妙的化学反应。
摄影自诞生之f l起I就由于其自身的机械性、准确性等特点，被许多艺术家所诟病，>因而将其拒之门外。
而在二十世纪初的这些超现实主义摄影实践中，摄影师们通过自身极具主&性的创作表达，无疑有力地驳回了这些反对声。
因而，笔者认为，超现实主义摄影无疑是整个摄影史上浓墨重彩的一笔，具有里程碑式的意义。
【关键词】超现实主义摄影；苏珊•桑塔格；实验摄影【中图分类号】J40 【文献标识码】A一、超现实主义的摄影在图像艺术中，摄影通过“物体到图像”的关系取代了 绘画中“画家到绘画”的关系。
由于机械装置和化学反应所 赋予摄影那事无巨细的记录能力，以及排除了 “人”的直接 参与，这些都成为了摄影其精准、客观的有力证明。
摄影作 为一种“瞬间艺术”，通过对时间中一个点的抓取，从而拍 摄出作为“时间切片”的图像。
或许正是基于摄影的这两个 特点，在《论摄影》中，苏珊•桑塔格称“摄影有一项并不 吸引人的声誉，即它是摹仿性的艺术中最现实因而是最表面 的，事实上，它是唯一能够把超现实主义百年间宣称要接管 现代感受力的堂皇威胁兑现的艺术”。
可以将幻想和现实融为一体的摄影，无疑使其成为创作 超现实题材的理想工具。
事实上，笔者认为，以法国文艺理 论家安德烈•布列东（Andre .Breton,1896—1966)发表的 《超现实主义宣言》为起始的超现实摄影，既是偶然又是必 然。
正如前一段所提到的，摄影天生具有精确、客观的特性。
使早期的人们将视线仅仅聚焦在摄影的文献性上，而这一特 性诚然也在二战时期，伴随着小型相机的出现，被世界各地 的记者们带向了顶峰。
可是，摄影难道仅仅具有记录性吗？真的就如罗兰•巴特所说的摄影的本质就是“此曾在”吗？笔者认为，决然不止如此，这种观点显然只聚焦于物体，而忽视了作为摄影师个体的表现性。
曼雷的摄影风格
曼雷的摄影风格
曼·雷（Man Ray）是20世纪初最具影响力的摄影师之一，他的作品涵盖了多种风格和主题。
曼·雷的摄影风格非常多样化，但最为人所知的是他的超现实主义和抽象主义风格。
曼·雷的超现实主义作品通常运用暗房技术和特殊效果来创造出梦幻般的场景和形象。
他善于将现实与幻想相结合，通过运用双重曝光、拼贴、画意摄影等手法，描绘出一个独特而令人着迷的超现实世界。
他的作品充满了奇幻和神秘的元素，挑战了观众对现实的认知。
除了超现实主义，曼·雷还尝试了抽象主义风格。
他的抽象作品通过运用线条、形状、色彩和纹理等元素，创造出一种非具象的视觉效果。
这些作品展示了曼·雷对形式、构图和视觉效果的独特理解，使他的作品在摄影领域中独树一帜。
此外，曼·雷还以其对肖像和时尚摄影的贡献而闻名。
他的肖像作品捕捉了人物的独特特点和神态，展现了他对人物内心的敏锐洞察力。
他的时尚摄影作品则充满了创意和时尚感，为当时的时尚界带来了新的视觉体验。
总的来说，曼·雷的摄影风格多样化且富有创意，他的作品在摄影史上具有重要的地位。
他的超现实主义和抽象主义风格以及对肖像和时尚摄影的贡献，使他成为了一位备受推崇的摄影师。
超现实主义对当代摄影艺术的影响
超现实主义对当代摄影艺术的影响
超现实主义摄影是兴起于20世纪30年代的一种形式主义的摄影流派。
这一流派的摄影家认为，用现实主义创作方法表现现实世界是古典艺术家早已完成的任务，而现代艺术家的使命是挖掘新的、未被探讨过的那部分人类的“心灵世界”。
超现实主义摄影确实对当代摄影艺术产生了影响，许多摄影师都希望从现实世界中捕捉到超现实的题材，无论是纪实摄影，还是摄影棚摆拍。
举个例子吧。
决定性瞬间创始者布列松，善于拍摄纪实摄影，但他相当一部分作品却是通过超现实主义摄影的方式来表达的。
布列松非常善于在现实生活中捕捉超现实主义题材。
1937年，英王乔治六世举行加冕典礼，世界各国记者都将镜头对准加冕仪式，而布列松却捕捉到观众里一个躺在报纸堆里熟睡的男人，由于深夜出来占地，熬得又累又困，等仪仗队到来时已经坚持不住，呼呼大睡。
在现实生活中捕捉到超现实的一面，正是超现实主义对他的影响。
而当今许多摄影师也都深得超现实主义影响，以各种夸张的手法，匪夷所思的角度来捕捉各种现实题材。
摄影资料
FSA摄影纪实运动影纪实运动：美国持续整个30年代的经济萧条和中部农业地区的大干旱，造成严重饥荒。
农民不得不往西迁移，为此美国设立了一个“迁居管理处”，去帮助这些不幸的人。
1935年改名为“农业安全局”简称FSA。
FSA先后雇用了30名摄影家，把农村贫民窟的悲惨情况拍摄下来，同时还拍摄了一些有钱的美国人在迈阿密度假的情况，作为两种生活方式的鲜明对比。
这就是美国摄影史上著名的FSA摄影纪实运动。
这使得农业安全局在很大程度上成为因社会纪实摄影成名的社会机构。
美国早期写实摄影运动南北战争特定的历史环境使美国的摄影发展选择了异于欧洲的道路。
这次战争为纪实摄影的发展创造了良好的时机。
这一时期分为南北战争中的写实运动和西部开发中的地理学风光摄影。
南北战争中的写实运动以还原社会现实，为历史留下点什么为目的。
早期的是孤立创作的，社会地位处于边缘状态，隔绝于美学意义，有不同于画意摄影的艺术价值。
代表摄影家有布雷迪以及他的助手加德纳和他的学生奥沙利文。
地理学风摄影是在西进运动中政府组织摄影队对西部未开发地区的资源和未知的见闻进行记录的背景下产生发展的。
它的创作题材扩展到自然风光的记录上，使写实摄影得到了新的扩展空间。
代表摄影家有杰克逊和奥沙利文。
历史意义：美国的写实主义摄影运动是随美国特定的历史环境的变化而发展的。
无论是初期对社会现实的关注还是后来具有地理学特色的写实风光摄影，对现实环境中的事物的观察、记录、思考和感悟构成了他们风格的主要特色。
这一传统贯穿了美国摄影历史发展的全过程，也是当今摄影纪实主义风格创作的始祖。
美国摄影家对摄影的历史价值和美学价值的大胆探索为世界摄影史留下浓重的一笔。
纪实摄影发展的阶段及各阶段的特点。
世界纪实摄影发展经历了美国早期写实摄影运动，欧洲早期写实摄影，社会纪实摄影，《生活》杂志时期和玛格南通讯社。
美国早期写实摄影运动经历了南北战争中的写实运动和西部开发时期的地理学风光摄影。
代表家分别有布雷迪和杰克逊。
影人：超现实主义摄影家李·米勒
超越自我，不断突破自己，这种超人哲学是二十世纪大哲学家尼采提出的一种哲学思想。
而在摄影界，有一位超越现实的践行者，她就是美国名模兼摄影师李·米勒Lee Miller（1907-1977)。
李·米勒（1907-1977)是位罕为人知的摄影家，曾做过曼·雷、史泰钦等摄影大师的模特，和曼·雷共同发明了中途曝光法，其发明影响了整个20世纪的摄影技术发展。
作为二战中唯一的随军女记者和摄影师，晚年却把所有底片资料藏在阁楼上，直到去世整理其遗物，才揭开摄影史上的一段传奇。
米勒出生在一个中产阶级的富裕家庭，她天生丽质，从骨子里散发出的气质中不难感觉到她的优雅与洒脱，她的父亲既是个机械工程师，也是个狂热的业余摄影师，很小的时候，父亲给她介绍了摄影工艺，并用柯达布朗尼相机教会了她基础的摄影知识，米勒也从小就是父亲的模特。
米勒自小就很叛逆，十几岁的时候，就087PHOTOGRAPHER 影人超现实主义摄影家李·米勒被描述为“一个无所事事的学生和活跃的叛乱分子”。
她被私立学校开除过，转而对剧院产生了兴趣。
于是，她到巴黎的一所剧院学习了七个月的照明和布景设计，但仅仅是照明布景这类玩意儿，还是让她感到空虚。
1926年，19岁的米勒回归校园，在纽约的艺术学生联盟里学习绘画。
在此期间，米勒开始了自己的职业模特生涯。
她经常给著名的摄影师摆姿势拍照，做一个永远被困在镜框里被各种男人注视的模特，米勒的内心是不愿意的。
与其做一个模特，在相框以外记录着现实的力量更让她向往，于是，米勒立志要成为一个摄影师。
1929年，米勒离开纽约前往巴黎寻找雷，第一次见面，米勒就对雷说：“我叫李·米勒，我是你的新学生。
”雷感到莫名其妙，他表088示他不带学生，并且他要离开巴黎去度假。
但米勒坚定地答道：“我知道，我要和你一起去。
”雷走到哪里，米勒就跟到哪里。
随后的日子里，雷接受了米勒，而且米勒还成为了雷的模特、摄影学生以及浪漫的伴侣。
论布列松的摄影特色
论布列松的摄影特色作者：王德雨来源：《现代交际》2015年第02期[摘要]布列松作为摄影师，对摄影的特性有着独到的个人见解，摄影在他的手中不仅仅是一种记录的工具，更是充满艺术表现力的手段。
“决定性瞬间”理论是其非凡创造力的体现以及对于摄影史才华横溢的贡献。
生活的片段经过他的观看与定格，成为独立的、纯粹的视觉美的享受，他对瞬间造型的把握，对画面中各元素在几何构成上的关系处理，成就了布列松式的摄影语言。
所有看上去对自身的种种限制，都是为了得到更加自由的摄影艺术作品。
[关键词]布列松摄影决定性瞬间几何体系[中图分类号]J405 ;[文献标识码]A ;[文章编号]1009-5349（2015）02-0066-02学摄影的人嘴上经常挂着一些摄影师的名字和摄影专业名词，以显示自己在摄影上的学识。
亨利·卡蒂埃-布列松以及他的“决定性瞬间”理论就是经常被摄影人提及和引用的，但是，很少有人深度思考这个理论到底意味着什么以及布列松式的摄影有什么特点。
布列松，法国摄影师，被公认为摄影史上的巨匠人物，富有传奇色彩的一生拥有各种头衔：纪实摄影大师、现代报道摄影之父、超现实主义摄影师、堪的派摄影大师、人情味摄影师、街头摄影家、艺术家等。
也有人把布列松喻为摄影史上的一道门，只要学摄影，就应该从布列松的门下通过。
布列松显然已经成为一种符号，摄影的代名词。
甚至亨利·卡蒂埃-布列松（Henri Cartier-Bresson）的名字缩写H.C.B都有人拿来做文章，彩色摄影师恩斯特·哈斯（Ernst Haas）就曾说：“今天，假如有所谓基础摄影的ABC入门的话，那高级摄影就等于HCB。
”任何一门艺术的学习都要在历史中汲取营养，传承发展，高谈阔论一些摄影名家和专业名词无益于对摄影的学习，只是解放了茶余饭后的唇舌。
相比之下，对布列松的摄影作品，以及作品中体现的摄影师对于摄影的坚持与控制了解甚少。
研究布列松的摄影特色，还是应该回到他对摄影的认识以及他的摄影作品上来。
美国著名摄影师ManRay
美国著名摄影师Man Ray曼·雷美国著名达达和超现实主义艺术家，是一个擅长绘画，电影，雕刻和摄影的艺术大师。
但是，他却是有史以来第一个摄影作品价值远远超越其他所擅长的艺术型式的艺术家，是世界上一位伟大的摄影师。
下面就由小编来介绍一下这位伟大的摄影师Men Ray.曼·雷的生平简介背景曼·雷于1890年8月27日出生于美国费城布鲁克林区一个犹太家庭，父亲原籍俄罗斯，移民美国后以制衣为业，母亲是芬兰人，他是上世纪二三十年代巴黎摄影界的风云人物。
曼·雷去世之后，国际摄影界却没有忘记这位多才多艺的老人。
1961年，威尼斯双年摄影展奖给他一块金牌。
其中包括1959年在伦敦现代艺术学院、1962年在巴黎、1966年在洛杉矶艺术博物馆，以及1971年到1972年间在欧洲举办的巡回展览。
1966年，联邦德国摄影学会给予其文化奖。
与此同时，欧美各国不断举办他的个人影展。
于1982年在巴黎的蓬皮杜中心举办过一次规模宏大的曼·雷纪念展，展出了他的300多幅摄影和绘画作品。
1988年，在美国国立艺术博物馆举办过曼·雷的生平回顾展。
生平曼·雷一生有44年居住在法国，巴黎是他主要的创作基地。
因此，给人以“法国人”的错觉。
确切地说，他是一个在法国进行艺术创作的美国人。
曼·雷1908年到1912年先后在纽约的国家设计学校(NationalSchoolofDesign)以及FranciscoFerrerSocialCenter学习各种不同的艺术表现观念和技法。
1911年起他开始了绘画和雕刻的创作，他不但是美国第一批的抽象画家之一，也和当时欧陆的前卫艺术接触频繁。
1915年他开始转向尝试摄影艺术，并且同时还身兼摄影、电影以及绘画的工作。
他更是1917年纽约达达(Dada)艺术的奠基者，直到1921年他搬离纽约前往巴黎，从此以后毕生主要的工作均以摄影为主，有人因此把他归类于超现实主义(Surrealism )的摄影大师，但是以Man Ray毕生的成就和散发的艺术气质而言，远远超越超现实主义的范畴。
论超现实主义摄影
论超现实主义摄影作者：王思媛来源：《大观》2019年第01期摘要：超现实主义摄影是兴起于20世纪30年代的一种形式主义的摄影流派。
超现实主义摄影师注重潜意识的表达，他们将潜意识的思想和下意识的行为作为他们的表现对象，不受传统美学和道德的影响。
其中最为观者所熟知的便是超现实主义摄影的拓展者——曼·雷。
他通过超现实主义摄影，将自己的生活经历和情感经历积淀的潜意识展现在我们的面前，向我们阐述他认知的真实。
他大胆探索，不拘泥于表象，拓展超现实主义摄影的发展。
通过曼·雷的摄影作品探究超现实主义摄影，它是一种直觉，是主观的，拥有无限的可能。
关键词：超现实主义摄影;潜意识;曼·雷一、超现实主义摄影（一）超现实主义艺术的起源与影响人类在物质生活中处于两个极端的时候，对于精神生活会有着无比强烈的需求。
超现实主义便产生在处于底部极端并且丧失原本精神寄托的人们手中。
在第一次世界大战中，传统的思想和文化未能使人民免经战争的破坏与荒谬，他们不得不在精神上寻求更多的抚慰，遭受质疑的理念失去了吸引力，人们需要有新的信念指引他们前行。
《超现实主义宣言》作者安德列·布勒东说：“我相信将来会有解决在表面上被认为矛盾的两个状态，那便是梦与现实的统一。
可以说是绝对现实的一种，也可以说是超现实的一种。
”超现实致力于对求取人间想象力的解放。
不管是在文学，还是美学等其他方面，人们都不应故步自封，而应不受任何传统美学与道德影响，真实地为思想记录。
直觉、潜意识、本能反应，以及我们的幻觉，都是超现实主义创作的灵感来源。
无可厚非，在弗洛伊德的精神分析学说的促进下，人们开始尝试进行本能的创作，在非理性的情况下展示真实的自我。
于是，开启了人类探索更深层次精神领域的大门，拓宽了我们的创作空间和敢于想象的可能性。
超现实主义运动用其他艺术流派不曾展露的梦幻、自由、神秘的艺术理念，对20世纪美学产生了重要影响。
（二）超现实主义摄影1.超现实主义摄影的表达形式20世纪30年代，超现实主义摄影发起了对人类原有经验的探索与质疑。
安德烈·柯特兹：超现实主义摄影家
安德烈·柯特兹：超现实主义摄影家安德烈·柯特兹是最早手持小型相机走街串巷捕捉影像的摄影家之一。
柯特兹也是较早尝试影像变形的摄影家，他创作的人体摄影颇得超现实主义神韵。
安德烈·柯特兹简介美国摄影家安德烈·柯特兹(André Kertész，1894-1985)出生于匈牙利的布达佩斯，作为现代摄影的一个拓荒者，柯特兹的照片与人生姿态一直给全世界的摄影家带来回味无穷的启示。
各种截然不同的表现手法都可以在他的作品中找到影子。
柯特兹的每张照片都充分显示了艺术与生活融合一体的境界。
他喜用多变的几何形态来结构画面弥补着痕迹地通过各种形态的交相辉映，强化光影的神秘效果，在人们的心中引发一种微妙、丰富的心理感受。
布拉塞曾说：“柯特兹有着对伟大的摄影家来说必不可少的两个资质：即对这个世界、人与生命体的不倦的好奇心和精致的造型感觉。
”20世纪20年代，柯特兹开始在巴黎从事摄影30年代后移居美国，经历了漫长的职业摄影生涯。
他创作的题材非常广泛，从新闻摄影到为《时尚》杂志拍摄专业的室内照片。
他的风格既反映了欧洲新闻照片发展的轨迹，又体现了注重构思和空间的新视野运动的特点。
柯特兹摄影的目的不是为了记录重大事件，而是要表现普通事物的令人感到意外的一面。
因此，柯特兹作品的一大特点就是画面的趣味性和完美的几何结构，使其与内容居同样重要的地位。
柯特兹擅长利用造型和空间，并且对平面表现中的构图非常感兴趣。
他还利用物体的边角、影调和线条为其影像构图，以其非常敏锐的眼光，观察到任何意外的生动细节并组合成精彩的画面。
柯特兹的作品不太注重捕捉精彩的瞬间，而是强调个人的表现，并且大多带有实验的性质。
他拍摄的曾创下拍卖作品价格新高的与画家蒙德里安相关的照片，就带有强烈的实验性风格和构成意味。
他告诉朋友说：“我出于本能的直觉试图在我的照片中展示出画家的精神力量，这就是他的简洁、简洁、简洁”。
曼·雷丨实验主义摄影大师
曼·雷⼁实验主义摄影⼤师他是个⼯作狂，他的⼯作室⾥⾛出过数位摄影⼤师。
他思想前卫⽽不羁，曾参加达达主义、⽴体主义、超现实主义等多个艺术运动，影像作品打通了先锋艺术、时尚和上流社会界限。
他⼀⽣都在不懈地进⾏创造性的艺术实验，作品鲜活有趣，富有创新和前卫的⽓息，焕发着恒久的魅⼒。
在艺术界我们很难给这位摄影⼤师⼀个准确的定位，因为他的艺术创作经历横跨欧美，不仅染指建筑与⼯业设计，还是美国“达达主义”运动的主要发起⼈和法国“超现实主义”艺术的推动者，他是上世纪⼆三⼗年代巴黎艺术圈⾥“跨界”的红⼈——尽管他⾃20年代起⾄40年代⼀直以摄影为⽣，他也⼀直坚持绘画创作。
在那个时代的所有现代主义摄影家中，只有曼·雷是完全以拍摄肖像为主业的，他在肖像艺术中的现代主义探索成了那个特定时期的典范。
他的创作集绘画、雕塑、装置、电影和摄影为⼀体，集众多的“主义”和“流派”为⼀⾝，是⼀个不折不扣的“跨界”艺术家。
吉吉曼·雷最喜欢的⾊彩是⿊⽩灰，他最喜欢的情⼈也是给他灵感最多的⼥⼈是最放荡不羁的吉⼘赛⼈吉吉，他最喜欢待的地⽅是巴黎塞纳河左岸的蒙巴那斯。
曼·雷的⼀⽣中有44年旅居在法国，巴黎是他最为主要的创作基地。
曼·雷在⼀般⼈的眼⾥，就是⼀个地道的法国⼈，甚⾄有时要⽐法国⼈更像法国⼈。
曼·雷的魅⼒不仅仅体现在其丰富多彩的艺术实践上，还在于他对于年轻⼈的表率与⽰范作⽤，曼·雷摄影⼯作室在事实上已经成为了艺术家的摇篮，他的助⼿如贝伦妮丝·阿波特（Berenice Abbott）、李·⽶勒(Lee Miller)、J·A·布⽡法尔（J.A.Boiffard）和⽐尔·布兰特（Bill Brandt）等，由于他们先后不同程度地受到曼·雷艺术创作⽅式直接的或间接的影响，⽇后均成为了摄影界中的翘楚与精英。
Le Violin d\Ingres 安格尔的⼩提琴 1924摄影师曼·雷⼤事记1890年8⽉27⽇曼·雷出⽣于美国费城的⼀个犹太家庭。
浅析超现实主义摄影
浅析超现实主义摄影作者：张伟轩来源：《中国民族博览》2020年第08期【摘要】超现实主义最早源起于绘画，但摄影与超现实主义的结合却产生了奇妙的化学反应。
摄影自诞生之日起，就由于其自身的机械性、准确性等特点，被许多艺术家所诟病，也因而将其拒之门外。
而在二十世纪初的这些超现实主义摄影实践中，摄影师们通过自身极具主观性的创作表达，无疑有力地驳回了这些反对声。
因而，笔者认为，超现实主义摄影无疑是整个摄影史上浓墨重彩的一笔，具有里程碑式的意义。
【关键词】超现实主义摄影；苏珊·桑塔格；实验摄影【中图分类号】J40 【文献标识码】A一、超现实主义的摄影在图像艺术中，摄影通过“物体到图像”的关系取代了绘画中“画家到绘画”的关系。
由于机械装置和化学反应所赋予摄影那事无巨细的记录能力，以及排除了“人”的直接参与，这些都成为了摄影其精准、客观的有力证明。
摄影作为一种“瞬间艺术”，通过对时间中一个点的抓取，从而拍摄出作为“时间切片”的图像。
或许正是基于摄影的这两个特点，在《论摄影》中，苏珊·桑塔格称“摄影有一项并不吸引人的声誉，即它是摹仿性的艺术中最现实因而是最表面的，事实上，它是唯一能够把超现实主义百年间宣称要接管现代感受力的堂皇威胁兑现的艺术”。
可以将幻想和现实融为一体的摄影，无疑使其成为创作超现实题材的理想工具。
事实上，笔者认为，以法国文艺理论家安德烈·布列东（Andre·Breton，1896—1966）发表的《超现实主义宣言》为起始的超现实摄影，既是偶然又是必然。
正如前一段所提到的，摄影天生具有精确、客观的特性。
使早期的人们将视线仅仅聚焦在摄影的文献性上，而这一特性诚然也在二战时期，伴随着小型相机的出现，被世界各地的记者们带向了顶峰。
可是，摄影难道仅仅具有记录性吗？真的就如罗兰·巴特所说的摄影的本质就是“此曾在”吗？笔者认为，决然不止如此，这种观点显然只聚焦于物体，而忽视了作为摄影师个体的表现性。
一个疯狂摄影师的“启示录”
一个疯狂摄影师的“启示录”【摘要】这篇文章将介绍一个疯狂摄影师的“启示录”。
在我们将探讨梦想中的疯狂摄影师以及摄影师的自我启示。
接着在将深入探讨摄影师的疯狂创意、极限追求、孤独与坚持、技术突破以及面对的挑战。
在我们将总结疯狂摄影师的启示、价值以及影响。
通过这篇文章，读者将了解疯狂摄影师所具备的独特品质和精神，以及他们在摄影领域中的重要作用和影响。
摄影师的疯狂创意和极限追求激励着人们不断前行，而摄影师所面临的挑战也展现了他们不断突破自我的勇气和毅力。
最终，疯狂摄影师带给我们的不仅是美丽的视觉享受，更是对生活和艺术的深刻思考和启示。
【关键词】疯狂摄影师、启示录、梦想、创意、追求、孤独、坚持、技术突破、挑战、价值、影响。
1. 引言1.1 梦想中的疯狂摄影师梦想中的疯狂摄影师，是一个孤独而坚定的灵魂，在这个世界上，他们总是显得格格不入。
他们的眼睛里装着追求完美的热情，他们的心灵里燃烧着对艺术的无尽渴望。
他们不满足于平凡的生活，他们渴望用镜头捕捉那些让人心动的瞬间，用影像诉说内心最深处的故事。
梦想中的疯狂摄影师并不认同世俗对美的定义，他们追求的是真实而独特的视角。
他们愿意在深夜漫步街头，寻找那些被忽略的细微之美；他们乐于冒险探索未知的领域，挑战自己的创意极限。
对于他们来说，摄影不仅是一种技术，更是一种表达自我的方式，是与世界对话的渠道。
梦想中的疯狂摄影师并不畏惧孤独与困难，他们坚信只有坚持不懈地追求自己的梦想，才能获得真正的成就。
他们愿意孤独地独自面对挑战，勇敢地拥抱失败与挫折，因为他们知道，只有通过不断地挑战自己，才能不断成长，不断超越自我。
梦想中的疯狂摄影师，他们或许看起来有些另类，有些疯狂，但他们正是这个世界上的奇迹和骄傲。
他们用自己的独特视角和创意，为这个世界增添了无尽的色彩和可能。
他们不仅是摄影师，更是艺术家，是梦想的追逐者，是永不停歇的探索者。
他们的存在，让我们看到了梦想的力量，让我们相信，只要我们坚持追求内心的热情与理想，就能创造出属于自己的“启示录”。
世界摄影大师简介
世界摄影大师简介1、达达曼雷Man Ray美国1890-1976达达主义的奠基人，先锋摄影大师，诗人，雕塑家，超现实主义电影的开创者。
他还是有史以来第一个摄影作品价值远远超越其它艺术形式的艺术家。
1911年起从事绘画和雕刻创作，作为美国第一批抽象画家之一，曾和当时欧洲的前卫艺术家频繁接触。
1915年开始摄影艺术。
他主张对艺术形式进行探索和创新，反对对旧有形式和主题的模仿与重复。
曾以一种轻松的游戏心态来进行摄影实验，发明了中途曝光、物影照片等技法，被后人称为“雷照片”。
这些探索除了在语言技法上别开生面以外，在观念上也非常切合达达主义与超现实主义的反艺术精神。
2、尤金.阿杰Eugene Atget法国1857-1927曾当过演员，学习过绘画，但都没有成功。
直到40岁才开始从事摄影，1899年成为一名摄影师。
他的摄影风格独特，不喜欢拍摄正规的人物肖像，而擅长拍摄街头的人物。
他用7乘9.5英寸底版的木制相机，在巴黎拍了30年，完成《旧巴黎的艺术》1053张照片、《独特的巴黎》1568张照片，两部宏大的专题摄影集。
1927年在贫困中默默无闻地死去。
他所拍摄的大量作品，奠定了他“法国纪实摄影之父”的地位。
尤金. 阿杰是一位对曼雷影响很大的摄影家，同时又是一位充满矛盾的摄影家。
一方面，他在摄影史上被视作纪实摄影师；另一方面，他的很多作品中又具有构成主义的特征，强调历史与对地点的尊重。
同时，他的摄影画面充满神秘色彩，又常常被划入超现实主义范畴。
3、Gyula Halasz Brassai法国1899-198420世纪最重要的摄影家之一，于上世纪30年代初就奠定了不可动摇的摄影大师地位。
20年代，他经常光顾康定斯基等艺术家常去的地方。
他于1933年出版的画册《巴黎之夜》轰动一时，被著名作家亨利. 米勒称为“巴黎之眼”。
他说：“摄影带给我们的是什么呢？是一口新鲜的空气，一股强烈的现实味道，它给予事物的几乎是一种实体的表现。
森山大道：摄影是光与时间的化石
森山大道：摄影是光与时间的化石【摘要】森山大道是一位日本著名摄影师，被誉为摄影界的“超现实主义者”。
他的作品充满了对光与时间的特殊理解与表达。
通过捕捉光线与时间的奇妙变化，森山大道创造出独特的摄影风格，深深影响了后人。
他的作品中常常出现光线透过物体的效果，让观者感受到时间的流逝与生命的脆弱。
森山大道善于运用不同的拍摄手法和后期技术，创造出独特的光影效果，使摄影作品成为了光与时间的化石，永恒地定格了那一刻的美感。
通过他的作品，我们看到了光与时间在摄影中的独特魅力，感受到了时光流逝的美丽与忧伤。
森山大道的作品深刻地体现了光与时间的特殊意义，显示出摄影是一种展现光与时间关系的艺术形式，并让人们感悟到时光的无常与宝贵。
【关键词】森山大道、摄影风格、影响、作品、创作理念、光与时间元素、处理手法、化石、特殊意义、艺术形式、美感、时光流逝。
1. 引言1.1 森山大道：摄影是光与时间的化石森山大道，是日本著名的摄影师，他的作品被誉为“摄影是光与时间的化石”。
在他的镜头下，光与时间的交织呈现出独特的美感和韵味。
他的摄影作品不仅是静态的影像，更是时间的流逝和光线的变化的凝固。
森山大道的作品中，光线的运用十分精妙，不仅控制了画面的明暗层次，还赋予了作品独特的氛围和质感。
时间是森山大道作品中的另一个重要元素，他善于捕捉瞬间的美丽，让时间凝固在画面中，观者仿佛可以感受到时间的流逝和变化。
在森山大道的作品中，时间不再是一种线性的概念，而是被切割、凝固、重复，呈现出更加复杂而富有层次感的表现形式。
2. 正文2.1 森山大道的摄影风格与影响森山大道的摄影风格深受美国摄影大师威廉·克莱恩（William Klein）和罗伯特·弗兰克（Robert Frank）等人的影响，但他又将自己独特的东方审美融入创造出了独具个性的风格。
他以街头摄影见长，捕捉了东京繁华都市中的人们和场景，展现了一种现代化与传统文化的碰撞之美。
欧文·布鲁门菲尔德：20_世纪时尚界薪酬最高的摄影师
在布鲁门菲尔德的镜头下，女性的魅力在特定的场景中被无限放大，看上去拥有无与伦比的活力、愉快、健壮、踊跃，而不是苍白和肤浅。
欧文·布鲁门菲尔德，纽约，1950年欧文·布鲁门菲尔德是一位摄影创新者，在色彩和灯光的使用方面都做出过创造性的贡献。
他的作品风格受到了达达主义的影响，充满了视觉冲击力，拍摄手法也具有先锋性。
布鲁门菲尔德在作品中糅杂着达达主义，传递着对现有艺术的“侵犯”，表达着对现有不公的愤怒。
欧文·布鲁门菲尔德(Erwin Blumenfeld，1897—1969)，20世纪时尚界薪酬最高的摄影大师。
他是一个反希特勒的达达主义犹太裔德国摄影师，通过摄影表达对希特勒的深恶痛绝。
童年时代，布鲁门菲尔德唯一的娱乐便是用叔叔送给他的相机拍照片，相机所营造的黑白光影成为布鲁门菲尔德最能获得安慰的消遣。
在摄影圈里崭露头角1914年，第一次世界大战开始，布鲁门菲尔德应征入伍，在德国东部城市茨维考度过一段地狱般的训练时光后，被送到了法国前线。
在战场上，他为德军开救护车运送伤员，有时就直接背尸体。
这是一段他不愿意回忆的“黑色时光”。
一战后，他移居到荷兰。
在阿姆斯特丹站稳脚跟后，布鲁门菲尔德在那里开了一家名为“狐狸皮具公司”的手袋店。
过了不久，残酷的现实就告诉了布鲁门菲尔德，他不是一个经商的料儿。
生意惨淡，处于关门的边缘，为了挽救一下生意，布鲁门菲尔德想起自己的看家本领——拍照，所以他开始了买手袋送“个人写真”的服务。
于是，手袋店里的那间小小办公室变成了布鲁门菲尔德的第一个摄影工作室。
这一促销策略，虽然有点效果，但不明显，逐渐地手袋生意实在做不下去了，但来找他拍照的人却越来越多。
这种情况，用中国话说就是“有意栽花花不开，无心插柳柳成荫”。
而真正让布鲁门菲尔德在摄影圈里开始崭露头角的起因是一个法国画家、雕塑家乔治斯·卢奥的女儿吉娜维芙。
一次偶然的机会，他为吉娜维芙女士拍了一张比较抓人眼球的肖像照，对于这张照片，吉纳维芙特别满意，她对布鲁门菲尔德的摄影才华大加赞赏，所以将布鲁门菲尔德带到了巴黎。
摄影师 亨利·卡蒂埃·布勒松
亨利· 卡蒂埃· 布勒松
Henri· cartit· Bresson
亨利· 卡蒂埃· 布勒松儿童时代即酷爱美术，曾从师画家戈登奈和 安德烈· 洛特。1922年至1928年，他在中学学习时间，有一架布朗尼 照相机。起初只是为了拍些假期生活照片，以便丰富他的纪念相册。 不久开始认真地通过取景框观察一切，从而为他心目中的小小世界逐 渐变得宽阔起来。
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由于格里菲斯的巨片《纽约的秘密》、斯特罗海因的处女作《破 碎的百合花》、艾森斯坦的《猛禽》等电影的影响，加上不久他又结 识了一些摄影家，并为他们的摄影作品所倾倒，从此产生了献身于摄 影艺术的信念，并以进行摄影、自己亲手冲卷和洗印照片等项工作为 极大的乐趣。 布勒松先生真正从事摄影活动是在30年代初期，即 1931年。当时，22岁的布勒松去非洲象牙海岸，并在那里买了一架相 机进行拍摄。但一年以后，当他正要回国时才发现这架相机的镜头已 经发霉，结果所拍照片全部报废。后来，他发现并购买了莱卡相机。 从此这架莱卡相机成为他时刻不离的终生伙伴。 1973年以后，布勒松重操画笔，但有时也拍摄一些摄影作品。 1980年夏，布勒松正式退出摄影界。他一生从事摄影半个多世纪，足 迹遍及世界各地，拍摄了大量精彩照片。但是，他从来不允许别人拍 摄他本人的照片，他的意愿似乎是，永远躲在人们看不见的地方，描 绘和刻画芸芸众生。
AndreasGursky安德烈亚斯·古尔斯基
AndreasGursky安德烈亚斯·古尔斯基上帝视角/ 从自然图像到城市景观，从人文到商业，安德烈亚斯·古尔斯基（Andreas Gursky）站在摄影现有的平台中开拓了新的视界，他用自己的眼光、观察并构建了新的画面语言。
古尔斯基1955年生于德国莱比锡，现在工作和生活在杜塞尔多夫，就读于杜塞尔多夫艺术学院的他，现在是该校的教授。
You never notice arbitrary details in my work. On a formal level, countless interrelated micro and macrostructures are woven together, determined by an overall organizational principle.— Andreas Gursky惯用大画幅的古尔斯基，展现了极端清晰的世界，全景深的高清晰显露出超现实主义的光华。
他用摄影记录诸多场景，利用鸟瞰的视角去展现如上帝般的视角，不仅是广阔的场景，拍摄细节时，亦是举重若轻。
古尔斯基的照片，在不断的提醒我们视觉的局限性。
清晰的画面与巨大的信息量，让我们在他的画面中意识到人类视觉只能看世界到很少的一部分。
巨大的画幅之外，古尔斯基还善于重构照片，也就是所谓的“修片”。
在这一点上，不同的人有不同的理解，比如上图，这是他的知名作品莱茵河II，这幅拍卖了430万美金的作品，经历了几乎翻天覆地的PS，而这一点也成为了这幅作品备受争议的重要原因之一。
摄影也好、截屏也好、重构也好，修片也好，一切都是艺术家创作的一部分而已，因此也不必纠结。
摄影的局限性，取决于使用者。
摄影一定要有相机么？确实有无相机摄影的技术。
那摄影就一定要有实景么？毕竟现在PS也很发达。
这种局限其实与技术无关，只与表达有关。
无论如何，首先把想展现的、想表达的画面实现出来。
我在网络收集了他的作品集，以打包供大家下载欣赏。
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一个超现实主义摄影师
若你喜欢怪人，其实她很美
块状鳞片清晰可见，一条暗绿色的蛇盘旋在模特肩上，蛇头支起，和人的右眼重叠，模特右边脸颊覆满生长在阴暗处的苔藓，暗绿色蔓延到眼睑和瞳孔，几乎分不清是人是蛇;姣好的S型脖颈，火烈鸟弯曲的喙盖住人的鼻子，将暗红色的唇一分为二，玫瑰色的羽毛，似羞怯地依偎着紫红色长发的模特，粉色眉毛、金色瞳孔，人和火烈鸟的搭配奇异温柔;暗绿色的长发、眉毛和深绿嘴唇，模特暗绿带黑的瞳孔，漩涡般神秘，一只变色龙攀附在模特右脸，后脚陷进了毛发，脑袋靠在眼窝，尾巴卷了两个圈，落在模特锁骨。
这些都是匈牙利艺术摄影师弗洛拉・波西女士创作的Animeyed系列作品。
这个系列的模特都是波西自己，她选择狗、鸽子、金鱼、乌鸦等不同的动物，相应改变发型和妆容，运用后期修图，完成人和动物的巧妙融合。
画面里物种之间的差异极大弱化，视觉表现让人心生震荡。
这些令人惊叹的作品需要背后大量的时间精力，“每件作品需要15至20小时，化妆、头发、拍照、研究照片和处理。
每个作品修图大概需要12小时。
”灵感迸发于一次她和宠物
狗的自拍，突然间她意识到狗的眼睛和人眼惊人相似。
“我试图探索人的身份，什么使我们成为人类，以及动物与人之间的关系。
它们存在本身和外表都是美的。
人们喜欢美的身体和面孔，但在我看来，人类之外的物种不太受赞�p，所以我想引起人们对它们独特外表和存在的注意。
”
24岁的波西已经在欧洲和美国等地举办过国际个人展，她独特的艺术创意赢得了多个奖项和好评，最引人注目的是参与了萨奇画廊的“Continental Shift”群展。
她的作品还在2014年被选用为Adobe Photoshop CC 2014的启动画面。
波西5岁的时候就想成为一名艺术家，“当我还是一个女孩的时候就做艺术家的事情：素描、绘画等等。
”萨尔瓦多・达利等画家最初启发了她，但随后她的兴趣转向了摄影。
“我的父母让我做这些事情，我真的很感激，因为这些是我职业生涯的开始。
”
波西的第一部摄影作品是抽象派拼贴画。
“我最喜欢照片处理的事是，我可以创造不存在的东西……那些在物理上不可能存在的。
” 她对超现实的爱都反映在她的作品里，“我不喜欢现实，我想伪装。
摄影对我是最好的媒介，表达我的感受，创作幻象。
”她的超现实主义作品蕴含身份、关系、情感和梦境等主题，捕捉人心的脆弱与坚强，比如欲望和迷失，并擅长用神秘巧妙的隐喻表现，营造一个幻想的世界。
波西作品中的模特大都是她自己，“尽管这意味着经常工作到凌晨两点，但能更容易地表达自己的理念和想象”。
除了Animeyed系列，波西创作的Siamese系列将两个自己以奇怪和神秘的方式融合在一起，像生物学上的连体双胞胎，却有着比现实更奇异的交汇。
面部、颈部、肩膀、胸部的相交―有的拥抱着融合，其中一个她回转过脸，一只眼冷冷地审视;有的脸对脸，面容完全空白，像被彼此吞噬。
暗色调的画面，裸露的躯体，形成感性而奇异的混合。
她想展示两个自己在善与恶、冷静与逃避之间的斗争。
Stockify系列展示了扭曲的时尚模特肖像：变形的脸、完全空白的眼眶、古怪的眉形和嘴形、突兀的额头等等。
她不喜欢模特的“完美”照片：重复的眼睛、扭曲的骨骼结构、水润的嘴唇。
“美不足以让我感兴趣。
我喜欢瑕疵，就像我喜欢超现实主义一样。
这些照片是我的小怪物，没人愿意看起来像它们，因为它们是完全独特的。
”
Coffee universe系列则描绘了一个沉浸在旋转的咖啡球体中的世界，纽约大厦的人，透过窗户，入目的天空是牛奶咖啡漩涡，三个工业烟囱背后的咖啡云，可以清晰看到翻滚起的水浪，野外吃草的马背后，咖啡和牛奶似烟云缠绕，一望无际，咖色浓郁细滑，温暖而梦幻。
波西创作的作品，女性往往呈现出复杂的混合体：坚强无畏，脆弱，或变成怪物，被困在衣架的衣服里，被羽毛覆
盖，或被花掩埋。
“我的作品往往是女性的身体，我躲藏起来，露出眼睛或脸，只留下女性形象，探索女性代表的问题以及身体与自我之间的关系。
”。