交响乐论文

一、学习目的
通过老师讲解从巴洛克时期至浪漫主义时期的欧洲音乐及其代表性人物的经典交响音乐和中国传统音乐的审美特征，从中得到自己的感想和心得，提高自身音乐审美能力和音乐学习兴趣，进而发展逻辑思维和创造性思维能力并建立良好的人生观和世界观。

二、学习主题
交响乐又称为交响曲，是采用大型管弦乐队演奏的鸣奏曲。

交响乐主要是指交响曲、协奏曲、乐队组曲、序曲、和交响诗五种题材。

但是其范畴也时常扩展到一些各具特色的管弦乐曲，如交响乐队演奏的幻想曲、随想曲、叙事曲、进行曲、变奏曲和舞曲等，此外，交响音乐还包括标题管弦乐曲。

音乐鉴赏是对音乐内涵的鉴赏而音乐赏析是主要针对音乐的形式非专业的赏析，是站在音乐面前有自主能力的人经过思想启蒙，在赏美中不受到他人的摆布的一种赏析。

所以交响乐赏析就是个人不受到他人影响左右对交响音乐之美的理解和体悟。

三、内容
我是一个平时喜欢听音乐的人，我认为从音乐当中你可以得到心灵的沉淀，音乐可以使你原本低迷的心情变得高亢，音乐可以使你的喜悦传播。

在这学期课上我学到了从巴洛克时期到浪漫主义时期的音乐和中国传统音乐的审美特征等。

老师以巴洛克时期音乐拉开交响乐赏析课的序幕，艺术具有双重品格即感性和理性，是表现我们对神的情感，把自己放得渺小，更敬畏自然，在上帝面前人人平等，就音乐论音乐。

巴罗克建筑风格表现为豪华、宏伟、壮观和富于精雕细刻的装饰性，散发着一种健康而又铺张、放纵的活力，具有高昂的气度、神秘的狂热和感人的情调。

而这种风格也贯穿于巴罗克音乐的精神气质中。

巴洛克风格体现科学的音乐、探索精神。

巴洛克音乐它的节奏强烈、跳跃，采用多旋律、复音音乐的复调法，比较强调曲子的起伏，所以很重力度、速度的变化。

乐句长度不一，气息较长，无论是声乐还是器乐，旋律都空前地华丽复杂，有相当多的装饰音和模进音型。

和文艺复兴时期的旋律一样，曲调的进行常常带有形象化、象征性特征。

能够给人一种振奋人心而且华丽的感觉。

巴洛克时期的代表人物有：巴赫、维瓦尔第和亨德尔。

这时期的的音乐以巴赫为典范，马不停蹄、整齐划一的节拍，阶梯式的力度变化，音响富有装饰性和神秘感，展现了我们的情感，主调与复调结合。

复调是当你要听清一条旋律充耳不闻其他声部流连忘返。

其中《D小调托卡塔与赋格》完美的展现了复调音乐之美，在最后老师给我们听了迈克尔杰克逊的Earth Song ，他在歌中表达对战争的控诉和对和平的向往,迈克杰克逊作为一代流行天王不仅让人们记住了他的太空舞步更让人们记住了他在他许多音乐作品中表达对世界和平的向往、对贫苦儿童的关爱等，这些思想引起了世界人民的共鸣，让他成为我们心中永远的无法被取代的一代天王。

接下来我们继续遨游在巴洛克时期的交响乐世界里，这次我们学习的是协奏曲。

音乐皆是人类本质精神，展示了生命超越精神之自由境界，这是这一时期交响协奏曲的最真实的体现。

协奏曲是指一件或几件独奏乐器与管弦乐队竞奏的器乐套曲，也就是两种因素既竞争又协作。

其中独奏乐器更富于鲜明的表现力、感人的歌唱性和高难度的技巧性，整个乐曲往往也具有更强的动力感和交响性。

维瓦尔第的《四季》小提琴协奏曲正是协奏曲的代表之作。

《四季》是音乐史上流行度最高的小提琴协奏曲。

并且意大利作曲家维瓦尔第本人就是音乐史上一位技艺精湛的小提琴家，同时也是小提琴协奏曲这种音乐演奏形式的发明者。

《四季》是他卷帙浩繁的小提琴作品中流行度与艺术成就最高的一部。

《四季》协奏曲采用三乐章协奏曲形式的标题音乐，，不仅在给定的十四行诗配上音乐，而且运用了不少的描写手法。

维瓦尔第在总奏与主奏交替形成的复奏形式上，巧妙地配以标题。

《春》轻快愉悦，《夏》酷热扰人，《秋》丰收欢快，《冬》寒冷温暖。

阿多诺说：“我们要有结构听音乐，当揭去音乐的面纱，站在音乐面前是自主人。

听完《四季》心中得到了舒服和轻松，伟大的作品总能引起人们的共鸣，让人陶醉其中，回味无穷，留下安静的思考。

欣赏完后巴洛克时期的音乐后我们进入了古典主义时期的音乐，一切事物都是在继承中发展，巴洛克时期的音乐是在继承文艺复兴时期的交响乐的基础上创新发展，而古典主义音乐在继承了巴洛克时期欧洲传统的复调和主调音乐的成就但又多了巴洛克时期音乐所没有的一丝理性与自然，少了一些宗教色彩。

古典主义时期的音乐也被称为“古典乐派”时期。

古典乐派的三位大师海顿（德国）、莫扎特（奥地利）、贝多芬（德国）均住在维也纳，所以也称为维也纳古典乐派时期。

维也纳古典乐派音乐构成了18、19世纪之交世界音乐文化的高峰，对后来音乐艺术的发展产生了深远的影响，所取得的伟大成就至今仍然具有无穷的生命力和强烈的艺术感染力。

古典主义音乐表现了对普遍美的思想追求，强调我们的情感而不是我的情感，是纯粹的、本质的音乐，为人的展现提供了渠道。

古典主义音乐有着高度的艺术性、深邃的思想性和寓教于乐性：其结构匀称、严谨，表现手法简洁、洗练、句读清楚、段落清晰，其精神是建立在自由、平等、博爱的思想基础之上，反映人类普遍的思想要求和追求美的观念，其情感立足于现实、积极进取、乐观向上和自信，同时注意与理智相协调，而不是缥缈虚幻或悲观失望。

由此，古典音乐被看作是高尚、健康、典雅、严肃的音乐。

这时期的三巨头海顿，莫扎特和贝多芬用深刻而又通俗易懂的作品，让这一时期开始的音乐从此走向世界。

了解到古典主义音乐后我们进入了对浪漫主义时期交响乐的学习。

19世纪的浪漫主义音乐是与青春与梦幻、梦想与激情、生与死、人类的命运、神与自然、对祖国的骄傲、对自由的期望、当时的政治斗争以及善对恶的最后胜利等重大的题材联系在一起的。

1808年贝多芬以《第六交响曲“田园”》为19世纪标题交响乐的出现做了先导，而随后，柏辽兹便以《幻想交响曲》开了标题交响乐的先河。

19世纪以前的欧洲器乐基本上是纯音乐，其语意信息淡泊，那么到了19世纪，器乐多是标题音乐或者说是文学性的，语意信息非常丰富。

即便是浪漫主义时期的纯音乐，也会使听者感受到非常清晰的情感。

这个时期艺术家的创作上都表现为对主观感情的崇尚，对自然的热爱和对未来的幻想。

艺术表现形式也较以前有了新的变化，出现了浪漫主义思潮与风格的形成与发展。

强调音乐要与诗歌、戏剧、绘画等音乐以外的其他艺术相结合，提倡一种综合艺术；提倡标题音乐；强调个人主观感觉的表现，作品常常带有自传的色彩；作品富于幻想性，描写大自然的作品很多，因为大自然很平静，是理想的境界，重视戏剧，研究民族、民间的音乐文学，从中吸取营养，作品具有民族特色。

有人说法国大革命点燃了欧洲人的浪漫精神。

这时浪漫主义音乐以它特有的强烈、自由、奔放的风格与古典主义音乐的严谨、典雅、端庄的风格形成了强烈的对比。

其旋律洋溢着抒情性，音响更强大，表情更明确，色彩绚丽，管弦乐配器日臻娴熟，几乎成为一门独立的艺术，音乐家可以象画家一样调制声音的颜色，去描绘平静的或狂暴的海洋，表现诗意般的梦幻，结构自由，奏鸣曲、交响曲为了承载更多的题材内容，增加了突然的插入、意外的对比或诗情画意的段落，以使听者能长时间奔驰在戏剧情感的颠峰，其结构变得奇异复杂而庞大。

这一时期的代表人物有舒伯特、柴可夫斯基等
阿多诺曾说过：“艺术是被挤掉幸福的展现”这两节课上我们听了莫扎特的《第四十交响曲》，歌中热情洋溢，有着充满感情化的乐念。

抒情风格加上悲怆气氛，同时又充满着愤懑激昂的精神。

我觉得这应该是古典主义和烂漫主义的过渡。

第一乐章刚给人一种痛苦的气氛，第二乐章就投下了不安的搏动底色，第三乐章则诠奏出一支昂奋有力的音调，最后一个乐章演奏辉煌而又振奋。

循序渐进着，阐述着人生的哲理——不管人生的道路有多么艰难，勇敢前进吧！终有一天会迎来喜悦和幸福。

还有听了《土耳其进行曲》等，我静静地聆听这些伟大的作品心中怀有敬仰。

了解完后古典主义和浪漫主义时期的音乐，我们可以知道有一个人同时跨越了这两个时期，这个人就是贝多芬，接下来我们就来进入对贝多芬这位伟大的音乐家的学习。

贝多芬，信仰共和，崇尚英雄，创作了有大量充满时代气息的优秀作品，如：交响曲《英雄》、《命运》；序曲《哀格蒙特》；钢琴奏鸣曲《悲怆》、《月光曲》、《暴风雨》、《热情》等。

一生坎坷，没有建立家庭。

二十六岁时开始耳聋，三十一岁全聋，只能通过谈话册与人交谈。

但孤寂的生活并没有使他沉默和隐退，在一切进步思想都遭禁止的封建复辟年代里，依然坚守“自由、平等”的政治信念，通过言论和作品，为共和理想奋臂呐喊。

贝多芬的《命运交响曲》共分为四个乐章，整部作品精炼、简洁、结构完整统一、内容深刻。

他在这部伟大的作品体现了人的精神同命运想斗争的过程，这正如他所说的要扼住命运的咽喉，它不能是我完全屈服。

即使再遭遇到多大的苦难，也不会屈服与命运。

这是对我们的一种鼓励，也是其经典之处吧。

《田园交响曲》是他少有的各乐章均有标题的作品之一，整部作品细腻感人、朴实无华、宁静安逸。

让人回味无穷、流连忘返。

贝多芬还有很多作品是值得我们去慢慢体会的。

这节课让我最印象深刻的就是学习《欢乐颂》，我们跟随者老师的节奏，似乎走进了音乐的殿堂，用音乐净化自己的心灵。

接下来这一节课讲的是音乐内容。

汉斯立克在针对音乐偏离本质的情况下，呼唤音乐回归本身，强调音乐是表现人的情感运动的物理属性，这对当时西方欧洲音乐美学产生了影响。

中国古人嵇康曾经说过对音乐看法有自然之合，不同的人对音乐有不同的看法。

凡音之起，由人心生也。

人心之动，物使之然也。

感于物而动，故形于声；声相应，故生变；变成方，谓之音；比音而乐之，及干戚羽旄，谓之乐也。

乐者，音之所由生也，其本在人心感于物也。

音乐是一个殊途同归的大道，乐之乐有内容，音之乐则没有内容。

古代有“心弦”一词，每个人的心都是一乐器。

书画家通过人得眼睛打动人的心灵，而音乐家却通过触摸心灵来打动人。

“十指连心”，这个词说的真得很到位，你的十指不但连接着自己的心灵，同时也连接着别人的心灵，你的十指的拨动的节奏决定着你是否能触摸别人的心灵，拨动别人的心弦。

音乐是一个神奇的精灵，是语言，而又超越语言，世界上不可能有通用的语言，但却有通识的音乐。

在这节课我们还欣赏了四小提琴超女联奏沥血悲怆的《西贝流士小提琴协奏曲》，她们用自己的方式诠释对这首协奏曲的理解，撩动我们的心房。

接下来我们学习的是歌剧交响曲，其是歌剧第一幕幕布尚为拉开之前演奏的乐曲。

最早期的歌剧序曲只是自由而简单的闹场音乐，相当于现今剧场演出之前的三遍铃声，起到收拢心绪的作用。

17世纪末，开始出现了两种固定的范型：一种是“慢——快——慢”结构的法国式歌剧序曲；一种是“快——慢——快”结构的意大利式歌剧序曲。

至18世纪末的古典主义音乐时期，歌剧序曲成为歌剧重要的艺术表现形式，起着概括剧情的作用，其结构多为奏鸣曲式。

19世纪上半叶是歌剧序曲的黄金时代，随后，歌剧序曲的影响力便明显消退了。

19世纪下半叶，许多作曲家开始倾向于压缩歌剧序曲的规模，而宁愿改用前奏曲这种比较简短的体裁，只限于在幕前酝酿一种情绪。

在课上我们欣赏到了《卡门》序曲，它是歌剧《卡门》开场前的一首管弦乐曲。

歌剧《卡门》取材于梅里美的同名小说。

故事梗概是：卫队下级军官唐〃霍赛钟情于烟草女工卡门，并且参与了卡门的走私活动。

而卡门对唐〃霍赛越来越冷淡，并与斗牛士埃斯卡米洛热恋起来。

在一次斗牛活动中，埃斯卡米洛获胜。

当群众正在欢呼的时侯，唐·霍赛杀死了卡门，他自己也自杀身亡。

《卡门》序曲分为主部和插部，主部乐曲是一首节日进行曲，插部具有两个部分：第一插部的主题来自妇女儿童们在斗牛场上活泼地跳跃欢唱的曲调。

虽然情绪依然热烈，但音乐渗透着妇女们的细腻感情和孩子们的天真稚拙，第一插部从不同的侧面刻划了斗牛场的热烈氛围；第二插部是由弦乐主奏的、著名的“斗牛士之歌”。

曲调抒情而又威武雄壮，充满了内在的动力，与主部的音乐形成了鲜明的对比。

“斗牛士之歌”第二次出现时，铜管乐器演奏着坚定、强大而雄浑的进行！山节奏背景，音乐充满了骄傲和豪爽的阳刚之美，闪耀着男性的火光般的色泽，带有胜利者的英雄气概，鼓钱齐鸣，音乐推向辉煌灿烂的顶点而结束。

整部序曲建立在具有尖锐对比的形象之上，以华丽、紧凑、引人入胜的音乐来表现这部歌剧的主要内容。

序曲中集中了歌剧内最主要的一些旋律，而且使用明暗对比的效果将歌剧的内容充分地表现了出来。

接下来我们学习了浪漫主义民族乐派，它是在浪漫主义的整体风格下产生出的一种具有强烈民族个性和斗争性的乐派，主要以本民族的民歌和民间舞曲为素材，采用本民族的英雄史诗、神话传说和人民解放斗争的事迹为题材来创作。

充满了爱国主义激情和强烈的民族责任感，同时也浸含着对自己祖国、民族和人民的歌颂之情。

《荒山之夜》是俄国作曲家穆索尔斯基的代表作之一。

这是在19世纪欧洲民族乐派兴起后，俄国民族乐派利用本民族民间音乐、传说等素材勾勒出的一部杰出的交响音画，是交响音画作品中非常具有代表性的作品。

月夜，荒山上，藏在各种角落的妖魔鬼怪们纷纷从四面八方赶到荒山来参加黑暗之神魔王安排的夜宴。

夜宴上，妖鬼们朝拜和赞美黑暗之神，他们肆意狂欢，热闹非凡并且无所不能。

而正当狂欢进行到最高潮的时候，忽然传来了远方乡村教堂的钟声。

这钟声告示黎明要来了。

黑暗之神象泄了气的皮球一样，顿失威风。

那些妖鬼们慌成一团，然后夹着尾巴灰溜溜地四
处逃遁。

黎明来了。

黑暗之神消失了。

黎明的曙光静静地铺撒在大地上，初升的太阳象母亲慈蔼微笑的脸。

一切是那样的安宁，祥和，清新，暖意融融，并且预示更加光明更加温暖的不远到来。

在这里，黑暗就是剥削制度下乱舞的群魔，光明则是自由社会里的温暖安宁。

黑暗绝不是永久的，它必将被光明打败。

穆索尔斯基将人类进程中非彼即此对照鲜明屡次经历的两段现实通过音乐再现了。

而《荒山之夜》里远方教堂的钟声正是一切受难灵魂的觉醒和反抗意识，它提示黎明的即将到来和光明的不可阻挡，这其实也是作曲家穆索尔斯基的理想，也是他朴素的生活愿望穆索尔斯基从未在高等音乐学府学习过，却接受过很好的音乐启蒙，也极具天赋。

从小在乡村的生活的他对农民和俄罗斯民间音乐怀有深厚的感情。

他痛恨腐朽制度下的一切压迫罪恶和不公平。

这对他日后的创作影响巨大。

他的作品有许多是关注和同情社会最底层平民的，同时也有许多嘲讽揭露黑暗的现实。

现实主义的创作手法，强烈的色彩反差风格，和理想主义的光辉照耀，这些都给穆索尔斯基的音乐注入了饱满的生命力和持久的艺术感染力。

赏析完独具特色的歌剧交响曲，接下来我们进入了印象主义音乐的世界了。

印象主义音乐产生于十九世纪末，是受“象征主义文学”和“印象主义绘画”的影响而出现的一种音乐流派。

印象主义音乐带有一种完全抽象的、超越现实的色彩，是音乐进入现代主义的开端。

它的音乐形式、织体、表现手法、基本美学观点以及所追求的艺术目的和艺术效果都与古典和浪漫主义有着很大的分歧与差别。

它并不通过音乐来直接描绘实际生活中的图画，而是更多地描写那些图画给我们的感觉或印象，渲染出一种神秘朦胧、若隐若现的气氛和色调。

在乐曲的形式上也多采用短小的、不规则的形式，以便更好地体现出印象主义音乐较为自由的特点。

拉威尔、德彪西是印象派作曲家的杰出代表人物。

拉威尔的所有作品几乎都洋溢着舞蹈的节奏，而这种魅力在《波莱罗》中却表现得最为淋漓尽致。

一听到它那著名的“纠缠不清”的节奏，眼前就会幻化出这样的情境：一间低等的西班牙小酒馆，一张残留着酒渍的大圆桌上，神情痴迷、一言不发的西班牙茨冈女郎在众多酒徒的喧闹、掌声和口哨声中不知疲倦地舞蹈，在这令人心荡神怡的音乐魔力的吸引下，舞台上所有的人们全都卷入这热情激昂的舞蹈之中，最后在狂热的气氛中结束。

而德彪西的《牧神午后前奏曲》描绘了一幅烈日当空，半神半兽的牧神在树荫下休息的场面，音乐淋漓尽致的表现了牧神的思想展开、幻想爱情、回顾孤寂的过程。

印象主义音乐所表现非常美妙的音响是人们内心真实情感的表达，将永远屹立于世界音乐之林中。

接下来我们就进入了现代主义音乐的学习。

现代主义音乐和浪漫主义及其以前的西方传统音乐相比，现代音乐不仅有了非常大的变化,而且风格也十分多样化。

在现代的经济、政治、科学以及其他艺术思潮的影响下，在音乐艺术本身内在规律的作用下，西方传统音乐的基本法则相继被一一打破了；在这个过程中，由于各个作曲家所采纳的途径、手段不同，因而流派之间、作曲家之间以及作品之间都呈现出比历史上以往任何时候都更为复杂的面貌。

在以往的历史时期中，总有一种占统治地位的主要音乐风格，而在20世纪中，几种不同的、甚至相对立的音乐思潮平行发展的现象是屡见不鲜的。

音乐风格的变迁决定了音乐内部各个组成要素的创新。

在音高、节奏、音色、力度、组织结构法等各个方面，现代音乐都作了前所未有的突破。

这一方面形成了现代音乐本身的主要音响特征，另一方面音乐的表现范围也空前扩大了。

作曲家获得了更多、更丰富的创作手段，但是由于这些技法常常越出了人们的听觉习惯和熟悉的音乐思维的范畴，听众与现代音乐之间常常出现深刻的隔阂。

随着是潮流的发展，音乐也随之变得越来越复杂。

这种变化并非仅是音符产生了变化，更是在社会影响下音乐创作人内心的变化。

这体现了文化是对政治、经济的一种反映。

时间过得很快，我们来到了交响乐赏析的最后一课中国传统音乐的审美特征。

中国古代音乐，由于以礼为规范，其审美必然理重于情、善重于美、道重于欲、古重于今；必然要求其内容
乐而不淫、哀而不伤、怨而不怒、温柔敦厚和形式的中正和平，即以“中和”为美。

可以说“中和之美”是中国古代音乐美的创造与欣赏的主要追求目标和重要指导原则，因此，无论是文人音乐、宫廷音乐或者是宗教音乐、民间音乐，都较注意分寸感，讲究恰到好处，强调“含蓄”、“蕴藉”，而在主体精神的感受上则追求“和谐”的境界。

欣赏中国传统音乐，不能要求象欣赏犹如西方写实的立体油画的西方音乐那样，单以形象鲜明、结构典型、戏剧高潮和色彩丰富来衡量其艺术价值。

当然，随着社会的进步和发展，传统审美理念和思维习惯不可能是僵死不变的东西，尤其在世界文化之间相互渗透、逐渐走向融合的今天，已发生很大的改变，但祖先留下的丰富音乐文化遗产，需要我们认真研究，不断挖掘、总结，这样才能保持住民族音乐特色和根基，弘扬和发展好中国自己优秀的音乐文化。

在课上我们听了谭盾的《地图》，这部协奏曲将湘西的乡情、人文特色用现代艺术的手法表现出来。

谭盾说：“在《地图》里面有很多多媒体的表现，过去与未来时空的同步，旧声音和新声音的融合，不同音响乐器视觉的存在。

我觉得最重要的是，生命是有限的，但是如果我们可以把文化保存下来，延续到未来，我们就会发现，生命是无限的。

这是我特别强调的。

能触动你的心灵，是因为当我们所有的人都不在了以后，这个音乐还会继续。

”从湘西走向世界，《地图》已经不仅仅是一部音乐作品，更是寻找中国传统文化的工程，让人们听到了我们正在失去多么美好的东西，如果把传统带向未来，未来就不是未来。

在课上我们还跟着老师唱了《菊花台》，老师独具特色地给我们讲解歌中的情感，让我们更好的诠释这首歌。

结语
音乐是表面赋予声音更是塑造心灵、展现人生的艺术。

在交响乐赏析课上我系统地学到了交响乐的知识，听到了许多交响曲。

在聆听这些伟大的音乐作品，即使身处在城市的尘嚣，我们的心灵也会在这一刻得到了沉淀，深思……。